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Die Füße stillhalten? Cool bleiben? Das gelingt bei den Songs der Berliner Band Kensington Road nur eiskalten Stoikern. Alle anderen sind sofort angefixt vom authentischen Sound der Band, der ohne Schnickschnack und Künstelei auskommt. Denn nach tausenden von Kilometern im Tourbus durch ganz Europa und unzähligen Live-Shows, weiß die „hard-working band“ Kensington Road ganz genau wovon sie singt.
„Lumidor“ ist das dritte Album von Kensigton Road. Mit Songs, die noch rockiger, schnörkelloser und direkter sind. Einen kleinen Vorgeschmack gibt die neue Single „White Noise“, die exemplarisch für den intensiven Vibe des neuen Albums steht: Ein Song, der inhaltlich wie musikalisch mit den bittersüßen Momenten im Leben spielt. Den Momenten, in denen man sich entweder wortwörtlich im „weißen Rauschen“ verliert oder neue Chancen ergreift.Kensington Road ergreift die Chance – und bleibt dabei immer positiv, fern von gängigen Rock-Klischees und lockt die Zuhörer mit vorwärtsdrängender Energie aus der Reserve.

1. White Noise
2. All You Want
3. Taxi
4. Silent But Loud
5. Blacktop
6. Here We Go Now
7. Gold
8. The Hunter
9. World Will Know Your Name
10. Stay Or Run Away
11. When You Come Around

Der Berliner Sänger und Texter Boris Steinberg, ein Chansonsänger im besten Sinne des Wortes, zieht Bilanz. Auf seinem „Best Of“ Album versammelt Boris, die Herzstücke seiner bisherigen Schaffenszeit: Im wilden Chanson Berlin nach dem Mauerfall fiel der Startschuss und so ersang er sich innerhalb weniger Jahre seinen festen Platz in der so genannten „Neuen Berliner Chansonszene“, und zählte neben Tim Fischer, Cora Frost, Tanja Ries und Georgette Dee, zu den neuen Chansoninterpreten.
So vereinen sich auf diesem „Best Of“ Chansons und Lieder aus nunmehr 25 Jahren! Poetisch-klare Stimmungsbilder und feinfühlige Innenansichten, wie auch charismatische Pop-Balladen, teils in neuen Arrangements oder mit zarten Gitarrentönen, begleitet von seinem langjährigen musikalischem Weggefährten Tobias Schmidt.
Lieder wie „Unter meiner Haut“ und Fallschirmspringer, die auch den Weg ins Radio schafften und sich in der Liederbestenliste des SWR platzierten, sind ebenso zu hören, wie die Vertonung eines Gedichts, Spiegelleben, des 2013 verstorbenen Poeten und Schriftstellers Mario Wirz.

1. Zwischen Hier und Irgendwo
2. Mauerkinder
3. Drama Queen
4. Unter meiner Haut
5. Noch einmal
6. Gewitter (wenn die Liebe stirbt)
7. Gedankensprünge
8. Wanderndes Herz

