Rock

Acht Jahre nach ihrem Debütalbum ist Space Elevator mit "Persona Non Grata" ein bemerkenswertes drittes Album gelungen. Das Album enthält elf herausragende Titel, die von Leadsängerin The Duchess und Gitarrist David Young geschrieben wurden. Das Songwriting basiert auf den musikalischen Einflüssen der größten und besten Bands der Geschichte, jedoch mit einem modernen Twist, der einen einzigartigen Sound bei Space Elevator erzeugt. Die Songs sind im klassischen Rock-Genre angesiedelt, weisen aber auch Elemente von Pop, Prog und sogar Funk wie bei "Love You Better", auf.
Nach dem cineastischen Intro „Persona Non Grata, Part 1“ mit seiner Mischung aus akustischen Gitarren und Streichern, wird im direkt folgenden Part 2 der Aufzug in Fahrt gebracht. Schwere Gitarren und ein hartes Schlagzeug zusammen mit dem aggressiven Gesang von The Duchess verschmelzen zu einem hörenswerten komplexen und dynamischen Sound, der die instrumentalen Fähigkeiten der Band zur Geltung bringt. Das progressive Zusammenspiel von Gesang, der in manchen Sequenzen in einer Oper Platz finden würde, um sich kurz danach in eine Rockröhre zu wandeln, und teils in den Hardrock reichenden Gitarrenspiel, sorgen mit Unterstützung der starken Rhythmussektion für einen kompakten fetten Sound, mit Stil- und Tempowechseln. Dabei gelingt es der Band aber, diese Wechsel in den Stücken so ineinander zu verflechten, dass es zu keinen Brüchen kommt.
Die musikalische Nähe zum Frühwerk von Queen ist offensichtlich, aber auch Anklänge an Kate Bush, Genesis und sogar an moderne Ikonen wie Pink sind zu hören. So wird The Duchess starker Gesang in einigen Songs noch von zum Teil selbst gesungenen choralen Backgoundvoices z.B. in „Duchess Of This Town“ unterstützt, was auch Queen als Stilmittel einsetzte. Die Kernband, bestehend aus Schlagzeuger Brian Greene, Bassist Chas Maguire und Gitarrist David Young, wird ergänzt durch Klavier und Keyboards von Michael Bramwell, der zusammen mit Produzent Adam Vanryne zu einem bombastischen und theatralischen Stil beiträgt, der oft in den Grooves von Alice Cooper, Jellyfish oder Led Zeppelin zu finden ist. Space Elevator bleiben jedoch ihrem eigenen, einzigartigen Sound treu, der sich durch ihr Songwriting und ihren gemeinsamen Sound vom Mainstream abhebt.
Das abschließende "Reverie and Souvenirs" wandelt sich nach der Hälfte des Stücks von einer Power-Ballade zu einem sechzehntaktigen Music-Hall-Jazz, bei dem The Duchess einen exquisiten Harmoniegesang beisteuert. Der Hörer wird von der Vielfalt der Rhythmus- und Stilwechsel überrascht, die nahtlos ineinander übergehen und einige clevere Kompositionen und Arrangements zeigen.
Interessant ist, dass beim Zuhören manche Dinge erst beim zweiten oder dritten Abspielen richtig wahrgenommen werden, das Album nicht an Reiz verliert und so zum wiederholten Anhören einlädt.
In der Form kann Space Elevator bei Fans der klassischen und progressiven Rockmusik eine Lücke schließen, welche die altgedienten Bands hinterlassen haben und frischen Wind in diese Szene bringen.

Side A
01 Persona Non Grata, Part 1
02 Persona Non Grata, Part 2
03 Duchess Of This Town
04 Passive Aggression
05 Stevie Nicks Smile
06 First Girl On The Moon
Side B
01 Ritchie (See You Later Baby)
02 Cheeful Frank
03 Love You Better
04 I Will Hold On To You
05 Reverie And Souvenirs

Acht Jahre nach ihrem Debütalbum ist Space Elevator mit "Persona Non Grata" ein bemerkenswertes drittes Album gelungen. Das Album enthält elf herausragende Titel, die von Leadsängerin The Duchess und Gitarrist David Young geschrieben wurden. Das Songwriting basiert auf den musikalischen Einflüssen der größten und besten Bands der Geschichte, jedoch mit einem modernen Twist, der einen einzigartigen Sound bei Space Elevator erzeugt. Die Songs sind im klassischen Rock-Genre angesiedelt, weisen aber auch Elemente von Pop, Prog und sogar Funk wie bei "Love You Better", auf.
Nach dem cineastischen Intro „Persona Non Grata, Part 1“ mit seiner Mischung aus akustischen Gitarren und Streichern, wird im direkt folgenden Part 2 der Aufzug in Fahrt gebracht. Schwere Gitarren und ein hartes Schlagzeug zusammen mit dem aggressiven Gesang von The Duchess verschmelzen zu einem hörenswerten komplexen und dynamischen Sound, der die instrumentalen Fähigkeiten der Band zur Geltung bringt. Das progressive Zusammenspiel von Gesang, der in manchen Sequenzen in einer Oper Platz finden würde, um sich kurz danach in eine Rockröhre zu wandeln, und teils in den Hardrock reichenden Gitarrenspiel, sorgen mit Unterstützung der starken Rhythmussektion für einen kompakten fetten Sound, mit Stil- und Tempowechseln. Dabei gelingt es der Band aber, diese Wechsel in den Stücken so ineinander zu verflechten, dass es zu keinen Brüchen kommt.
Die musikalische Nähe zum Frühwerk von Queen ist offensichtlich, aber auch Anklänge an Kate Bush, Genesis und sogar an moderne Ikonen wie Pink sind zu hören. So wird The Duchess starker Gesang in einigen Songs noch von zum Teil selbst gesungenen choralen Backgoundvoices z.B. in „Duchess Of This Town“ unterstützt, was auch Queen als Stilmittel einsetzte. Die Kernband, bestehend aus Schlagzeuger Brian Greene, Bassist Chas Maguire und Gitarrist David Young, wird ergänzt durch Klavier und Keyboards von Michael Bramwell, der zusammen mit Produzent Adam Vanryne zu einem bombastischen und theatralischen Stil beiträgt, der oft in den Grooves von Alice Cooper, Jellyfish oder Led Zeppelin zu finden ist. Space Elevator bleiben jedoch ihrem eigenen, einzigartigen Sound treu, der sich durch ihr Songwriting und ihren gemeinsamen Sound vom Mainstream abhebt.
Das abschließende "Reverie and Souvenirs" wandelt sich nach der Hälfte des Stücks von einer Power-Ballade zu einem sechzehntaktigen Music-Hall-Jazz, bei dem The Duchess einen exquisiten Harmoniegesang beisteuert. Der Hörer wird von der Vielfalt der Rhythmus- und Stilwechsel überrascht, die nahtlos ineinander übergehen und einige clevere Kompositionen und Arrangements zeigen.
Interessant ist, dass beim Zuhören manche Dinge erst beim zweiten oder dritten Abspielen richtig wahrgenommen werden, das Album nicht an Reiz verliert und so zum wiederholten Anhören einlädt.
In der Form kann Space Elevator bei Fans der klassischen und progressiven Rockmusik eine Lücke schließen, welche die altgedienten Bands hinterlassen haben und frischen Wind in diese Szene bringen.

