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Was passiert, wenn der Kapitän des Zeitschiff Unicorn ins Jahr 1945 zurückreist, um seine verlorene Kindheit wieder zufinden und damit die Vergangenheit verändert? Antwort: ein Krieg der Zeiten!
Damit die richtige Vergangenheit nicht in Vergessenheit gerät, erzählt Flint, der Funker (Martin Bolik) des Zeitschiffs Unicorn (Jessica Wahls), mit Hilfe des streitfreudigen Bord-Computerpapageis Wächter (Santiago Ziesmer) die abenteuerlich-lustige, aber auch tragische Kindheitsgeschichte ihres Kapitäns. Dieser wächst unter dem Namen „Kire“ (was in vielen Kulturen „Liebe“ bedeutet) bis zum Jahr 1944 wohl behütet und glücklich in den Pommerellen, dem heutigen Polen auf, spricht mit Tieren und Pflanzen und hat die Gabe, in die Vergangenheit zu sehen…
Doch 1944 erreichten die Schatten des Krieges auch Kires Welt und diese verdunkeln zunehmend die Erzählung des Funkers. Als die Erzählung Kires dunkelste Nacht beschreibt - den Untergang des Fluchtdampfers, der Kire vom Krieg wegbringen soll - erhält das Zeitschiff einen Funkspruch aus dem Jahr 1945 von Kapitän Kire als Kind. Der Computerpapagei ortet den Kapitän und die Unicorn landet im Winter 1944/45 auf der Nordsee vor Bremerhaven in einer veränderten Vergangenheit.

01 Es war einmal oder auch zweimal
02 Kindheitserinnerungen
03 Neue Anweisungen
04 Augen offen halten
05 Einfach davon
06 Schattenkapitel
07 Stille
08 Der Wind hat mir ein Lied erzählt
09 Die Schatten der Traumlosen
10 Es ist alles so, wie ihr es seht
11 Das Regenbogentor
12 Wenn Du aufwachst, überprüfe, ob Du nicht noch träumst
13 Epilog - In keiner Welt

„Komm, hak dich unter, wenn du magst. Ich bring’ dich heute durch den Tag und zeige dir den Schillerpark.“

Mit diesen Eröffnungszeilen lädt uns der Berliner Sänger und Fotograf Dirk Loombeek auf seinem 5. Album Schillerpark (Hörrausch / Timezone) dazu ein, ihm durch seinen Wedding zu folgen. Wir begleiten ihn u.a. durch den titelgebenden Park („Nordwind“, „In schönsten Farben“), erfahren von einer ersten schüchternen Liebe nach dem Mauerfall („1990“) und stehen inmitten einer Weddinger Party, bei der wir Jarvis Cocker als DJ bei der Arbeit zusehen („Jarvis und ich“).
In zehn neuen Popsongs unterstreicht Dirk Loombeek erneut, was der Deutschlandfunk einst über ihn sagte: „Dirk Loombeek ist ein Liederschreiber, der sein Handwerk noch beherrscht.“

01 Schillerpark
02 Das goldene Licht
03 Ein sonderbarer Tag
04 Zu jeder Zeit
05 Nordwind
06 Jarvis und ich
07 1990
08 In schönsten Farben
09 Marlen
10 Wenn Sommerregen fällt

Seit 2006 veröffentlicht Uwe Cremer, der in Düsseldorf geborene Kölner, unter dem Namen Level π seine vom Kraut-, Art- und Spacerock inspirierten Klangskulpturen, die er als musikalische Erzählungen empfindet.
In den Geschichten seines fünften Albums „Elektronische Philosophie“ nimmt Cremer den Hörer mit auf die verschiedensten Reisen: mit dem TEE durch die Nacht, auf eine lange Reise durch die Tiefen des Alls, durch die Gehirnwindungen von Don Quijote oder durch die Zeit. Unterwegs macht man eine akustisch anmutende Pause, philosophiert gemäß der Berliner Schule, oder man chilled zu Hause. Hypnotische Sequenzen, analoge oder elektronische Rhythmen, Cremers gefühlvolle Gitarre sowie die verschiedensten elektronischen Sounds und Effekte bilden den roten Faden, der sich durch das Album zieht und aus dem seine instrumentalen Geschichten gesponnen sind. Moogsounds, String-Synthesizer, Orgel und Mellotron zeigen immer wieder, wo Cremers musikalisches Herz schlägt. Ganz im Sinne einer modernen Version des Krautrock experimentiert er mit Loops und Trip Hop Beats und verschmilzt sie mit Elementen der klassischen EM. Geschickt verbindet er Sequenzen im Stil der Berliner Schule mit Rockeinflüssen oder schreibt mit Synthesizern und verhallten Gitarren träumerische Atmosphären, die dann in Breakbeat getriebene Passagen übergehen. Dramaturgisch einfallsreich inszeniert und dynamisch abwechslungsreich regen die Stücke die Fantasie an und führen den Hörer behutsam in Cremers bildgewaltigen musikalischen Kosmos.

01 Nachtfahrt
02 Die lange Reise
03 Intermezzo
04 Elektronische Philosophie
05 Don Quijotes Gehirn
06 Zu Hause
07 Durch die Jahrzehnte

Decaying Days aus Münster sind seit 2015 im aktuellen Lineup aktiv und veröffentlichen mit „The Unknown Beyond“ ihren zweiten Longplayer. Ursprünglich von der Melancholie und Melodik des finnischen Death/Doom angetrieben, wurde das Songwriting in den letzten Jahren ausdifferenziert.
Komplexere Arrangements und Harmonien vereinen sich mit elegischen Leadgitarren und vielseitigen Vocals von tiefen Growls bis zu mehrstimmigem Klargesang. „The Unknown Beyond“ trägt seine atmosphärische Ausstrahlung im Namen – die unbekannte Zukunft, die Unvorhersehbarkeit des Lebens, für die jeder Mensch seine persönliche Interpretation finden wird.

01 Aeons Of Slumber
02 A Distant Memory
03 Into Your Eyes
04 Reflections
05 Embracing Solitude
06 Time Takes Away
07 Falling Down
08 The Unknown Beyond

„Ich wollte wie Orpheus singen“ sagte und sang mal ein bekannter Liedermacher und genau das ist es, was der bekannte Bariton Jens Hamann auf seinem neuen Album eindrucksvoll unter Beweis stellt. Zusammen mit Thorsten Bleich, einem der wohl in Deutschland renommiertesten Gitarren- und Lauten-Instrumentalisten alter Musik, demonstriert Hamann seine außerordentlich facettenreiche und wandlungsfähige Gesangskunst in einer spannenden Sammlung von Liedern des 17. Jahrhunderts. Bachpreisträger Jens Hamann, der sich als Konzertsänger in größeren Besetzungen eine internationale Reputation ersungen hat, demonstriert sein Können hier in der großen Bandbreite zwischen leiser, zarter Intimität und ausladender, kraftvoller Stimmgewalt, wie es wohl Orpheus nicht besser gekonnt hätte.
Die Emotionalität des antiken Helden zieht sich wie ein roter Faden durch die Lieder italienischer und englischer Komponisten und zeigt, welche Faszination die Legende des antiken Orpheus in verschiedenen Musikkulturen hervorrief. Ein fesselndes Programm, das auf dieser CD eingespielt wurde und wohl der perfekte Soundtrack für Orpheus bei seiner Reise in die Unterwelt sein könnte.