Mit „Analogue Souls In Digital Times“ folgt das Indie-Kollektiv um den charismatischen Kopf und Songwriter Robert Nouve der originären Wave- und Postpunk-Entwicklung des 80er-Jahre Undergrounds und liefert dabei wie gewohnt anspruchsvolle und intensive Songs für Kopf, Herz und Dancefloor. Für Nouve selbst, der im letzten Herbst erst seinen aktuellen Roman Drüben vorgestellt hat, eine völlig logische Entwicklung: “Schon als wir unsere letzte Platte Greatest Hits aufnahmen spürten wir den Vibe und den Ruf der Elektronik. Mit den neuen Sounds sind wir beinahe noch mehr Achtziger als Achtziger geworden, ohne unseren Stil zu verlieren oder irgendetwas zu kopieren. Wie sehr wir damit der Musikgeschichte gefolgt und vielen unserer musikalischen Vorbilder aus den guten alten Tagen nahe gekommen sind, ist uns aber erst bei der Fertigstellung bewusst geworden.“ Dank des genre- und szeneübergreifenden Kunstanspruchs wartet das Album mit viel Frische und Vielseitigkeit auf. 
Die bereits in den Clubs rotierende Vorab-Single „Forever And A Day“ steht mit ihren tiefen und treibenden Beats und einprägsamen und tanzbaren Melodie beispielhaft für den gleichwohl klassischen wie innovativen Ansatz des Albums. Die Songs ziehen den Hörer von der ersten Minute an in ihre eigene Klangwelt und nehmen ihn mit auf einen intensiven und energiegeladenen Trip durch die gesamte Variationsbreite elektronischen Synthie-Undergrounds der Achtziger. Nouve behandelt dabei in seinen von Album zu Album immer ausgefeilter werdenden Lyrics die intellektuelle Leere des postkapitalistischen Zeitgeists, die Orientierungslosigkeit der Gesellschaft sowie die Verlorenheit des Individuums in ihr. Am Ende steht dennoch ein Hidden-Track zur geradewegs zärtlichen Verabschiedung. „Analogue Souls In Digital Times“ wird als CD sowie audiophiles Heavyweight-Vinyl veröffentlicht. Die CD enthält einen Bonustrack. Die Vinyl-Erstauflage wird streng limitiert, handnummeriert und mit handveredeltem Artwork erscheinen. In der nur über die Website erhätlichen Special-Edition gibt es zudem ein Tape mit einem zusätzlichem Non-Album-Track.

01 Stereotactics
02 Kekesfalva
03 The Love That Kills The Heart
04 Parasite
05 Forever And A Day
06 The Loop
07 Whitewashed Hearts
08 Collateral

Am 09. März erscheint „The Girl, The God, The Rush“ – das erste Studio-Album der deutsch-niederländischen Band SUiT. Der Mix aus harten, rockigen Songs und außergewöhnlichen Balladen wurde im Winter 2016/17 in den namhaften Moon Studios in Holland aufgenommen und präsentiert der verstaubten europäischen Rock-Szene einen vielversprechenden neuen Act. SUiT liefern sexy und roboterhafte Monster-Riffs, bluesartige Rhythmen und vielschichtige Melodien. Songs wie „Robot Sweat“ oder „1q84“ zeigen, dass diese Jungs auch eine Schwäche für die Tanzfläche haben – und zwar für eine düstere, schmutzige, tarantinoeske! Trotz der Härte der rockigen Seite von SUiT lassen einen Lieder wie „Kings and Queens“, „Quicksand Waterfalls“ oder „Over the Next Hill“ dahinschmelzen. Dieses Rock-Quartett kombiniert Eleganz, den Weltraum und psychedelische Elemente und schafft es mit Leichtigkeit ganz nebenbei einen zum Tanzen zu bringen.
Und obwohl „The Girl, The God, The Rush“ verführerisch süß klingt, bietet das Album genug raue Kanten und lyrische Unruhen, wodurch es interessant bleibt. Sänger Brown ist ein gekonnter Geschichtenerzähler, der von romantischer Besessenheit, quälenden Affären, der dunklen Seite von Freundschaften oder der Sisyphusarbeit des Loslassens singt. Dieses Album war längst überfällig und hier kommt es nun endlich: ein alternatives Rock-Album, welches den Anfang einer emotionalen, starken und spannenden Band darstellt. Das ist SUiT.