01 Persona Non Grata, Part 1
02 Persona Non Grata, Part 2
03 Duchess Of This Town
04 Passive Aggression
05 Stevie Nicks Smile
06 First Girl On The Moon
07 Ritchie (See You Later Baby)
08 Cheeful Frank
09 Love You Better
10 I Will Hold On To You
11 Reverie And Souvenirs

Dies alles vereint die Dortmunder Rockband the Tierheims, die sich in der aktuellen Besetzung kurz vor Ausbruch der Pandemie im März 2020 zusammengefunden hat (einen ungünstigeren Zeitpunkt hätte es nicht geben können!). The Tierheims fabrizieren ausschließlich eigene Songs und man könnte nun behaupten, dass sie eine sehr vielseitige, schonungslos ehrliche und dennoch atmosphärisch melodiöse Combo sind . Doch eigentlich ist es the Tierheims lieber, als stinknormale Rockband betitelt zu werden, ohne großen Schmuck am Nachthemd und dennoch mit Liebe zum Detail.
Dank des angeborenen Spieltriebes und der mannigfaltigen Erfahrungen der Bandmitglieder (insgesamt über 100 Jahre Bühnenreife!) entstand im Dortmunder Tierasyl eine coole Mischung aus Rock, Punk und Alternative und es folgten Titel wie Talking to trees oder Assheads auf.
Innerhalb des Lockdowns fühlten sie sich wie eine cornered cat, die Bock hatte zu spielen, sich jedoch mit allerlei Streaming-Konzerten, kleineren Locations mit wenig Publikum und Radioaktionen (WDR2, beste Band im Westen im Mai 2021) zufrieden geben musste.
Die in die Ecke getriebene Katze namens the Tierheims konnte dann im Oktober 2021 bei fünf Konzerten innerhalb von nur zwei Tagen auf dem legendären Fantasy Festival Annotopia ihr Können unter Beweis stellen. Das nun erschienene, gleichnamige Album cornered cat setzt den fulminanten Ausbruch der Katze aus der Ecke konsequent fort. Damit fangen sie bestimmt nicht nur fette Mäuse!

01 Breakout
02 Simple Man
03 Alright
04 Things
05 Buzzing
06 Talking to Trees
07 Euphoria
08 Rollercoaster
09 Lovesong
10 Assheads
11 Too Deep
12 Awake and Away

01 Burning Up With Fever
02 See You Tonite
03 Rockin’ In The USA
04 You’re All That I Want
05 She’s So European
06 Always Near You
07 All American Man
08 Tossin’ And Turnin’
09 Goodbye
10 Easy As It Seems

Raindance Kid ist eine Hamburger Country Noir und Post Rock Band, die ihre Wurzeln zwar im Americana hat, die romantisch-staubigen Pfade des Alternative-Country aber immer wieder verlässt und sich in Sound-Experimenten zwischen psychedelischem Rock und brachialem E-Gitarren-Ambient treiben lässt.
RDK kreiert einen Sound, der in jedem Moment mehr ist, als die Summe seiner einzelnen Teile; Banjo, E-Gitarre, Bass, Violine, Drums und Gesang. Musikalische Sehnsucht und poetische Besessenheit sind der Stoff, aus dem die Träume dieser Band sind. Und die teilen sie mit ihren Zuhörern nur zu gerne. Reißen sie mit in einem Klang-Orkan zwischen Gewalt und Sinnlichkeit, zwischen Trance und Ekstase.
Die Wortschöpfung Country Noir ist nicht umsonst an das klassische Kinogenre des Film Noir angelehnt. Geht es in den Songs doch immer wieder um das auf sich selbst zurückgeworfene Individuum, das mal als Outlaw dem Gesetz der Wildnis und mal als Stadtneurotiker der urbanen Einsamkeit trotzen und sowohl dem Freudentaumel als auch den Merkwürdigkeiten und Abgründen menschlicher Beziehungen begegnen muss. In dieser stilisierten Tristesse, gleichsam lyrischer Kunstraum und symbolschwere Welt der Innerlichkeit, bricht sich Spiritualität und poetische Kontemplation bahn, in einer von Metaphern und Allegorien durchflochtenen Sprache.
Umso überraschender ist die feine (Selbst-)Ironie, die in den sonst eher schwer und düster-romantisch anmutenden Texten immer wieder zum Vorschein kommt.
Der Drang ihren Sound, musikalischen Ausdruck und ihre ganz eigene Sprache immer wieder neu zu erforschen und zu erfinden treibt diese ungewöhnliche Band an.
Raindance Kid zitiert keine Emotionen. RDK ist klang-gewordene Emotionalität in Reinform.

1. Ride On
2. Nemesis
3. Lay Me Doon
4. Chimeras
5. Third National Lockdown
6. Down The Line
7. Give Me This Waltz

Wenn man den Namen Friedel Geratsch hört, denken viele an die Neue Deutsche Welle und an spaßige Songs, die trotzallem immer eine tiefergehende Botschaft hatten.
Hier, auf seinem ersten Soloalbum, immerhin spielt er seit 1964 Gitarre, beweist der Ruhrpottler, dass er vielschichtiger und nachdenklicher ist. Das ist keine »Ja, ne lustig«-Platte, die Songs muß man sich in Ruhe anhören, das ist nichts zum Nebenbei-Streamen. Wir sind stolz, dass wir mit Friedel zusammen diese Platte der (Musik-)Welt präsentieren können. Das ist 100% Geratsch.

»Ich bin an einem Ort zwischen Schatten und Licht« ist nicht nur eine Liedzeile, sondern eine eine klare Standortbeschreibung. Süße Melancholie trifft auf kraftvolle, stampfende Rhythmen und fesselt vom ersten bis zum letzten Ton. Und das alles gespielt auf, von Friedel selbstgebauten, viersaitigen, Cigarboxgitarren.
Ehrlicher und erdiger kann Musik nicht sein. Und denkt immer dran, lebt jeden Moment bewußt, »weil man die Milch nicht mehr aus dem Kaffee nehmen kann«.

01 So vergeht die Zeit
02 Die Wüste in mir
03 Mit dem Abstand der Jahre
04 Aus dem Ruhrpott
05 Es ist heiß
06 Kein Blues
07 Tausend Frauen
08 Danke Danke Danke

Positiv fällt auch der ungemein transparente, klare und sehr räumliche Sound auf. Immer dann, wenn auch das klassische Rockinstrumentarium verstärkt als Gegenpol in Erscheinung tritt, hat „The Moon On A Stick“ seine stärksten Momente. Dies beweist Kuinke beispielsweise auf „Traces In My Mind“, einer feinen Eloy-Hommage, und dem gut achtminütigen „The Man In The Spotlight“, das geschickt selige Pink-Floyd-Zeiten aufleben lässt. Dieser Mix aus Flötenklängen, die auf satte Keyboardteppiche und elegische Gitarrensoli treffen, funktioniert hervorragend und macht richtig Spaß. (Martin Dambeck, babyblaue-seiten.de)

01 Sunday Mood
02 The Moon on a Stick
03 In a Daze
04 Blue Hour
05 Traces in My Mind
06 Stillborn
07 Raqs Sharqi
08 Quantum Theory and Philosophy
09 Breathe In
10 Wait for the Light of the Day
11 Scars
12 The Man in the Spotlight

In den späten Siebzigern und frühen Achtzigern gehörten Mountain Ash, die Band um "Werner Naolnys Jane" Gitarrist Dete Klamann, zu den umtriebigsten Bands in Hannover und Region.
1976 nahmen sie ihre Single in der legendären Ton Cooperative in Hannover auf und 1980 ihre Langspielplatte im Jane Studio in Sarstedt. Jetzt gibt es die Aufnahmen erstmalig, digital remastered, auf einer CD.
Im Booklet der CD findet der Fan einen QR Code , der zu einer Internetseite führt, auf der viele Fotos aus Dete Klamanns "Mountain Ash"-Fotoalbum zu finden sind.