01 Orpheus I am
02 I burn
03 Rosa del ciel
04 Oft have I sworn I d love no more
05 Cara mia Cetra andianne
06 Prélude
07 Gioite al mio natal
08 Have you seen the bright lily grow?
09 Passacaglia in la
10 Troppo sotto due stelle alme
11 It was a Lover and his Lass
12 White though ye be, yet, Lilies, know

„Pop Punk’s Not Dead“ – das weiß jeder, der schon einmal die 4 Idiots live erlebt hat. Bereits der Bandname steht hier für Provokation, aber auch für Humor. Und genau das spiegelt sich in den Songs der vier Rocker, die ihr Publikum immer wieder zum nächsten Circle Pit animieren können, wider.
Seit 2015 ist die Band aus dem Raum Kassel, bestehend aus Matthias Herrmann (Hauptgesang, Gitarre), Julian Rupp (Gitarre), Andre Wenderoth (Zweitgesang, Bass) und Christian Wollenhaupt (Schlagzeug), aktiv und konnte sich durch den erfolgreichen Release mehrerer Singles sowie einer EP einen Namen machen.
Am 13. November 2020 erscheint nun ihr erstes Album, Getting Serious, und glänzt mit 12 abwechslungsreichen Tracks, teilweise ernsten, zum Teil aber auch weniger ernsten Texten und einer Menge Material zum Headbangen. Wer mit dem Genre auch nur ansatzweise etwas anfangen kann, sollte sich das nicht entgehen lassen.

01 Keep Shining
02 Smurf Ice And Grass
03 Roller Coaster
04 The End Of Me
05 Bad Luck
06 Uncertainty
07 The Man In Disguise
08 The Whole Night
09 Movie Star
10 Cut It Out
11 Cheeseburgers
12 Getting Serious

 Ende September erscheint nun der lang erwartete Nachfolger „Turn It Golden!“. Auf diesem Album findet sich nur noch wenig vom einfachen und rohen Sound des Debüts. War das erste Album noch fest verankert in der Tradition des amerikanischen Folks, zeigen die neuen Songs viele unterschiedliche Facetten, die über die engen Grenzen des Genres hinauswachsen ohne seine Wurzeln zu vergessen.
Es ist ein sehr vielseitiges Album entstanden, dessen Songs dennoch unmissverständlich Songs der T.S. Eliot Appreciation Society sind: Vom John Fahey’esquen Folk-Instrumental „Anne’s Lullaby“ über den brüchigen Pop von „The Fall“ bis hin zum hypnotischen Kraut-Folk der Single „The Grand Tour“. Die mitunter halluzinatorischen Texte erzählen Geschichten von Menschen, die Sinn in chaotischen Zeiten suchen.

01. Anne’s Lullaby
02. The Grand Tour
03. Arthur’s Song (for T.H. White)
04. Southern Country
05. Holy Motors!
06. The Fal
07. Incantation
08. Ocean
09. Apocalypse
10. Parade

Unserer Bandinfo beginnt bekanntlich mit dem Hinweis, dass beim ersten Auftritt von Jane am 5.12.1970 wohl kaum jemand ahnte, dass sich diese Formation zu einem der erfolgreichsten Rock-Acts Deutschlands entwickeln sollte. Und noch viel weniger konnte man damals voraussehen, dass ausgerechnet genau 50 Jahre später ein gefährliches Virus den weitaus größten Teil der Feierlichkeiten zum Bandjubiläum zunichte machen würde. Im Seuchenjahr 2020 werden wir aller Voraussicht nach keine Club-Gigs mehr spielen können.
Daher haben wir uns entschlossen, unseren treuen Fans Live-Musik zumindest als CD und DVD anzubieten. Die Grundlage dazu stammt aus dem Jahre 2013 von unserem Auftritt im Black Hand Inn in Gadenstedt, der in Bild und Ton aufgezeichnet wurde. Leider war das Material mit technischen Fehlern behaftet, was seinerzeit dazu führte, dass die geplante Veröffentlichung des gesamten Konzertes gestoppt wurde. Dank der professionellen Hilfe unseres Toningenieurs Ossy Pfeiffer konnten wir jetzt wenigstens einen Teil der Songs retten.
Eine Aufwertung bekommt das Ganze aber auch noch dadurch, wenn man bedenkt, dass es sich um eines der letzten Konzerte handelt, bei dem Werner Nadolny wenige Monate vor seinem krankheitsbedingten Ausscheiden Ende 2014 noch mitwirken konnte. Auch Dete Klamann, der die Band Ende 2020 aus gesundheitlichen und privaten Gründen verlassen wird, ist hier noch einmal in voller Aktion zu sehen.
Diese CD ist also für den geneigten Jane Fan die letzte Möglichkeit, die Band noch einmal in dieser Besetzung zu erleben.

1. Lady
2. Love Me Or Leave Me
3. Daytime
4. Borrowed Time
5. Out In The Rain
6. Windows / Spain / Love Your Life
7. I Believe
8. Hangman

Die Progressive-Metaller aus Berlin/Kaiserslautern erreichen mit ihrem zweiten Album ein neues Level: Virtuoser denn je, erwachsen geworden, sich ihrer Stärken bewusst, zelebriert die 2012 gegründete Band in einem rasanten Tempo ihr unglaublich energetisches Zusammenspiel in beinahe pedantischer Perfektion. Vergleiche wie Periphery, Karnivool, Tesseract aber auch Opeth, Porcupine Tree und Dream Theater fallen immer wieder im Zusammenhang mit dem Sound der Band.
Double-Bass-Gewitter, Djent-Riffs und markerschütternde Growls wechseln sich ab mit großartigen Melodien, Harmoniegesang und Akustikgitarren. Modern und kompromisslos produziert, kraftvoll, virtuos, vertrackt und trotzdem immer fokussiert auf hitverdächtige Hooklines, führt die Platte durch die neun Kapitel, zwischen denen sich immer wiederkehrende Motive und Themen verstecken.
Das Album ist inhaltlich aktueller denn je. Abseits von genre-typischen Fantasy-Epen und surrealen Traumsequenzen, verarbeitet die Band ihre Meinung zu Rassismus, Fremdenhass, der Flüchtlingsproblematik und dem moralischen Verfall in Zeiten des Kapitalismus in zynischer und eindringlicher Form.

ENGLISH:
Chaosbay from Berlin/Kaiserslautern reach a whole new level with their second full-length album: wildly virtuoso, grown up, aware of their strengths, the group founded in 2012 celebrates their incredibly energetic interplay with almost pedantic perfection at an incredibly rapid pace. Comparisons like Periphery, Karnivool, Tesseract but also Opeth, Porcupine Tree and Dream Theater always seem to come up when speaking of their unique sound. Double bass thunderstorms, djent riffs and evil growls alternate with great melodies, harmony vocals and acoustic guitars. Produced in a modern and uncompromising manner, powerful, virtuoso, tricky and yet always focused on catchy hooklines, the record leads through the nine chapters, between which recurring musical motifs and topics are hidden.
The album is more up to date than ever. Aside from genre-typical fantasy epics and surreal dream sequences, the band expresses their opinion on racism, xenophobia, the refugee crisis and moral decay in times of capitalism.