This is SUiT The Girl, The God, The Rush is the first full-length studio album released by German/Dutch rock band SUiT on March 9, 2018. The mix of hard rocking songs and sublime ballads was recorded in Winter 2016/17 at renowned Moon Studios in Holland and introduces a promising new act to the seemingly dusty European rock scene. SUiT delivers sexy and robotic monster riffs, bluesy rhythms and eclectic melodies.
Songs like „Robot Sweat“ and „1q84“ both show these guys also have a taste for the dance floor - and what a gritty and dirty Tarantino-esque one that is!! But no matter how heavy the rocking side of SUiT becomes, songs like „Kings and Queens“, „Quicksand Waterfalls“ or „Over the Next Hill“ just melt in your mouth. ! This rock quartet explores elegance, space, and psychedelia and equally unaffectedly makes you want to move your ass. And even though „The Girl, The God,The Rush“ is seductively sweet in sound, there are just enough rough edges and lyrical unrest to keep things interesting. Singer Brown is a skillful storyteller, versifying between romantic obsession and haunting affairs, diving into the dark side of a friendship or a Sisyphus-like tale of letting go.
This album has been overdue for many years and here you have it: finally, an alternative rock record that marks the beginning of an emotional, powerful and exciting band from Europe. This is SUiT.

1. The Girl, The God, The Rush
2. Robot Sweat
3. Shifting Dunes
4. Quicksand Waterfalls
5. Kings And Queens
6. When She Speaks
7. Water My Friend
8. Over The Next Hill
9. Blessed With Black
10. 1Q84
11. 22:22

Ergreifend verbinden Yvoe Ree (Stimme) und Vincent Dombrowski (Klavier/Seaboard) in ihrem Duo lyrische Melodien, vom Jazz gefärbte Klänge und Art-Pop Elemente zu bewegenden Kompositionen.
Die musikalische Darbietung, verfeinert durch Sprache, fasziniert auf allen Ebenen des Erfassens durch künstlerische Intensität und liebevolle Expression. Verbunden durch ihr Vertrauen ineinander, die gemeinsame musikalische Vision und ihren Ausdruckswillen, schaffen YvoeRee eine Umgebung emotionalen Ausdrucks, die das Publikum unweigerlich erfasst!
Seit 2016 musiziert das Hamburger Duo gemeinsam. Der sehr individuelle Sound ihrer Musik ist u.a. geprägt durch KünstlerInnen wie Björk, Jeanne Lee, Jonathan Hart Makwaia oder Joni Mitchell. Tiefgründig poetische Texte bilden malerisch Geschichten ab, deren Botschaften metaphorisch vielschichtig auf die Rezipierenden einwirken. Jeder Song zeichnet durch seinen eigenen Charakter eine neue Farbe in das Konzertprogramm. Dies wird unterstützt durch den vielseitigen, auch experimentellen Stimmgebrauch der Vokalistin Yvoe Ree, der nahezu verschmilzt mit den begleitend singenden Klavierlinien ihres Partners Vincent Dombrowksi. Die innigen Kompositionen bieten emotionalen Interpretationsfreiraum und laden ein, mitzufühlen und über das Konzerterlebnis hinaus weiter zu empfinden.

01 Rooftop
02 So Soft
03 Koloss
04 Song For Agnes
05 Vivo
06 Mr. Chapman
07 Birdies
08 Ivory Tower
09 Josephina
10 Irgendwo auf der Welt

Die Musik von Ausfahrt ist verwurzelt in den eigenen Erfahrungen von Christina Zurhausen und folgt der Ästhetik des Grungerock. Die Bandleaderin, aus dem rauen Alltag des Ruhrgebietes kommend, komponiert die Songs der Band – Songs, welche trotz ihrer klaren Struktur und Melodik auf Improvisationen basieren und von Eingängigkeit geprägt sind.
Zurhausens Musik erzählt von liebenden und streitenden Welten, mit Hang zur Philosophie, im Versuch das zu Ergründen, was die Welt im Innersten zusammenhält. Stets das Ruhrgebiet in Gedanken, die erlebten 90er und geliebten 60er im Sinn.
Es geht um Emotionen, die tiefer liegen, und von den eingespielten Musikern mit moderner, rockiger Attitüde auf energetische Weise verarbeitet werden.