01 Salaam
02 Moments In Our Life
03 Island Of Peace
04 Imagination
05 My Child
06 Dream
07 Silence Is Louder Than Crying
08 Smokers Sorrow
09 Devils In The Sky
10 Mountain Ash III

Ein Song über die Heucheleien des endlich Ex-Präsidenten Trump.

Der Song lässt sich am Ende der Bestellung downloaden.

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• 3 Druckknöpfe aus nickelfreiem Metall im Schritt
• strapazierfähige Stoffqualität: 200g/m²
• 100% Baumwolle aus biologischem Anbau (Grau meliert: 85% Baumwolle aus biologischem Anbau, 15% Viskose)

Aufdruck „Lüttker Wippsteert“, weiß, Größe 74 (6-9 Monate)

Ein Gruß aus dem Osnabrücker Hafen: Das Unisex-Shirt gibt es in schwarz oder weiß und kommt mit stimmungsvollen Foto-Druck und einem großen Wippsteert-Schriftzug auf der Vorderseite. Lässiges Detail: das „Mucke up Platt.“ im Foto.

Jetzt liegt mit der Doppel-CD „Live In Gifhorn“, die am 14.04.2015 im Rahmen ihrer „A To Z“-Tour im dortigen KultBahnhof aufgezeichnet wurde, ein aktuelles Dokument ihrer ungebrochenen hochkarätigen Performerqualitäten vor.
So präsentierte das virtuose Quartett einen vorzüglichen Querschnitt aus seinem reichhaltigen Oeuvre, spielte Songs aus seinen Studioklassikern „Don't Point Your Finger“ (1981) und „Third Degree“ (1982), wartete mit Material von späteren Alben wie „On The Road Again“ (1991) und „It's Never Too Late!“ (2009) auf und begeisterte mit Nummern, die bereits sein sensationelles Live-Debüt krönten („Tore Down“, „Pack, Fair & Square“, „Wooly Bully“).

CD 01
01 Mechanic Man
02 I’m So Alone
03 Rockin’ Robin
04 Hard Going Up (Twice As Hard Going Down)
05 I Can’t Quit You Baby
06 Don’t Point Your Finger At The Guitarman
07 Johnny Weekend
08 Down In The Dirt
09 On The Road Again

CD 02
01 Tore Down
02 Can’t Do My Homework Anymore
03 I’ve Got My Mojo Working
04 Stormy Monday
05 Riding On The L & N
06 It’s Never Too Late
07 Why Don’t You Try Me Tonight
08 Albatros
09 Pack, Fair & Square
10 Wooly Bully
11 20 Yards Behind
12 A Little Understanding

Es ist wie mit einem neuen Tarantino: Man hat den Film noch nicht gesehen, aber man sollte sich den Soundtrack schonmal anhören! Denn die Songs aus der deutsch-skandinavischen Komödie "Wenn Fliegen träumen", der Independent-Filmemacher Katharina Wackernagel und Jonas Grosch, haben es in sich.
Angeführt von Eigenkompositionen des ehemaligen "Mardi Gras.BB"-Masterminds Doc Wenz, verwebt die Compilation spielfreudig Tracks von "Ray Collins' Hot-Club", "Ali Gator & His Real Hot Reptile Rockers" und "Bukahara". Eine wilde Mischung, die erahnen lässt, was das skurrile Roadmovie im Sommer 2019 zu bieten hat. Abgerundet wird das Ganze mit einer kroatischen Western-Soul-Nummer von "Ivana Rushaidat & Rakete" – noch Fragen?

SIDE A
1 Bukahara - Durak
2 Ali Gator & His Real Hot Reptile Rockers - Bron Deep Down In The Country
3 Jochen Wenz - My Heart Flies Back To You
4 Ivana Rushaidat & Rakete - Ne Dam Te
5 Ali Gator & His Real Hot Reptile Rockers - So Good So Bad
6 Slowdog - Fluffy Beach Theme
7 Bukahara - Suomi

SIDE B
1 Ray Collins’ Hot-Club - Strange
2 Ali Gator & His Real Hot Reptile Rockers - Motorcycle Bound
3 Ray Collins’ Hot-Club - Martini
4 Ali Gator & His Real Hot Reptile Rockers - Lost On B33
5 Ray Collins’ Hot-Club - Crash 16
6 Bukahara - A Child’s Tale
7 Jochen Wenz - If I Could Be With You

Es begann 1970 in Hannover, wo sich etwa zur gleichen Zeit auch andere deutsche Erfolgsgruppen wie Eloy und die Scorpions gründeten. In einer ausgedienten Brotfabrik im Stadtteil Bothfeld, die von vielen Bands der Stadt als Übungsraum genutzt wurde, trafen sich fünf junge Musiker. Jeder war mit dem Instrument, das er spielte, unzufrieden. Also wurden die Instrumente untereinander getauscht: Der Sänger kam ans Schlagzeug, der Saxophonist an die Orgel, der erste Bassist wurde Sänger, der zweite tauschte mit dem Gitarristen und umgekehrt. Und siehe da, es passte. Sie beschlossen zusammenzubleiben und tauften die Band Jane. Eine Erfolgsgeschichte nahm ihren Lauf … (Manfred Saler)

01 Your circle
02 Expectation
03 Waiting for the sunshine
04 Hangman
05 Daytime
06 I'm so down
07 Just so in love
08 Beautiful lady
09 Way to paradise
10 Silence
11 So so long
12 Die Stimme der Venunft
13 Covern "Der Chef": Bambule Rock (Data Track)