01 Enjoy The Rise
02 Amen
03 Mediterranean
04 D.O.A.
05 Limbus Inn
06 Soldiers
07 Criminals & Sons
08 The Lyin’ King
09 Heavenly Island (Epilogue)

2015 steckte die Hamburger Musikerin Catharina Boutari, die sich auf der Bühne Puder nennt, in einem Zwiespalt. Sie wollte eine neue Platte machen. Das war eigentlich gut. Aber andererseits auch nicht. Es kündigte sich der immergleiche Prozess an, der zu einem Album führt. Nach zwanzig Jahren in Bands und als Solokünstlerin war es Zeit alles zu ändern. Raus aus der Komfortzone, kopfüber in ein Experiment, in dem sie sich mit einem musikalisch Gast in einem Studio wiederfinden würde, um in zehn Tagen völlig unvorbereitet ein Album zu erschaffen, von der ersten Idee bis zur letzten Aufnahme vor einem Live-Studiopublikum.
Puder Session Tapes nennt sich dieses Experiment ohne Netz und doppelten Boden, das gerade mit den Sparringskünstler*innen Riad Abdel-Nabi in Amsterdam, sowie Ben Schadow, Ulita Knaus und Kathrin Ost in Hamburg in die vierte und fünfte Runde ging und dieser Tage unter dem Titel „Tomorrowland mit Freunden“ als Album erscheint. 

01 Streets
02 Interlude
03 Resisting Water
04 Fire Sparks
05 Travel
06 Flugverbot
07 When You Were Eight
08 Ghosttown Love
09 Precious
10 Sieben
11 Sleepless
12 Greta

Den Stil des Debüt Albums Pure Love von SVOZ & B de PronX bildet tanzbare elektronische Musik, komponiert mit Sounds von ungewöhnlichen Instrumenten, digitalen Klanggeneratoren und Loops, akribisch an der Digital Audio Workstation bearbeitet. Die einzelnen Songs sind kraftvoll und zugleich verspielt und feinfühlig. Man folgt den treibenden Beats und den gestaffelten Arpeggios mit dem eingebetteten Gesang: Die Lyrics sind spirituell innig.Die Grundstimmung des Albums basiert auf der natürliche Grundstimmung von 432 Hertz.
Der Gesang von B de PronX lehnt sich an das Popgenre an, der experimentelle Ansatz blitzt jedoch immer wieder auf. Pure Love ist aus der Liebe zum Kreieren, Erfinden und Erschaffen entstanden. Svoz & B de PronX ergänzen sich als Künstler und erschaffen eine Musikwelt, die einerseits Pop sein will, aber auch tanzbar in einen Club passt und doch speziell und authentisch bleiben möchte. Beim Hören erschließen sich Vielfalt, Tiefe und Raffinesse der Kompositionen. So kann die Musik nicht nur gehört, sondern auch erlebt werden.
Der audiophile Anspruch entstammt aus Experimenten mit Tonbandaufnahmen, dem Abgleich mit anspruchsvollen analogen Aufnahmen sowie Abmischungen aus Rock, Pop und Jazz. Und doch ist und bleibt es durch und durch elektronische Musik, so organisch und lebendig, wie es der digitale Prozess erlaubt und so kraftvoll und detailliert, wie es eine elektronische Produktion ermöglicht.

1 Jacks Dance
2 Reset
3 Wake Up
4 Listen To Your Inner Voice
5 We Are Free
6 Turn Around
7 Yes Its True
8 Just Your Love
9 Run
10 Follow Me

Nach einer jahrzehntelangen professionellen Karriere als hochangesehener Sideman veröffentlichte Mundharmonika-Ikone Steve Baker 2018 sein erstes Solo-Album als Sänger, Songschreiber und Frontmann. „Perfect Getaway“ bekam exzellente Kritiken und zeigte den Mittsechziger von einer völlig neuen Seite. Seitdem hat er über 50 Konzerte mit seiner Band The LiveWires gespielt und hat damit im Verlauf der vergangenen zwei Jahre einen sofort erkennbaren Sound entwickelt, der beim Live-Publikum nun regelmäßig für Begeisterung sorgt.
Das Herz der Band bildet das Zusammenspiel zwischen Jan Mohrs aufregenden Gitarren-Sounds, dem felsenfesten Bass vom Briten Jeff Walker, und den elastischen Grooves des Anfang 2019 neu zugestiegenen jungen Schlagzeugers Henri Jerratsch. Zusammen bilden sie das Fundament für Bakers ausdrucksstarken Gesang und reißende Harp-Arrangements.
Dazu kommen wunderschöne Backing Vocals von Steves Tochter Gina. Der drahtige, sparsam arrangierte Sound mit packendem Chorgesang bietet das perfekte Medium, um Bakers eigenwillige Songs optimal zur Geltung kommen zu lassen. Im Juli 2019 nistete sich Steve mit der Band eine Woche lang in das Hamburger Chefrock Studio vom Maffay-Produzenten Peter Keller ein, um zusammen mit Toningenieur Tillmann Ilse neues Material aufzunehmen.  Das Ergebnis „The Great Divide“ enthält 11 neuen Originale sowie eine fesselnde Coverversion von Dylans „This Wheel’s On Fire“.
Das Album zeigt, dass Baker nun einen Gang höher geschaltet hat und zeigt eindrucksvoll, wie viel er in den letzten zwei Jahren auch als Sänger und Songschreiber zugelegt hat. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger ist „The Great Divide“ klar als Band-Album zu erkennen. Obwohl die Songs sehr unterschiedlich sind, verleiht ihnen die sparsame Instrumentierung und gleichbleibende Besetzung eine definitive Band-Identität, einen Sound, der zusammengewachsen ist und eindeutig aus einem Guss stammt.
Alle Basistracks inklusive Gesang wurden live im Chefrock Studio aufgenommen, die wenigen Overdubs und Korrekturen erfolgten dann bei fmi Tonstudio Hamburg und Eject Studio in Handeloh. Wie bei „Perfect Getaway“ hat Steve die Produktion in der Mühle der Freundschaft mit Marcus Praed gemischt, der sich auch fürs Mastering verantwortlich zeichnet. Die Songs sind insgesamt rockiger als beim ersten Album und spannen einen breiten stilistischen Bogen, der vom pulsierenden britischen Beat bis funky New-Orleans-Groove, von Songwriter bis hin zu düsterem Neuzeitblues reicht. Bakers Gefühl für zeitlose Popmusik kommt genauso zur Geltung wie seine Vorliebe für eingängige Rocksongs der härteren Gangart, und sein unverkennbares Harpspiel – stets im Dienst des jeweiligen Songs – bildet das i-Tüpfelchen.
Seine Lieder erzählen vom Leben, der Liebe und dem Streben nach Glück im Zeitalter der Lügen. Sie strahlen vor Haltung und treffen eine zutiefst persönliche Note, die unsere turbulenten Zeiten schonungslos widerspiegelt.