1. Kiss The Night Air
2. Grunge Mess
3. Tango Unchained
4. Vergessene Möglichkeiten
5. 221 B
6. Ornette Soul
7. Monks Honk
8. Krank
9. All The Walls I Strike My Head Against Are Inside My Head

Die CD entstand aus einer analogen Aufnahme für eine 1982 erschienene Langspielplatte, die von Joszi Sorokowski remastered wurde. Bei der Originalaufnahme hatten Ahlert und Odendahl den Ehrgeiz, mit möglichst wenigen Schnitten auszukommen, was dazu führte, dass fast alle Sätze bzw. Werke durchgehend eingespielt wurden.
Außer der analogen Bandmaschine, die aus den ehemaligen Beständen des NDR stammte, wurden zwei der inzwischen legendären Neumann-Mikrofone M49 benutzt, die uns ein Sammler dankenswerterweise zur Verfügung stellte. Die Aufnahme ist also besonders für Liebhaber dieses besonderen Klanges interessant.
Die eingespielten Stücke von Christian Gottlieb Scheidler, Georg Philipp Telemann, Franz Burkhart, Joaquín Rodrigo, Enrique Granados, Jacques Ibert und Leo Brouwer sind technisch virtuos gespielt und zeugen von einer großen Klangkultur der beiden sympathischen Gitarristen.
Bernd Ahlert und Manfred Odendahl schlossen ihr Studium in Hamburg und Bremen mit dem Solistendiplom ab und gründeten 1977 ihr Gitarren-Duo. Seither haben sie neben zahlreichen Konzerten, Aufnahmen für Rundfunk, Fernsehen und Schallplatte auch an Opern- und Theaterbühnen musiziert. Auf musikwissenschaftlichem Gebiet haben sich beide Musiker mit der Entwicklungsgeschichte der Gitarre in Europa beschäftigt und umfangreiche Arbeiten über die spanische, irische und kubanische Musikfolklore angefertigt.

Christian Gottlieb Scheidler (1752-1815)
Sonate D-Dur
1 Allegro 4:34
2 Romanze 3:54
3 Rondo 3:08
Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Sonate im Kanon
4 Vivace 1:57
5 Adagio 1:40
6 Scherzando 2:59
Franz Burkhart (1902-1978)
Toccata
7 Lebhaft (Allegro) 1:06
8 Ruhiger (Piu tranquillo) 2:38
9 Lebhaftes Anfangszeitmaß(Allegro) 1:15

Diese CD ist Sebastian Pachels Debüt-CD auf seiner speziell nach seinen Vorgaben gefertigten seltenen Form der Messing-Panflöte. Pachel lässt eine Einflüsse aus Jazz und Pop seinen klassischen Interpretationen mit einfließen, um so ein Stück weit der ständigen Reproduktion klassischer Musikwerke zu entfliehen.
Um seiner Vision von „Modern Art Of Pan Flute“ einen weiteren Schritt näher zu kommen, experimentiert er mit elektronischer Klangveränderung. Er legt seinen Fokus vermehrt auf Klangfarbe und Sound und nicht allein auf Virtuosität und makellose Präsentation klassischer Werke, bleibt aber, trotz aller klanglichen Experimente, immer mit einem Bein in der Klassik-Welt.

01 La fille aux cheveux de lin
02 Spiegel im Spiegel
03 Dances in the light: I. Subtitles
04 Dances in the light: II. Where
05 Dances In The Light: Iii. Dance In The Light
06 Childrens Song No. 4 (Sebastian Pachel Remix)
07 Six Studies in English Folk Song: I. Adadio
08 Six Studies in English Folk Song: II. Andante sostenuto
09 Six Studies In English Folk Song: Iii. Larghetto
10 Six Studies in English Folk Song: IV. Lento
11 Six Studies in English Folk Song: V. Andante tranquillo
12 Six Studies in English Folk Song: VI. Allegro vivace
13 La fille aux cheveux de lin (Sebastian Pachel Remix)
14 Oblivion
15 Childrens Song No. 3
16 Childrens Song No. 4
17 Childrens Song No. 15
18 Divenire
19 Adagio (From Harpsichord Concerto Bwv 974)