Unserer Bandinfo beginnt bekanntlich mit dem Hinweis, dass beim ersten Auftritt von Jane am 5.12.1970 wohl kaum jemand ahnte, dass sich diese Formation zu einem der erfolgreichsten Rock-Acts Deutschlands entwickeln sollte. Und noch viel weniger konnte man damals voraussehen, dass ausgerechnet genau 50 Jahre später ein gefährliches Virus den weitaus größten Teil der Feierlichkeiten zum Bandjubiläum zunichte machen würde. Im Seuchenjahr 2020 werden wir aller Voraussicht nach keine Club-Gigs mehr spielen können.
Daher haben wir uns entschlossen, unseren treuen Fans Live-Musik zumindest als CD und DVD anzubieten. Die Grundlage dazu stammt aus dem Jahre 2013 von unserem Auftritt im Black Hand Inn in Gadenstedt, der in Bild und Ton aufgezeichnet wurde. Leider war das Material mit technischen Fehlern behaftet, was seinerzeit dazu führte, dass die geplante Veröffentlichung des gesamten Konzertes gestoppt wurde. Dank der professionellen Hilfe unseres Toningenieurs Ossy Pfeiffer konnten wir jetzt wenigstens einen Teil der Songs retten.
Eine Aufwertung bekommt das Ganze aber auch noch dadurch, wenn man bedenkt, dass es sich um eines der letzten Konzerte handelt, bei dem Werner Nadolny wenige Monate vor seinem krankheitsbedingten Ausscheiden Ende 2014 noch mitwirken konnte. Auch Dete Klamann, der die Band Ende 2020 aus gesundheitlichen und privaten Gründen verlassen wird, ist hier noch einmal in voller Aktion zu sehen.
Diese CD ist also für den geneigten Jane Fan die letzte Möglichkeit, die Band noch einmal in dieser Besetzung zu erleben.

1. Lady
2. Love Me Or Leave Me
3. Daytime
4. Borrowed Time
5. Out In The Rain
6. Windows / Spain / Love Your Life
7. I Believe
8. Hangman

Pea And The Pees sind fünf Honky Tonks, die die Vorzüge von Town & Country verbinden. Ein Teil der Band wohnt zurückgezogen in den pfälzer Bergen, abgeschnitten von Elektrizität und fließendem Wasser, die restlichen Pees in der Drittel-Millionen Metropole Karlsruhe - und das ist spürbar. Rauer Großstadt-Rock'n'Roll und folky Hillbilly-Rhythmik geben sich die Hand.
Man stelle sich die blutjunge Dolly Parton vor und eine wilde, ungestüme Horde um sie herum, die trockene Morricone-Sounds und stark vom Punk kommende Rotzigkeit und Einfachheit dazu schmettert. Das ganze ist sehr tanzbar und überraschend eingängig. Gewürzt wird mit Mundharmonika, Kuhglocken, Melodika, Akkordeon, Maultrommel und Rasseln.
Es ist Musik, die deine Beine kitzelt, zu der man trinken und jubeln will. Andere meinen, eine Schnittmenge aus den Talking Heads, Monkees und den countryfizierten Velvet Underground zu hören, was die Band völlig verblüfft... Pea And The Pees sind das neuste Pferd im bayrischen Off-Label Records Stall, das auch schon wunderbare Platten von The Dad Horse Experience oder DM BOB herausschleuderte. Erleben Sie schmutzige Sohlen und ungebremste Spuckefäden.

01 Why don't you come back to me
02 When I go wrong
03 Superchicks
04 Moments
05 New guy
06 Husband
07 Sunshine of my life
08 Naked
09 Read between the lines
10 Nobody knows
11 What to do
12 Friendly fellows
13 Supersweet polka
14 Female
15 Tell me

Für eine ausgewählte Rotte regelmäßiger Konzertbesucher gilt die Osnabrücker Band Doctorhood als Untergrund-Institution. Dabei verbleibt die Band regelmäßig unterhalb des Radars von Presse und Medien, verstrickt eigenbrötlerisch Zeitgeschehen und Weltgeschichte in halsbrecherisch zynische, teils radikal anmutende Performances.
Nach eigenen Angaben ist Doctorhood gelebte Sub-Subkultur. Seit 1994 verfolgt sie eine Genre unabhängige, eklektische Arbeitsweise. Verschiedene musikalische Stilrichtungen werden in den Sound der Band integriert: Vom depressiv angehauchtem Liedermacherszenario bis hin zu Grindcore, Punk, Progressive Rock oder Country bemüht Doctorhood diverse Stilmittel, die für die thematische Umsetzung ihrer Liedthemen von Nöten sind.
Die seltenen Live-Auftritte sind jeweils Unikate. Zwischenmoderationen und Performance-Elemente finden nur ein einziges Mal statt. Oftmals erfährt man von diesen Auftritten nur durch Mund-zu-Mund-Propaganda. Oder man schiebt sich Zettel zu. Stets wird das Publikum interaktiv am Verlauf des Konzertes beteiligt, wird oftmals mit „Kladüsen“ beworfen, die ins Publikum gerufene Wortbeiträge auch visuell unterstützen. Im Sinne eines sehr alten Rock'n'Roll-Gedankens werden die jeweiligen Spielstätten ob des Bewurfs mit „Kladüsen“ zumeist – nun, sagen wir: etwas unaufgeräumt zurückgelassen. Rock'n'Roll eben.
Nach vier Alben der Band, von denen kein einziges für den Verkauf vorgesehen war, wird das fünfte Doctorhood-Album „Autopilot“ erstmals auch im freien Handel erhältlich sein.

01 Promised Land
02 Sold Out
03 Autopilot
04 Ballooning
05 The Mayan Prophecy Pt. I
06 Ferrymans Revenge
07 The Fish
08 The Mayan Prophecy Pt. II
09 Rock'n'Roll Convenience
10 Minus Growth
11 The Tyrant Ego

Das fünfte Album des Regensburgers wandelt wieder lässig durch die Geschichte des Rock and Roll. Entstanden in einer rohen Livesession, begleitet von seiner grandiosen Electric Band, zeigen diese 12 Songs einen Songwriter, der sich nicht eingrenzen lässt und stilsicher Trends aus dem Weg geht.  Der Sound besticht durch Wärme und verbreitet stilsicher 70s-Flair ohne dabei altmodisch zu wirken. Die lockere Atmosphäre in der Magnolia entstanden ist, hat sich auch auf die zahlreichen Gäste übertragen. So abwechslungsreich wie nie ist Magnolia ein mutiges Werk und spricht mit jeder Textzeile und jeder Note einem gereiften Songwriter aus der Seele. Eine Liebeserklärung an die Musik.

01 They Put Out The Fire
02 Saving Grace
03 The Loneliest Place
04 One More Song To Play
05 What Have I?
06 Magnolia
07 Roll With The Punches
08 Endless Summer
09 Chasing Sparrows
10 Purple Moon
11 Between The Lines
12 The Losing End

Unserer Bandinfo beginnt bekanntlich mit dem Hinweis, dass beim ersten Auftritt von Jane am 5.12.1970 wohl kaum jemand ahnte, dass sich diese Formation zu einem der erfolgreichsten Rock-Acts Deutschlands entwickeln sollte. Und noch viel weniger konnte man damals voraussehen, dass ausgerechnet genau 50 Jahre später ein gefährliches Virus den weitaus größten Teil der Feierlichkeiten zum Bandjubiläum zunichte machen würde.
Im Seuchenjahr 2020 werden wir aller Voraussicht nach keine Club-Gigs mehr spielen können. Daher haben wir uns entschlossen, unseren treuen Fans Live-Musik zumindest als CD und DVD anzubieten. Die Grundlage dazu stammt aus dem Jahre 2013 von unserem Auftritt im Black Hand Inn in Gadenstedt, der in Bild und Ton aufgezeichnet wurde. Leider war das Material mit technischen Fehlern behaftet, was seinerzeit dazu führte, dass die geplante Veröffentlichung des gesamten Konzertes gestoppt wurde. Dank der professionellen Hilfe unseres Toningenieurs Ossy Pfeiffer konnten wir jetzt wenigstens einen Teil der Songs retten.
Eine Aufwertung bekommt das Ganze aber auch noch dadurch, wenn man bedenkt, dass es sich um eines der letzten Konzerte handelt, bei dem Werner Nadolny wenige Monate vor seinem krankheitsbedingten Ausscheiden Ende 2014 noch mitwirken konnte. Auch Dete Klamann, der die Band Ende 2020 aus gesundheitlichen und privaten Gründen verlassen wird, ist hier noch einmal in voller Aktion zu sehen.
Diese DVD ist also für den geneigten Jane Fan die letzte Möglichkeit, die Band noch einmal in dieser Besetzung zu erleben.