1 Don’t Turn Your Back On Love
2 Judgement Day
3 Don’t Worry About The Money
4 Steppin’ High
5 Chains
6 Long Distance Man
7 State Of Grace
8 This Wheel’s On Fire
9 Too Late
10 Fools & Scoundrels
11 One Drop Blues
12 The Great Divide

Aus der wertvollen kreativen Zusammenarbeit mit Peter Müssig sind 11 einzigartige Songs entstanden, jeder mit einem für sich ganz eigenen Charakter. Die musikalische Vielfalt ist das finale Ergebnis einer fruchtbaren Suche nach dem richtigen Sound. Robert spielt seine musikalische Bandbreite auf diesem Album in vollem Umfang konsequent aus und verpasst jedem Song ein modernes Gewand, das seinen zeitlosen Texten ausgezeichnet steht.
Die thematische Vielfalt seiner Texte spiegelt das Leben, in allen Facetten und Farben. Von Tag bis Nacht. Wie eine Stadt die nie schläft. Der Gedanke an "Las Vegas" bildet hier den inhaltlichen Botschafter für das Album. Ein Ort an dem Glück und Leid, Gewinn und Niederlage, Liebe und Trennung im permanenten Wechsel das Leben bestimmen, bildet den roten Faden für die einzelnen Songs.
Aus diesem Ansatz heraus ist der Titel des Albums entstanden: "Dein Vegas". Jeder von uns ist diesem Spiel des Lebens ausgesetzt und muss sich dieser Herausforderung stellen. Im Guten und im Schlechten. Robert Redweik versteht es perfekt, alle diese Momente, Gefühle und Kräfte in seinen Songs so zu verpacken, dass am Ende doch das Positive bleibt. Er blickt kritisch, aber hoffnungsvoll hinter die Fassaden des Lebens, nicht belehrend, sondern motivierend.

1. Neu erfinden
2. Goldfischglas
3. Weck meine bösen Geister nicht
4. Wird wieder Ok
5. So High
6. Dein Vegas
7. Wo alle Worte aufhören
8. Roulette
9. Herz auf Halbmast
10. Tempo raus
11. Mensch du bist noch hier
12. Chapeau

Sie hatte herausgefunden, in welchem Hotel Bob Dylan absteigen würde, damals in Bonn. Und sie hatte nicht nur ihre Demo-CD und eine Gitarre dabei, sondern auch unverschämtes Glück. „Mr. Dylan, would you have a second?“, fragte Julia A. Noack forsch den Gott aller Songwriter, als er aus dem Aufzug trat – und unglaublich, aber wahr: Sie durfte ihm ihre Songs vorspielen. Irgendwann sogar seine eigenen: „Blind Willie McTell“ sangen sie gemeinsam. Er stimmte zwischendurch ihre Gitarre, lobte ihre Songs, gab ihr Tipps – und fühlte sich von Julias Stimme an Emmylou Harris erinnert. „Das war was Besonderes“, erinnert sie sich an diese unvergessliche Begegnung 2003. Doch es war viel mehr: Es war ein Ritterschlag. Danach nahm sie zwei Studioalben auf – ein Mädchen aus Berlin mit Gitarre; eine Folklady, die schon mit Dylan gespielt hatte. Bis heute bekommt sie einen Backstagepass, wenn er durch Deutschland tourt. Die Folklady hat Eindruck hinterlassen beim König des Folk.
Inzwischen ist Julia A. Noack viel weiter und ihr Album „The Feast“ der nächste Schritt, ein großer: Mit dem Wiener Produzenten Alexander Nefzger dockt sie an die internationale Indieszene an. Nach Christiane Rösinger, Ja, Panik oder illute nutzt jetzt auch sie die Synergieeffekte der Achse Berlin–Wien.
Mit Nefzger, der durch ungewöhnliche Produktionen für Clara Luzia und andere österreichische Indiekünstler bekannt wurde, entwickelte Julia A. Noack experimentierfreudige Arrangements für ihre lyrischen Songgedichte, für Lovesongs ohne das Wort „Love“, für naturinspirierte Metaphern wie „silver whisper in the trees“. Es war die intensive Zusammenarbeit zweier kreativer Kraftzentren: „Wir waren in einer musikalischen bubble.“ Das Ergebnis: Posaunen, elektronische Störer, knisternde Perkussion, A- und E-Gitarren und im Zentrum des Klanggemäldes Julias Stimme, aus der Nefzger alles herausholt – und die (sorry, Bob!) gar nichts von Emmylou Harris hat. „The Feast“ ist genau das geworden, was sein Titel verheißt: ein akustisches Gelage. Ein Festmahl aus Sounds, Loops und Klangfarben, aus Poesie, großen Melodien und Refrains, die zu Popmantras werden. Ein Album, das schimmert und schillert vor Ideen und Einfällen.

01 Want / Be
02 Everything is sexuality
03 Name for this
04 What'd she say
05 Silver whisper
06 Summer, something
07 We're crazy
08 Designer drug
09 The feast
10 Matter of me
11 The inconceivable

 

Die „Salty Pajamas“ sind eine Drei-Mann-Band mit Banjo, Blues Harp, Delay Kazzo,  Schlagzeug und Bass, beeinflusst von alter amerikanischer Folkmusik, rohem und primitiven Garagenrock, dem pfälzischen Wald, dem Essen, die Leute, Pflanzen und Tiere.
Die beste Zeit ihres Lebens verbringen sie in einer Geisterstadt. Ihr Sound klingt wie ein Countrysänger auf Speed, während die Instrumente in sich zusammen fallen.

01 Meat county 
02 Spell
03 Leaving now
04 Alligators
05 Monsters under your bed
06 Wooden friendship
07 Alleine
08 Left and loose
09 Somebody else's bed
10 The taste of tea
11 Dead pirate song
12 I am a family tree

Am 21. Mai 2005 (eine Woche nach dem langen Brieftaubeninterview vom 14. Mai 2005, was zur DVD »25 Jahre sind genug« geführt wurde), saßen Konrad K. und Susi Duhme im alten Proberaum der Tauben in der Glocksee, um ein Interview aufzu- zeichnen, das Konrads Leben fernab der Tauben aufzeigen sollte. Geplant war eine Doppel DVD mit einem zweiten Interview mit Konrads Vater, dem Kaba- rettisten Dietrich Kittner (aufgezeich- net am 10. Mai 2005), die unter dem Titel »Der Kabarettist und der Punk - Zwei Generationen Kittner im Gespräch mit Susi Duhme« erscheinen sollte.
Leider war während der Aufnahme mit Konrad der Ton nicht kontrolliert worden, so dass nicht aufgefallen war, dass der Tonstecker nicht richtig in der Kamera saß. Das Ergebnis war ein stark beschädigter Ton im Interview. Die Idee wurde erstmal verschoben und das Interview mit Dietrich Kittner erschien unter dem Titel  »Die Wut hält jung«. 15 Jahre später hat die Tontechnik einen Riesenschritt gemacht und wir konnten das Interview restaurieren. Die Störgeräusche sind nahezu zu 100% entfernt worden. Viel Spaß mit dem Interview mit Konrad K. und Susi Duhme (112 Minuten). Als Bonus gibt es noch ein Interview von Susi Duhme mit den Abstürzenden Brieftauben (20 Minuten)

Wenn die Sehnsucht schreit und der Wahnsinn treibt.... sind Käpt´n Panda meist nicht weit entfernt. Sie treiben in deutschsprachigen Gewässern herum, irgendwo zwischen Punk und (natürlich extrem hartem) Pop. Musikalisch sowohl eingängig als auch rau, balancieren sie stets auf der schmalen Kante zwischen Energie und Melodie. Ein stacheliger, roter Teppich für ihre Protagonisten, die ihnen in ihrer Heimat, dem malerischen Ruhrgebiet, massenhaft über den Weg stolpern.
Denn textlich dreht sich alles um das Thema Mensch - beobachtend, beschreibend, mehr Tagebuch als Fotoalbum. Es geht ums Weggehen, Verlieren und um das liebste Hobby des Menschen – am Ende der Sackgasse immer wieder mit Vollgas gegen die Wand zu rennen. Und genau da stehen KP mit der Kamera bzw. Zettel und Stift bereit.
In Shanghai waren sie übrigens nie.

1. Schnaps
2. Aufräumen
3. Jugendkultur
4. Bielefeld
5. Ganøve Knausgard

Wenn die Sehnsucht schreit und der Wahnsinn treibt... sind Käpt'n Panda meist nicht weit entfernt. Sie treiben in deutschsprachigen Gewässern herum, irgendwo zwischen Punk und (natürlich extrem hartem) Pop. Musikalisch sowohl eingängig als auch rau, balancieren sie stets auf der schmalen Kante zwischen Energie und Melodie. Ein stacheliger, roter Teppich für ihre Protagonisten, die ihnen in ihrer Heimat, dem malerischen Ruhrgebiet, massenhaft über den Weg stolpern.
Denn textlich dreht sich alles um das Thema Mensch - beobachtend, beschreibend, mehr Tagebuch als Fotoalbum. Es geht ums Weggehen, Verlieren und um das liebste Hobby des Menschen – am Ende der Sackgasse immer wieder mit Vollgas gegen die Wand zu rennen. Und genau da stehen KP mit der Kamera bzw. Zettel und Stift bereit.
In Shanghai waren sie übrigens nie.

1. Schnaps
2. Aufräumen
3. Jugendkultur
4. Bielefeld
5. Ganøve Knausgard

„Stories from a Downtown Apartment“ ist die mit Spannung erwartete Fortsetzung von Celeigh Cardinals 2017er Breakout-Debüt-Albums „Everything and Nothing at All“, die ihr u.a. bei den Western Canadian Music Awards 2018 den Titel "Indigene Künstlerin des Jahres" einbrachte. In dieser neuesten Sammlung gefühlvoller Songs taucht die indigene Singer / Songwriterin in die Themen Liebe, Trauer, Begehren und Loslassen ein.
Das Album zeigt auf brillante Weise Cardinals bezaubernde Altstimme, welche an frühere Tage des Blues und die goldene Ära des Jazz erinnert. Seine Wärme, Kraft, Reichweite und Nuancen erinnern an Künstler wie Bonnie Raitt und Adele. Celeigh Cardinal tourt inzwischen durch ganz Canada, die USA und konnte beim letzten Reeperbahnfestival den vollen kukuun Club zum Ausflippen bringen! Im Mai/Juni geht es für die unglaubliche Live-Musikerin auf eine mehrwöchige Europa-Tour durch Deutschland, Österreich, die Niederlande, Frankreich und Österreich - Tourdaten siehe unten.

“Celeigh is quickly becoming one of the great voices that make up the fabric of the Canadian roots music scene.” - Doug Cox, Artistic Director, Vancouver Island MusicFest

01 The Devil Is A Blue-Eyed Man
02 Song By The Supermoon
03 Whan All Is Said And Done
04 I Don’t Want To Know You Anymore
05 Do you Know?
06 There Are Some Things We Will Never Do
07 Tumbleweed
08 Loving Is Letting Go

Die flirrende Abendluft der Alhambra, die andächtige Ruhe der Jahrhunderte alten irischen Klosteranlage Glendalough, die Klänge seiner großen Vorbilder. All das vereint der junge Gitarrist Denis Schmitz auf seinem zweiten Soloalbum Nuances, auf dem er entgegen dem heutigen Zeitgeist besonders den filigranen, ausmuszierten Klängen seiner 6- und 7-saitigen Instrumente Raum zur Entfaltung gibt.
Neben Werken berühmter Jazzgrößen wie Pat Metheny und Ralph Towner enthält sein neues Album erstmals auch Kompositionen aus der eigenen Feder, in welchen er neben seinem technisch brillanten Spiel auch sein kompositorisches Handwerk unter Beweis stellt. Besonders in seiner Titelkomposition Nuances zeichnet er den schmalen Grat zwischen Wohlklang und Zwielicht, zwischen unnachgiebiger Monotonie und aufbrausendem Temperament - vielleicht sogar zwischen Genie und Wahnsinn. Denn es sind oft eben nur jene "Nuancen", die solch eine Komposition auf des Messers Schneide zu balancieren vermögen.
Das eigentliche Highlight des Albums stellen jedoch die „Seven Short Pieces“ des österreichischen Jazzgitarristen und Komponisten Wolfgang Muthspiel dar, die dieser ihm eigens für die Ersteinspielung überließ und welche in wenigen Jahren sicherlich zum festen Bestandteil des Repertoires zählen werden.

Side A
01 Sacred Place
02 Glendalough
03 James
04 Albaicín
05 To Mick

Side B
06 Nuances
07 Seven Short Pieces (Opening)
08 Seven Short Pieces (Triplet Droplet)
09 Seven Short Pieces (Locrian Star)
10 Seven Short Pieces (Aeolian Fall)
11 Seven Short Pieces (Kanon)
12 Seven Short Pieces (Open View)
13 Seven Short Pieces (6/8 For Zsófia)

Wenn Snowfall in June ein Frisierutensil mit zwölf Buchstaben wären, sie wären eine Trockenhaube: Viel Power, Schwung und optimaler Halt.
Tanzbarer Pop-Rock, der mit Tiefgang und Leichtigkeit Freude und Bewegung in die Lokale bringt. Die Band nimmt das Publikum mit auf den Weg vom hymnischen Stadion-Rock in den Saloon des Wilden Westens, von der geschmeidigen Strandidylle ins geschäftige New York. Die Melodien gehen ins Ohr, die mehrstimmigen Gesänge unter die Haut.
Snowfall in June bespielten bereits zahlreiche Bühnen, beispielsweise beim Film-Food-Festival in Münster, bei Kemnade in Flammen und beim Pfingst Open Air in Heiligenhafen.
Zuletzt garantierten sich die fünf Freunde durch den Newcomer-Preis 2018 einen Auftritt auf der Hauptbühne für Essen Original 2019 und sie gewannen die Förderung des Musikbüros Bochum.