1. Lady
2. Love Me Or Leave Me
3. Daytime
4. Borrowed Time
5. Out In The Rain
6. Windows / Spain / Love Your Life
7. I Believe
8. Hangman

Ein emotionales Pendel zwischen Melancholie und Optimismus. Eine Gemeinschaft aus Verlust, Trauer, Entfaltung und Hoffnung. Ein Aufruf zum Handeln. Fights Like Ours ist Andy Jones’ drittes und bislang persönlichstes Album. Der Singer-Songwriter befasst sich dabei mit zutiefst emotionalen Geschichten. Der Tod seines Vaters (I Don‘t Have Your Voice) und der Kampf seiner Mutter gegen den Krebs (Still Be Here) werden genauso zum Gegenstand der Songs wie seine eigenen, lang unterdrückten und versteckten emotionalen Narben.
Aber auch die gesellschaftskritischen Themen sind ihm nicht ausgegangen: So thematisiert er die Stigmatisierung von psychischen Erkrankungen (Fights Like Ours), den Rechtsradikalismus in Deutschland (You Don‘t Speak for Me) und die schwarzen Schafe der Musikszene (No Reciprocity). Außerdem setzt Jones seine Tradition fort, die Geschichten Anderer musikalisch zu erzählen (Running from Yourself, Better Late Than Never). Und wenn er die Geschichten nicht kennt, dann malt er sie sich anhand wahrer Beobachtungen und Interaktionen aus (Happy Now). Während er mit weiteren Songs philosophische (Shadows on a Cave Wall), metaphorische (Leaves, Where No Ships Remain) und imaginative Wege (Only One Arrives, The Life You Didn‘t Lead) erkundet, veröffentlicht der aus Großbritannien stammende Singer-Songwriter mit „Unumgehbar“ einen Bonustrack in der Sprache des Landes, das er seit nunmehr 15 Jahren seine Heimat nennt.
Musikalisch hat Fights Like Ours Jones dazu veranlasst, über den Tellerrand zu schauen: Sein üblicher Mix aus Rock, Folk und Piano-Pop wird nun durch Elemente der Ambient-, Country- und Indiepopmusik ergänzt. Textlich tragen einige Lieder die Früchte seiner Zusammenarbeit mit der Newcomer-Singer-Songwriterin Emily Larkin. Auch instrumentell experimentiert Jones weiter und bietet neue Klänge durch die Einbindung des Harmoniums, der Lapsteel-Gitarre, des Theremin, der Daf-Trommel und elektronischer Beats. Und in seiner eigenen Spielweise zeigen sich ebenfalls neuere musikalische Einflüsse: Der sonst eher als Strummer bekannte Gitarrist nutzt in einigen Songs nun auch Fingerpicking, wie man es auch von Größen wie Damien Rice, Glen Hansard, John Paul White und William Fitzsimmons kennt. Dennoch sind Jones’ „Rockwurzeln“ nicht zu überhören, wenn immer wieder ruhigere Anfangspassagen in kraftvolle Crescendos übergehen.
Unspoken (2016) ist ein Konzeptalbum über eine fiktive gescheiterte Beziehung. Shield (2018) befasst sich ebenfalls mit Beziehungen, beinhaltete darüber hinaus aber eine Vielzahl an Botschaften zu persönlichen, ethischen und politischen Themen (Elternschaft, Tierschutz, Flüchtlinge, Krieg, politische Gleichgültigkeit). Fights Like Ours offenbart nun Andy Jones’ scheinbar grenzenlose musikalische Vorstellungskraft, sein poetisches Können und seine unausweichliche emotionale Tiefe. Wie zuvor setzt Jones seine künstlerischen Talente ein, um Rücksicht, Mut und Selbstfürsorge zu fördern. Die Zuhörenden werden eingeladen, sich der unsichtbaren Legion der Überlebenden, die gegenwärtige und vergangene Hindernisse überwunden haben, anzuschließen. Fights Like Ours ist Jones Beitrag zum Soundtrack dieser Bewegung.

01 Fights Like Ours
02 Running From Yourself
03 Shadows On A Cave Wall
04 Still Be Here
05 Only One Arrives
06 Leaves
07 Where No Ships Remain
08 The Life You Didn’t Lead
09 I Don’t Have Your Voice
10 No Reciprocity
11 Happy Now
12 Better Late Than Never
13 You Don’t Speak For Me
14 Unumgehbar

„Ganz im Alleingang komponiert (alle Instrumente!), aufgenommen, gemixt, gemastert und produziert präsentiert Drummer Marcel Bach nach seiner ersten CD ‚Overload‘ und der DVD ‚Soundsurfer‘ nun mit ‚Progression‘ seine zweite CD. Die 9 Kompositionen bewegen sich in einem furiosen Crossover von Hardrock, Prog-Rock, Metal, Fusion, Odd Meter Grooves und Blast Beats. Nicht nur was die Drums angeht sprudelt Marcel nur so über vor Ideen, auch viele Gitarren-Riffs und Bass-Linien sind beachtenswert. Allerdings ist das alles keine leichte Kost, denn in fast jedem Song fordert Marcel seinen Zuhörer mit all den vielen Motiv-, Tempo- und Taktwechseln höchste Konzentration ab, damit auch je kein feines, kleines Detail entgeht. Das ist schon fast musikalischer Overkill, aber eben nur fast, denn Marcel kriegt auch immer rechtzeitig die berühmte Kurve und präsentiert dann eine den bombastischen Soundmix auflockernde und auch mal entspannte Passage. Etwas ruhiger wird es erst mit Track 6, der pianobasierten Komposition ‚Piano II‘ und funky groovend zeigt er sich im Titel ‚Dune‘. Und recht entspannt bringt er dann sogar mit ‚Endless‘ eine CD zum Ende, die eindrucksvoll beweist, dass Marcel zu recht den ‚Deutschen Rock- und Pop Preis 2008‘ in der Kategorie ‚bester Schlagzeuger‘ gewonnen hat. Seine Grooves und Fills sind bei aller Intensität und den vielen Variationen stets beachtenswert musikalisch und auch als Musiker an Gitarre, Bass und Keyboards macht er eine gute Figur. (...)“ (Sticks Rezension 11 / 2008)