01 Black Sheep
02 Train Of Life
03 All The Time
04 Assumed
05 Unicorn
06 The Girl
07 1,40
08 New York
09 You Got It
10 In My Mind
11 Streets

Ein kleiner verschlafener Ort in einer amerikanischen Provinzeinöde. Die lokale Bar spuckt Rauch aus allen porösen Fassadenlöchern – die Hitze schlägt dir ins Gesicht, man rettet sich in die Bar an der Ecke und fällt in einen nächtlichen Sog – die Gestalten wirken apathisch, Zeiten entfernt. Auf der Bühne sitzt „Sir“ Oliver Mally und spielt den Blues, den keiner ahnt, doch jeder sucht. „Sir“ Oliver Mally gehört ohne Frage zu den Vertretern des „besten Blues Europas“ (Concerto). Seine raue, konventionsfreie Musik entspricht reinem Extrakt der Bluesessenz. Die Inhalation dessen knallt wie Absinth auf Lebenszeit.
Der gebürtige Niederbayer Hubert Hofherr entdeckte schon sehr früh seine Liebe zum Chicago-Blues. Neben seinem Musikstudium spielte er bereits früh in ersten Bands und veröffentlichte mehrere Tonträger. Nach seiner Auswanderung in die USA tourte er bereits nach kurzer Zeit mit bekannten Bluesmusikern wie z.B. Buster Benton, J.W. Williams, Merle Perkins durch die USA und gründete dort seine eigene Band bis zur Rückkehr nach Deutschland. Auf Konzerttourneen im In- und Ausland ist Hubert Hofherr unterwegs mit seiner 1996 gegründeten Band „Hubert Hofherr & The Bottom Line“, sowie u.a. mit „The Ramblers“, Albert C. Humphrey and the Roots of Blues, der Ron Evans Group, dem Hamburger Bluessänger und Gitarristen Abi Wallenstein sowie dem Electric Blues Duo (Colin Hodgkinson und Frank Diez) und Mano Maniak. Und endlich haben sich die beiden vor vier Jahren auch „live“ gefunden.
Präsentiert wird ein knallbuntes Programm bestehend überwiegend aus Eigenkompositionen gespickt mit exquisiten Covers denen die Musiker ohne Zweifel ihren eigenen Stempel aufdrücken. Gänsehautschauer bei so manchem Song mit blauer Note sind garantiert.

01 Mainstreet Blues
02 Cracks In The Mirror
03 Butterfly Girl
04 Sweet & Fine
05 Meet Me In The Alley
06 Sittin’ Here Wonderin’
07 My Old Friend The Blues
08 I.D.C.A.A.
09 Gin-Ology
10 Got Some Nasty Habits
11 Time

Wir müssen uns erst den Weg in die Wildnis durch den tiefen, dichten skandinavischen Wald bahnen, bevor wir auf A Choir of Ghosts stoßen. Dort findet man ihn, wie er seine energischen, modernen und sehnsuchtsvollen Folk-Songs anstimmt. A Choir of Ghosts’ musikalisches Fundament ist: Ein fester Boden bestehend aus einer Reminiszenz an Kurt Cobain, überzogen mit dem Wasser, der Sonne und der Luft von Bands wie The Tallest Man On Earth und den Hollow Coves, die dir ein Gefühl verschiedenster Schattierungen von Nostalgie geben.

SIDE A
01 Intro
02 Sinner In Rapture
03 Outside The Window
04 The Days Fade Quicker
05 An Ounce Of Gold

SIDE B
01 Southwest Of The Moon
02 Driving Home
03 The Water
04 Better Off Alone
05 Human
06 The Taste Of Smoke

Das Motiv des Plattencovers ist gleichsam der rote Faden des inzwischen fünften Albums des Song-Lyrikers Michael Witte. Mit dem rockigen Titelsong beginnt ein emotionaler Lebenslauf und die folgenden Titel beschreiben aufrichtig die Unwägbarkeit, in der Ziele und Hoffnung nicht verloren gehen. „Wenn Dein Gipfel längst voll fremder Fahnen steht – dann zeig´ allen was noch geht“ Ergänzt durch das Saxophon des Osnabrücker Weggefährten Tommy Schneller, hat Witte hier erstmalig alle Tracks selbst eingespielt und das Spektrum der eingesetzten Instrumente und genreübergreifender Färbungen sorgt für einen gelungenen Spannungsbogen.
Nach dem kraftvollen Aufbruch der ersten Hälfte widmen sich die Songs zunehmend der Rückschau, um im letzten Stück den Durchhörer „Nach Hause“ zu begleiten. Dort angekommen bleiben viele Eindrücke. Vor allem der, ein Konzeptalbum vor sich zu haben, das seine universelle und übertragbare Geschichte erzählt. Michael Witte lebt in Aachen und schreibt und produziert neben seinen Songs auch Musik für Tanztheater- und Filmprojekte. Live präsentiert er seine Musik mit viel Sympathie und Authentizität in Solo-Konzerten und mit Unterstützung seiner versierten Band.  Der neugemischte Titel „Ich möchte dich nicht sehn“ wurde bereits 2016 im Rahmen einer Charity-Kampagne als Video veröffentlicht.
Dafür gab es sehr viel Lob und Anerkennung, insbesondere aus den Reihen von Musikerkollegen. Zudem erschien der Songtext in der Buchveröffentlichung „Zwischen Kommen und Bleiben“ mit einem Essay von Michael Witte.

01 Der Hase Leben
02 Die eigene 10
03 Was noch geht
04 Ich möchte dich nicht sehn
05 Bis zum Gehtnichtmehr
06 Das Salz in unseren Augen
07 Lange her
08 Nach Haus

Die Dry Dudes verstehen es, tiefe Gefühle in lässig-geschmeidige Songs zu verwandeln. Das Duo aus dem Emsland erschafft auf seinem dritten Album „Grow“ modernen, eigenständigen Pop mit R’n’B-Vibe: starke Melodien auf stabilem Groove-Fundament und kein Ton zuviel.
Wer die beiden Dudes bisher nicht auf dem Schirm hatte, sollte sich jetzt dringend zuschalten. Denn diese Songwriter haben noch Großes vor, und sie sind jetzt schon definitiv in einer Liga unterwegs, in der heute wenige deutsche Künstler spielen. Restzweifel? Beweismaterial ist auf „Grow“ reichlich vorhanden. Sänger Erwin Holm und Gitarrist Patrick Schütte bringen ihren Sound auf „Grow“ reduziert und lässig auf den Punkt.
Mit klaren Worten erzählen die Songs Geschichten, in denen wir uns selbst wiederfinden, wie in „Paradise“ über den Wunsch, alles zurückzulassen und einfach abzuhauen.  Und jeder von uns kennt solche Tage, an denen wirklich alles schief geht. Aber die Dry Dudes erinnern daran, dass im Scheitern auch eine Chance steckt: „Grow“. Man spürt, worum es hier geht, auch ohne die Texte zu verstehen, dank der starken Atmosphäre, die durch alle Tracks des Albums konsistent bleibt. Stilistisch kommt „Grow“ deutlich reifer um die Ecke als das bisherige Material.
Holm und Schütte machen einen großen Sprung nach vorn in ihrer Entwicklung und landen mitten im Jetzt. Dezente Synthesizer geben dem Sound Tiefe, elektronische Beat-Elemente sorgen für die Extraportion Groove. Genau so klingt das heute.

1. Grow
2. Loving For Two
3. (Your) River
4. As Good As New
5. Tonight
6. Undefined
7. Paradise
8. Fire In My Soul
9. Unknown Boy
10. Every Step
11. What Did I Do Wrong? (Radio Edit)

Ein Konzept, das abwechselnd verschiedene Facetten der Farbe Schwarz zeigt. Die Eigenkompositionen sind geprägt durch ihren Freigeist. Das Songwriting ist abwechslungsreicher und reifer, die Texte sind intensiver und tiefgründiger geworden. Die grösste Stärke der Band ist ihre äusserst elegante Art, Genregrenzen zu überschreiten, als wären diese gar nicht vorhanden.
Dabei wird die Authentizität jederzeit beibehalten. „Dresscode: Black“ wird darum seine Anhänger sowohl unter finster-romantischen Gothics als auch unter Metallern, Rockern sowie Liebhabern von dunkel gefärbten Singer- und Songwriterklängen finden.
Das überzeugende, selbstbewusste Songwriting kommt nicht von ungefähr: Dahinter steckt jahrelange Erfahrung und harte Arbeit. Sänger und Bandgründer Giu Mastrogiacomo bewegt sich seit 1997 sehr aktiv in der europäischen Goth Rock- und Metalszene (damals unter dem Namen Aka Profound) und hat ein grosses Flair für düstere und emotionsgeladene Musik und ebensolche Texte. Dabei nutzt der Süditaliener geschickt seine Sprachenvielfalt. Neben Englisch werden persönliche Erlebnisse auf Französisch & Italienisch erzählt. Kissin' Black ist zugleich eine Erfolgsgeschichte aus der Leuchtenstadt, die auf langjähriger Freundschaft basiert. Gitarrist und Mitgründer Andy Dormann ist der verlängerte musikalische Arm von Mastrogiacomo und Schlagzeuger Marcel Spiga begleitet ihn nunmehr seit 20 Jahren.
Produziert von G. Mastrogiacomo & Rob Viso in Luzern (u.a. Rival Kings und Philipp Fankhauser) und gemastert von Chris Harms (Lord oft the Lost) & Benjamin Lawrenz in Hamburg.

01 Chi dice che proto sfortuna?
02 Giants
03 Dark Again
04 Gravemen
05 Liquor Tears
06 Flirtin’ With Hope
07 Dresscode: Black
08 Step Out Of My Dreams
09 Oh Girl French Girl
10 Jolie
11 Riders
12 Adress Unknown
13 The Visit
14 Unveiled: In The Rain

Bei einer Reihe von eindrücklichen Live-Sessions anlässlich einer Tour entlang der Westküste Irlands haben sich Pigeons On The Gate von den Klängen des ursprünglichen und modernen Folks inspirieren lassen. Traditionsreiche und organische Sounds bilden seither die Basis für die einzigartigen Klangwelten ihrer Musik. Nach mehreren hundert gespielten Shows, drei erfolgreichen Alben und wachsenden Airplays in Radio und Fernsehen, hat sich die Band um das charismatische Frontpaar - Lajescha & Roger O'Dubler - mit ihrer offenen und mitreissenden Art ein treues Publikum im In- und Ausland erspielt.
Mit ihrer EP „Take the Shot“ konnten sie sich im Sommer 2016 erfolgreich auf Platz 9 der Schweizer Charts positionieren. Nun veröffentlichen sie ihr drittes Studioalbum unter der Ägide des Berliner Hit Produzenten und Songwriters Steve Van Velvet (Alexa Feser, Die Prinzen, Falco). Die elf Songs präsentieren sich mit einem neuen, vielversprechenden Soundbild. Das Songwriting ist homogener geworden und ein wenig mehr Pop.
Die Folk- Elemente setzten sich aber trotzdem weiterhin durch, bleiben roter Faden und geben den Songs und Produktionen den Charme, den die Musik der grünen Insel im gesamten Rest der Welt so populär macht.

SIDE A
01 Queens & Soliders
02 Autumn
03 Breathe
04 Columban’s Legacy
05 Chasing Suns

SIDE B
01 Road to Corofin I
02 Road to Corofin II
03 Leila’s Birthday
04 Jonny
05 Maggie Maguire
06 Two Kingdoms

Mo Klé aka René Grünenfelder schreibt Lieder und singt sie. Das macht ihn zum Singer-Songwriter, zum Liedermacher. Er schreibt sie, meistens in der Nacht, immer mit einer Gitarre auf den Knien und einem Stift in der Hand. Der Schweizer Musiker wuchs mit der Liebe seiner Eltern für die Folk- und Popmusik der 60er und 70er Jahre auf. Dennoch zog es ihn als Jugendlichen zum Punk. Er verdiente sich dort in einer Band während 10 Jahren seine Sporen ab und sammelte Bühnenerfahrung. Heute schlägt er bedeutend ruhigere Töne an, die sich an den alten Folksängern orientieren. Die DIY Haltung und der Anspruch mit seinen Texten zum Nachdenken anzuregen, sind geblieben.
Während die einen Tagebuch führen, um ihre Gedanken festzuhalten, schreibt Mo Klé Lieder. Er erzählt seine Geschichten mit englischen oder deutschen Texte und vertont sie mit Gitarre und Mundharmonika. Das Liederschreiben hilft ihm, sich selber und alles um ihn herum nicht allzu ernst zu nehmen. Über die Jahre sind eine Menge Songs entstanden.
Sechs davon veröffentlicht er mit seiner Debut-EP „Fighter In The Sky“ am 25. Januar 2019. Die langsame Entfremdung zwischen Freunden, das Unverständnis über den deutschen Grossvater, der seine Jugend an den 2. Weltkrieg verlor und sich die Zeiten doch immer wieder zurückwünschte und innere Kämpfe mit sich selbst sind Themen, die sich auf der EP wiederfinden. Natürlich darf auch die Liebe nicht fehlen. Am 16. November 2018 erscheint die Single „Mercenary“. Der Song ist getragen von einer süss-traurigen Cello-Melodie und verpackt das Gefühl, sein Leben für die Ideale anderer zu verschwenden.
Entstanden sind die Aufnahmen in den Winterthurer Casablanca Recording Studios von Jo Eberhard. Jo Eberhard war einst Mo Klés Gitarrenlehrer. Die beiden verbindet eine Leidenschaft fürs Gitarrenspiel und grosse Liedermacher wie Leonard Cohen, Bob Dylan, Paul Simon und Hannes Wader. Im Zentrum des Aufnahmeprozesses standen die Vocal-, Harmonika- und Gitarrenspuren von Mo Klé. Atmosphäre nicht Perfektion standen im Vordergrund. Um die Takes herum wurden Schlagzeug (Kevin Akermann), Bass (Jo Eberhard), Cello (Isabel Gehweiler), Saxophon (Nicola Holenstein) arrangiert und eingespielt.