01 Gasoline
02 Progression
03 Impact
04 Visions
05 War Zone
06 Piano II
07 Dune
08 Monster
09 Endless

„‚Solo Drum Compositions‘ lautet der Untertitel des neuesten Werks von Marcel Bach, aufgenommen, gemixt und gemastert in seinem eigenen ‚Soundsurfer‘-Studio. Zu hören sind sechs seiner Kompositionen für Drumset – und ja: Er spielt solo und ohne Overdubs (!), was bei der Komplexität einiger Arrangements bzw. Instrumentierungen fast schon unvorstellbar ist. An spieltechnischer Finesse wird also nicht gespart, allerdings auch nicht an musikalischem Einfallsreichtum. Die sechs Tracks sind ein Beweis für die hohen musikalischen sowie spieltechnischen Qualitäten von Marcel Bach, der hier eindrucksvoll demonstriert, dass auch das Schlagzeug sehr gut geeignet ist, Musik sowohl rhythmisch wie auch melodisch zu transportieren. ‚Sonic Waves‘ ist die nunmehr fünfte CD von Marcel Bach und zeigt sowohl die musikalische Progression in der künstlerischen Kreativität des Musikers wie auch den hohen Anspruch, den Marcel wieder einmal an sich stellt. Beides ist bemerkenswert, und man kann ‚Sonic Waves‘ mit Fug und Recht die vielbeschworene ‚internationale Klasse‘ bescheinigen, denn Marcel spielt definitiv in der Top-Liga der Solo-Drum-Performer mit.“ (Sticks Rezension 2014)

01 Sonic Waves
02 Cryptic Signs
03 Hands Of Time
04 Chasing Thoughts
05 Sleepwalker
06 Below The Surface

Die CD enthält Livetracks aus Werners Privatarchiv. Hierbei handelt es sich nicht um Einzelspurmitschnitte. Wir haben versucht ein bestmögliches Klangergebnis zu gestalten. Es sind tontechnische Zeitzeugnisse und sollen dem geneigten Fan eine weitere Facette für seine Sammlung geben.

01 Intro
02 Come Together
03 I Feel The Fire
04 Beautiful Lady
05 Fairy Priest
06 The One Outside
07 Through The Storm
08 The Rose
09 Time
10 Be To See
11 Hangman
12 Fun Times
13 So So Long
14 Beautiful Lady (Bonus Track)

180 g Vinyl mit farbigem Einleger und Downloadlink auf einer farbig gedruckten Karte mit zwei zusätzlichen Songs. Nach einer jahrzehntelangen professionellen Karriere als hochangesehener Sideman veröffentlichte Mundharmonika-Ikone Steve Baker 2018 sein erstes Solo-Album als Sänger, Songschreiber und Frontmann. „Perfect Getaway“ bekam exzellente Kritiken und zeigte den Mittsechziger von einer völlig neuen Seite. Seitdem hat er über 50 Konzerte mit seiner Band The LiveWires gespielt und hat damit im Verlauf der vergangenen zwei Jahre einen sofort erkennbaren Sound entwickelt, der beim Live-Publikum nun regelmäßig für Begeisterung sorgt
Das Herz der Band bildet das Zusammenspiel zwischen Jan Mohrs aufregenden Gitarren-Sounds, dem felsenfesten Bass vom Briten Jeff Walker, und den elastischen Grooves des Anfang 2019 neu zugestiegenen jungen Schlagzeugers Henri Jerratsch. Zusammen bilden sie das Fundament für Bakers ausdrucksstarken Gesang und reißende Harp-Arrangements.
Dazu kommen wunderschöne Backing Vocals von Steves Tochter Gina. Der drahtige, sparsam arrangierte Sound mit packendem Chorgesang bietet das perfekte Medium, um Bakers eigenwillige Songs optimal zur Geltung kommen zu lassen. Im Juli 2019 nistete sich Steve mit der Band eine Woche lang in das Hamburger Chefrock Studio vom Maffay-Produzenten Peter Keller ein, um zusammen mit Toningenieur Tillmann Ilse neues Material aufzunehmen.  Das Ergebnis „The Great Divide“ enthält 11 neuen Originale sowie eine fesselnde Coverversion von Dylans „This Wheel’s On Fire“.
Das Album zeigt, dass Baker nun einen Gang höher geschaltet hat und zeigt eindrucksvoll, wie viel er in den letzten zwei Jahren auch als Sänger und Songschreiber zugelegt hat. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger ist „The Great Divide“ klar als Band-Album zu erkennen. Obwohl die Songs sehr unterschiedlich sind, verleiht ihnen die sparsame Instrumentierung und gleichbleibende Besetzung eine definitive Band-Identität, einen Sound, der zusammengewachsen ist und eindeutig aus einem Guss stammt.
Alle Basistracks inklusive Gesang wurden live im Chefrock Studio aufgenommen, die wenigen Overdubs und Korrekturen erfolgten dann bei fmi Tonstudio Hamburg und Eject Studio in Handeloh. Wie bei „Perfect Getaway“ hat Steve die Produktion in der Mühle der Freundschaft mit Marcus Praed gemischt, der sich auch fürs Mastering verantwortlich zeichnet. Die Songs sind insgesamt rockiger als beim ersten Album und spannen einen breiten stilistischen Bogen, der vom pulsierenden britischen Beat bis funky New-Orleans-Groove, von Songwriter bis hin zu düsterem Neuzeitblues reicht. Bakers Gefühl für zeitlose Popmusik kommt genauso zur Geltung wie seine Vorliebe für eingängige Rocksongs der härteren Gangart, und sein unverkennbares Harpspiel – stets im Dienst des jeweiligen Songs – bildet das i-Tüpfelchen.
Seine Lieder erzählen vom Leben, der Liebe und dem Streben nach Glück im Zeitalter der Lügen. Sie strahlen vor Haltung und treffen eine zutiefst persönliche Note, die unsere turbulenten Zeiten schonungslos widerspiegelt.

A-Side
1. Don’t Turn Your Back On Love
2. Don’t Worry About The Money
3. Steppin’ High
4. Long Distance Man
5. State Of Grace

B-Side
1. Judgement Day
2. This Wheel’s On Fire
3. Too Late
4. Fools & Scoundrels
5. The Great Divide

Eine Gitarre, eine Stimme, ein Typ. Bereit die Welt zu erobern. Mit deutschsprachigen Songs aus den Dünen. Seit 2017 ist der Frontmann Steffen-Ulrich Schöps unter dem Namen Ulrich unterwegs. „Ich habe drei Brüder, die alle Doppelnamen haben. Meine Eltern dachten wohl, es wäre ungerecht mir keinen zu geben. Auch wenn sie meiner Meinung nach gerne einen zeitgemäßeren hätten aussuchen können...“ Bevor man den inneren Bildungsbürger aber nun versteckt, legt Ulrich ihn aufs Silbertablett und verpasst den Namen kurzerhand seinem musikalischen Projekt. Emotional, virtuos und irgendwie hoffnungsvoll klingt seine Musik. „Extrem emotional sogar“, sagt der Frontmann augenzwinkernd. „Ich möchte Menschen mitnehmen, ihnen meine Geschichten erzählen. Sie sollen gut gelaunt und vielleicht ein bisschen nachdenklich nach Hause gehen.“  Die Songs von Ulrich entstehen hoch intuitiv. Meistens in Dänemark. „Ich fahre da so zweimal im Jahr hin und lass mich vom Kaminfeuer und den Dünen inspirieren.“
Inspiriert von John Mayer, Tommy Emmanuel und Gregor Meyle schreibt der 27-jährige Songs über das, was (ihm) wichtig ist: Neue und alte Liebe ("Wohin du willst", "Pilot"), bröckelnde Beziehungen ("Unzertrennlich"), Freundschaft und Erinnerungen ("Irgendwann"). „Fernziele, wie immer, extrem reich zu werden mit der folglich daraus resultierenden Weltherrschaft.“ Das heißt dann wohl, dass mit Ulrich zu rechnen ist. Gute Nachricht.

01 99
02 Perfektion
03 Am Leben
04 Wohin Du willst
05 Ich finde Dich
06 Karoline aus dem Meer
07 Fantasie
08 Irgendwann
09 Pilot
10 Hinter Deinem Visier
11 Luv und Lee
12 Unzertrennlich

Endlich ist es da: das vierte Album der Regensburger Southern Bluesrocker 3 Dayz Whizkey. Viel ist passiert seit dem letzten Studioalbum „Steam“ (2014). Aber die Band ist gereift wie ein guter Wein und hat nun wie der Mäusebussard auf dem Cover wieder alles fest im Griff. Ergänzt um Keys erweiterte sich das Soundspektrum und führt dazu, dass der Rock noch heftiger scheppert, der Blues noch mehr wehklagt und der Country breit klingt wie ein Westernfilm. Dabei wäre die Platte fast nicht entstanden. Unzufrieden mit den ersten Aufnahmen vor mehr als zwei Jahren hat Songwriter Copperfield alles wieder eingestampft und auf Eis gelegt. Die Hälfte der Songs wurde neu geschrieben und führten schließlich zur Common Buzzard Blues Session im November 2018.
Ein Raubvogel, der beim Songwriting auf der Copperfield Ranch seine Kreise zog, gab dem Album seinen Namen. Es kann manchmal so einfach sein: alle Musiker in einem Raum und auf den Aufnahmeknopf drücken. Bewusst wurde auf langwierige Overdub-Sessions verzichtet. Ein Großteil entstand in nur drei Takes. Ungewöhnlich und altmodisch aber durchschlagend.

1. Back on the River
2. High & Dry
3. I’ll get by
4. Stop
5. Last Minute Man
6. Highway Song
7. Railroad Track
8. Bad Boy
9. Jolene
10. Right time wrong place
11. Through the Smoke

Mit ihrer Gründung im Jahr 2012 legten The Travelling Stone aus dem Landkreis Osnabrück ihren Grundstein und haben sich seitdem moderne Rockmusik mit einer kleinen Gratwanderung in die bewährten Elemente des „Classic-Rocks“ auf die Fahne geschrieben. Nach einer zweijährigen Pause feierten TTS im März 2017 mit einem Auftritt in der Fernsehsendung „Neo Magazin Royale“ im ZDFneo ihr Comeback. Motivierter denn je und strotzend vor neuen Ideen, hat die Band die Arbeiten wieder aufgenommen und sowohl neue Songs,als auch ein neues Live-Programm erarbeitet. Neben der Single „Old White Scruffy Bones“, welche im Juni 2017 veröffentlicht wurde, erschien im November 2017 die zweite Single „How It All Began“. Eine EP soll im Sommer 2018 folgen.

01 Hero
02 Relieve
03 How It All Began
04 Old White Scruffy Bones
05 Blind Side
06 Spend A Little Time
07 Back

„Unter Wölfen“ ist das fünfte Studioalbum des seit 2005 unter dem Namen Mystigma agierenden Quartetts um die Brüder Torsten (Vocals)-und Jörg Bäumer (Gitarre, Keys). Flankiert von Stephan Richter (Bass) und Malte Hagedorn (Drums) hat sich das kreative Duo für einige Monate in das bandeigene Studio zurückgezogen, um ein neues Kapitel in der Mystigma - Historie aufzuschlagen. Besinnend auf die eigenen Vorlieben und Wurzeln, die seit jeher geprägt sind von einer viel zitierten  Melancholie und Düsternis, formte die Band mit „Unter Wölfen“ ein zwölf Songs umfassendes Werk, welches ohne Frage als der vorläufige Höhepunkt in der Diskographie des 4ers bezeichnet werden muss. Fundament und Fokus des neuen Outputs ist einmal mehr der stets wiedererkennbare und mit einem eigenen Charakter  versehende Gesang T. Bäumers, der die erneut vollständig in deutsch verfasste Botschaft des Albums unnachahmlich  transportiert.
Neben persönlichen Erfahrungen und Beobachtungen findet sich, und das ist neu, eine vermehrt gesellschaftskritische Note in den Lyrics wieder. Mal Interpretationsspielraum lassend, mal direkt und kompromisslos, scheuen sie sich nicht auch in schmerzhafte Abgründe vorzudringen. Denn in einer sich zusehends wandelnden Gesellschaft, in der nicht nur eine merkliche Verrohung Einzug hält, fühlen sich nicht wenige von uns „Unter Wölfen“. Ob treibende Gothic Metal Brecher wie der Opener „Geschrieben in Blut“, mystisch orientalische Dark Rock Hymnen mit Pop Aura  („Dreh dich um“, „Verlorene Zeit“) oder die fast schon im Hause Mystigma traditionelle Hommage an die 80er Jahre („Neptun´s Mond“) , die Band zeigt sich so reif und vielfältig wie nie. Mit „Colonia Dignidad“ wagt man sich zudem in ungeahnte fast schon progressiv-morbide Soundstrukturen, um somit das eigene Klangspektrum in überraschender Weise in neue Ebenen zu hieven.
Mit Bennie Cellini (Letzte Instanz) holte man sich zu guter Letzt noch einen exzellenten  Könner als Gastmusiker ins Boot, der bei drei Stücken mit schönen Cello - Einlagen brilliert.  „Unter Wölfen“ ist somit ein authentisches und auf Erfahrung basiertes Statement, welches den eigenen Anspruch der Band,  sich selbst stets treu zu bleiben um sich gleichzeitig stetig weiter zu entwickeln vereint. Diesmal komplett selbst produziert und von Dennis Mikus im Horrisonus Studio Witten gemixt und gemastert,  beeindruckt „Unter Wölfen“ in einem energischen und warmen Soundgewand und unterstreicht somit die höchst individuelle und  wiedererkennbare künstlerische Eigentümlichkeit, die sich Mystigma über die Jahre erarbeitet haben.