SIDE A
01 Mercenary
02 Desire
03 If I Die

SIDE B
04 Verblasste Vision
05 The War Song
06 On The Balcony

Wer seine Stimme einmal hört, vergisst sie nicht mehr: warm und rau, politisch und lakonisch. Karl Neukauf ist Liederschreiber aus Berlin, einer, der in den Kellerkneipen, von denen er singt, noch selbst getrunken hat. „Hinter Geranien und Gardinen“ heißt seine vierte Platte, ein Album voll schräger und rührender Geschichten, eingesammelt in den langen Nächten der Hauptstadt und in der Peripherie der Republik. Es erzählt vom Lieben und Vermissen, vom Aufbrechen und Nachhausekommen, von alten Freunden und alten Damen, von Typen, die am Tresen hängen, irgendwo zwischen Bottrop und Hoyerswerda, zwischen Hamburg und Idar-Oberstein.
„Hinter Geranien und Gardinen“ ist eine Reise durch Deutschland im Jahr 2018, aufgenommen in Berlin und Polen, in Ostdeutschland und dem Ruhrgebiet.  Karl Neukaufs Stimme geht ins Ohr, und fast alles, was man auf der Platte hört, spielt er selbst: Bass und E-Gitarre, Flügel und Hammondorgel, Fender Rhodes, Harmonium und Mellotron, sogar eine Shenai ist dabei, eine indische Oboe. Und immer wenn man glaubt, es könnte ein bisschen zu gemütlich, ein bisschen zu chansonhaft werden, stockt er das Instrumentarium auf, spielt auf Glasflaschen, Grillrost und Blecheimern – und schleudert einem Zeilen entgegen, die sich so anhören: Do it yourself und bau dir nen Sarg. Mal ihn an, leg was rein, das man später vielleicht noch gebrauchen kann. Karl Neukauf kommt aus Berlin. Nicht aus dem Berlin der Hipster und Veganer, sondern aus dem Berlin der Raucher und Poeten.
Er macht Musik für Erwachsene. Musik, die nicht nach Milchschaum, sondern nach schwarzem Kaffee schmeckt. 

01 Komm wir gehen an die Elbe
02 Falscher Feind #2
03 Sag wo bist du
04 Stille der Nacht
05 Weit weit weg
06 In dieser Stadt
07 Sarg niemals nie
08 Draussen nur Kännchen
09 Gnadenschussoption
10 Hotelzimmer 304
11 In Morpheus Armen

Bridging the gap between such disparate genres as R&B, Soul, Garage, Punk, Funk and Rock & Roll may seem like a tall order on paper - but as audiences across Europe will attest, Maiorano do it with gusto. Frontman Alex performs with wild abandon, passion, and intensity while the remaining 7-strong ensemble of musicians delivers tight rhythms, soulful grooves and soaring brass backing.
With the band's constantly evolving sound being so difficult to define, and the band's name somewhat tricky to pronounce (it's "My-Oh-Ra-No", if you were wondering), it's a welcome relief that the music is so instant and easy to fall in love with.
With their new LP, “Glorious Days,” (recorded in Rome with 'Giuda' producer Danilo Silvestri) poised for release later this year, Maiorano will be bringing their powerhouse live show to ever more enthusiastic audiences while continuing to defy expectation and categorisation.  
 

SIDE A
01 Just A Sign
02 Give Me A Fix
03 I Got You
04 Days In The Life
05 25 Times

SIDE B
01 Just A Little Bit Closer
02 Cani Neri
03 Monkey In My Head (I Gotta Move)
04 I’ll Never Know
05 Dirty White Shoes

Auf seiner neuesten Veröffentlichung „Rhythmic Diversity“ gibt Marcel Bach dem Zuschauer einen tiefen Einblick in die Vielseitigkeit des Schlagzeugspiels. In zehn Solo-Schlagzeug-Kompositionen nimmt er den Zuschauer mit auf eine Reise durch diverse Dynamiken, Styles und Stimmungen.
Schnell zeigt sich Marcels Drumming-Philosophie, in der er das Schlagzeug neben der Aufgabe als Groove-Fundament in einer Band, ebenso hervorragend als Soloinstrument einsetzt. Fernab jeglicher Trommel-Überdosis spricht er Drummer, wie auch Nicht-Drummer gleichermaßen an.
Marcel beweist eindrucksvoll warum er ein gern gesehener Gast bei diversen Drumfestivals ist und hierzulande bereits mehrfach mit dem Deutschen Rock- & Pop Preis in den Kategorien „bester Schlagzeuger“ und „bester Solo-Instrumentalist“ ausgezeichnet wurde und seine vorherigen DVD- und CD-Veröffentlichungen weltweit beste Rezensionen bekamen.
„Rhythmic Diversity“ beinhaltet außerdem einige Tracks seiner Post-Rock Band Suntrigger (inklusive Download der Backing-Tracks), eine dreiteilige Drumlesson für einen kreativen und vielseitigen Umgang mit Drum-Grooves und -Fills (inklusive Noten-Download), sowie zusätzliches Bonus-Material.

1. welcome
2. solo # 1 echo
3. solo # 2 rhythmic diversity part I
4. song#1 go ahead
5. solo # 3 rhythmic diversity part II
6. solo # 4 fight
7. song#2 something new
8. solo # 5 rhythmic diversity part III

Der Liebesbaum ist ein Drama aus dem Jahr 2018 von Hikmet Izgi mit Alexander Johnston, Julia Thielert und Sibylle Brunner.
Im Drama Der Liebesbaum muss ein Paar die eigenen Vorurteile gegenüber Deutsch-Türken überwinden, um miteinander glücklich zu werden.
Der türkischstämmige Deutsche Kerim (Alexander Johnston) ist neu in Hannover und verliebt sich dort in Marla (Julia Thielert). Diese hat ihm gegenüber allerdings einige Vorbehalte und kann ihre Vorurteile nicht so leicht ablegen, weshalb aus der Beziehung nichts wird. Doch dann beginnt Kerim sich politisch zu engagieren und tritt schließlich sogar zur Bürgermeister-Wahl an. Im Zuge seines Wahlkampfes begegnet er Marla erneut und die Liebe der beiden erhält eine zweite Chance, die festgefahrene Vorstellungen endlich überwinden könnte.
(Quelle: https://www.moviepilot.de/movies/der-liebesbaum)

Alterseinstufung: Freigegeben ohne Altersbeschränkung
Verpackungsabmessungen: 19.2 x 13.6 x 1.6 cm; 100 Gramm
Regisseur: Hikmet Izgi
Medienformat: Dolby, Maxi
Laufzeit: 1 Stunde und 16 Minuten
Erscheinungstermin: 25. Mai 2018
Darsteller: Alexander Johnston, Julia Thielert, Liza Tzschirner
Studio: Yellow Snake Records (Timezone)
Anzahl Disks: 1

Folksongs in bester Liedermachertradition und 30er Jahre Swing im Django Spirit treffen auf raue und punkige Beats. Gemeinsam mit seiner Band präsentiert der Stuttgarter Musiker Micha Schlüter auf seinem neuen Langspieler  „Schimpanse & Kanone“ ein abwechslungsreiches  Album mit unterschiedlichen Facetten.  Er selbst nennt es „Indieswing“ und „Jazzy Folkpunk“.
Sein Handwerk erlernte er auf der Musikhochschule und veröffentlichte in den letzten Jahren eine EP und nun mit „Schimpanse & Kanone'“ sein drittes Album. 
2012 gründete er mit befreundeten Musikern das FeierabendKollektiv, welches vor allem durch das jährlich stattfindende Vive la Vie Festival in Stuttgart für Furore sorgt. Live ist Micha zusammen mit seiner Band unterwegs oder im Duo mit Kollektivkollegen Florijan van der Holz. Neben der Liedermacherei ist er außerdem Frontman der Band bellalebwohl.

1. Schimpanse & Kanone
2. Stuttgart Calling
3. Gefahr!
4. Rom
5. Mein liebes Tagebuch
6. Ein neuer Tag
7. Wie es dir geht
8. Berlin
9. Irre
10. Mit gletscherspaltenden Augen
11. Die bunten Farben
12. Augen zu
13. Junge
14. Sonne