01 Geschrieben in Blut
02 Koma
03 Dreh dich um
04 Kriegsspuren
05 Leere Worte
06 Neptun's Mond
07 Unter Wölfen
08 Superbia
09 Hydra
10 Colonia Dignidad
11 Verlorene Zeit
12 Desdemona

Seit 1998 begeistern und bereichern Red Stoner Sun mit ausgewählten Gigs und feinen Recordings die Stoner- und SpaceRock-Szene in Berlin und weltweit. Das „StonerRock Urgestein aus Berlin“ (TIP – Berliner Stadtmagazin) spielte u. a. mit Danko Jones, Spirit Caravan, Madrugada und Zen Guerilla. Neben Causa Sui und Kvelertak 2014 beim Desertfest Berlin.
Zum 19-jährigen Bandbestehen veröffentlichen Red Stoner Sun nun ihr drittes Studio-Album „The Wicked Witch Of The West“ und somit die ersten Recordings seit 10 Jahren! Konnte man ihre bisherigen Alben blind unter „StonerRock“ einordnen, fährt „The Wicked Witch Of The West“ mit einem breiteren, komplexeren Sound auf. Die Red Suns sind nicht alt geworden - sondern weise. Ausgefeiltes Songwriting und progressive Elemente, die einmal mehr in den 60er- und 70er-Jahren verwurzelt sind – bis hin zum spät-90er DesertRock.

Disc 1
1. One Eyed Monkey
2. Earth Moved Slowly
3. Am I Just A Robot?
4. Medusa
5. Satanic Spandex (MK 31)
6. Good Dog!

Disc 2
1. Species-Specific
2. Delorean
3. King Kong Connection
4. Somewhere Under The Rainbow
5. Species-Specific (Reprise)
6. Space Gal Milky White

Yer International Humbug. Ein Projekt initiiert vom Berliner Gitarristen und Sänger Marceese Trabus, der seit fast zwei Dekaden in der Desertrockband Red Stoner Sun sein Unwesen treibt und seit zehn Jahren auf endloser Solo-Acoustic-Tour ist.
Die Idee psychedelischen, progressiven Rock mit der Akustik-Gitarre zu spielen ist sicher nicht neu. Auf dem Debüt-Album „Earth Moved Slowly“ glaubt man trotzdem Unerhörtes zu hören. Kein Song gleicht dem anderen. Der Spagat reicht vom Floyd meets Sabbath Titeltrack, zum dem fast 10-minütigen düsteren tranceartigen „Eclipse“, über den derben instrumental Bulldozer „Aquelarre“, und vom fragilen, zarten „Don’t Feed The Machine“ und einer treibenden Solo-Akustik-Version von „Another Brick In The Wall Pt.2“ bis zum eingängigen Refrain von „Now Here Is Nowhere“. Die sieben Tracks bringen es auf satte 47 Minuten. Neben der Berliner Percussion-Ikone Tayfun Schulzke an den Drums konnte Marceese auch Bugl (ex-Orwo6) für den Bass gewinnen.
„Earth Moved Slowly“ ist kein Hit-Album. Es gibt keinen Anspieltipp. Man muss es komplett durchhören, um es annähernd zu verstehen. Oder wie hat jemand mal so schön gesagt: „You don’t need drugs to enjoy this record, you’d rather need this record to enjoy drugs.“

1. Earth Moved Slowly
2. Eclipse
3. Let The Motors Run
4. Aquelarre
5. Don’t Feed The Machine
6. Another Brick In The Wall Part II
7. Now Here Is Nowhere

„Celtic Rock vom Feinsten – Ein tolles Album! Wer auf eine Mischung aus Fiddler's Green und Mittelalterrock, von irischer Folklore und hartem Rock steht, hat hier garantiert seinen Spaß! Tolle Songs, tolle Stimme gute Laune!“ (Kundenrezension auf JPC.de)

01 Welcome to the show
02 Leis a Lurrighan
03 Teachers grave
04 One for the captain
05 Hello to the world
06 Far away
07 Fear the oath
08 Salvation
09 Haul away
10 Say no!
11 Sad man

„Auf ihrer neuen EP ‚Trailer Park‘ passt das Cover ... perfekt zur Musik. Die steht nämlich mit beiden Füßen im fuzzig-kratzingen Garagenrock und klingt weniger nach hippem Revival als nach Beat und Polyesteranzügen – und ganz ohne ‚The‘ im Namen!” - (VISIONS)

„Trailer Park: Bisher mein Song des Jahres 2014 !” - (ROCKTIMES)

Side A

01 Get Straight
02 99 Things
03 Everybody Is In Love With You
04 It's Fun
05 Black Feather

Side B

06 See That Girl
07 Who Shot The Druggies
08 Ways To Get Along With You
09 Coast Of Wasted Youth
10 Swörds, Part II
11 All These Times

2003 gegründet, spielten sich Ni Ju San - eine PunkRock-Band aus Wermelskirchen im schönen Bergischen Land - mit den ersten beiden selbst produzierten Alben zur regionalen Punkgröße empor. 2005 wurden die beiden Eigenproduktionen neu veröffentlicht und bis 2008 folgten zwei weitere Studioalben, ein Live & Unplugged Album sowie ein Live-Album, welches parallel als Live-DVD- erschien.
Auch wenn sich Ni Ju San selbst als PunkRock-Band bezeichnen, das „Rock“ schreibt die Band traditionell groß, denn mit Punk im engeren Sinne hat das Ganze nur noch am Rande zu tun. 
Die Jungs stehen zwar politisch klar links, was man dem ein oder anderen Text auch deutlich entnehmen kann, darüber hinaus haben Ni Ju San aber oft auch die kleinen und großen (zwischen-)menschlichen Themen auf der lyrischen Speisekarte. Es geht – kurz gesagt – um Gott und die Welt, das zumeist auf deutsch. 2012 veröffentlichten Ni Ju San noch eine 5-Track-EP und zogen sich nach fast 200 Konzerten praktisch komplett vom Livebetrieb zurück.
Nach schlappen acht Jahren liefern Ni Ju San mit ihrem Album Gloria nun den Soundtrack ihrer Wiederauferstehung – passender könnte das erste Lebenszeichen nach so langer Funkstille kaum sein.

01 Gloria
02 Lange Nächste
03 Karneval
04 Catalina
05 Du
06 Haufen Asche
07 Bei euch
08 Ronny
09 Herz in Flammen
10 Seelenfresser
11 Stück vom Glück
12 Scheißegal

Yep - they ride again! Cliff Barnes and the Fear of Winning (CBATFOW) haben eine lange Geschichte. In den Achtziger und Neunziger Jahren waren sie Stars. Live in mehr als 350 Konzerten und auf sieben Alben stellte die Band in ihren Songs stets die Politik dieser Welt infrage – auf ihre ganz eigene Weise. CBATFOW tourten intensiv in Europa und den USA, implodierten in den späten Neunziger Jahren und kamen 2003 mit einem famosen Album zurück, das „Godsatwork“ hieß. Danach gründeten Bob und Henry den Artland Country Club und entwickelten das einzigartige Pedal-Power-System. Hier erzeugen vier modifizierte Fahrräder den Strom für ein PA-System und ermöglichen Konzerte auch an Orten, an denen keine Steckdose vorhanden ist. 

01 Mr. Rodriguez
02 God & Grumpy
03 I’ve Got A Gun
04 Cold Outside
05 Cardboard Moon
06 Deadly Sin
07 I Let Her Down
08 Tie Me Down
09 The Crossing
10 Ride My Bike Electric
11 Blue Skies
12 Ride My Bike Acoustic
13 Mr. Rodriguez - Radio Mix