Seit dem Gordie Tentrees und Jaxon Haldane im Jahre 2014 erstmals zusammen kamen, um gemeinsam Musik zu machen, haben sie 548 Konzerte in elf Ländern gespielt, u.a. namhafte Festivals wie das Celtic Connections in Glasgow oder das National Folk Festival in Canberra. Nun veröffentlichen sie eine besondere Auswahl an Songs als gemeinsames Debütalbum „Grit“. „Grit“ ist ein Live-Album geworden - wie könnte es hier anders sein - und wurde während fünf besonderer Shows in West Kanada vom renommierten Engineer und Producer Scott Franchuk (Corb Lund/CKUA) aufgenommen. Den Anstoß, ausgerechnet mit einem Live-Album gemeinsam zu debütieren, haben zahlreiche Konzertbesucher gegeben. Wiederholt wurde der Wunsch geäußert, die unglaubliche Atmosphäre der Gordie Tentrees & Jaxon Haldane-Shows mit nach Hause nehmen zu wollen. Dies kommt nicht von ungefähr: Eine Live-Show vereint zehn Instrumente - Banjo, Dobro, Zigarrenbox Gitarren, Singende Säge, Akustikgitarre, Stomp Box, Mundharmonika, Snare und Mandoline zusammen mit tollen Gesangsharmonien und meisterhaftem Storytelling. Auch tut hier die geballte Erfahrung jahrelangen Tourens und die zusammengenommen 15 Alben mit anderen Band-Projekten ihr Übriges, um den Besucher in den Bann ziehen. Jaxon Haldane und Gordie Tentrees sind beide in der kanadischen Roots Szene aufgewachsen, in der legendäre Songwriter wie die bereits genannten Fred Eaglesmith und Willie P. Bennett einen großen Einfluss auf das Schaffen der Künstler hatten, ja mitunter die Rolle des Mentors einnahmen. Dies führte zu einer hervorragenden Interpretation Haldanes von „Willie’s Diamond Joe“, Haldane produzierte gar die letzte Willie P. Bennett-Platte, bevor dieser 2008 verstarb.
Die Charaktere, welche die Songs dieses positiven Albums bestimmen, meistern die Schwierigkeiten ihres Lebens. Alle Songs enthalten und machen Grit (= Mut), die beste Zutat, um Hindernisse zu überwinden!

1. Armand
2. 29 Loads of Freight
3. Craft Beards & Man Buns
4. Junior
5. Bottleneck to Wire
6. I Don't Have a Gun
7. No Integrity Man
8. Willie's Diamond Joe
9. Lost
10. Sideman blues
11. Holy Moly
12. Wasted Moments

Köln–Wuppertal–Lennestadt ist das geografische Dreieck von Bongen’s. Und Rock–Indiepop–Singer/Songwriter das Musikalische. Mit ihrem dritten Studioalbum „Fragebuch“ liefern sie ein liebevoll arrangiertes und ruppig-zungenfertiges Kraftpaket ab. Drei Jahre lang wurde geschrieben, arrangiert, aufgenommen, verändert, verworfen und wieder neu aufgenommen. Doch am Ende war die kniffligste aller Fragen, die nach dem Titel des Albums. Dabei war es so naheliegend:
„Ich hab da so ein Notizbuch, schon seit es diese Band gibt. Da kommen Textideen rein, lose Gedanken, Wörter, die mir gefallen. Und Fragen. Immer wieder Fragen. Und irgendwann hab ich in Großbuchstaben „Mein Fragebuch“ vorne auf den Umschlag geschrieben,“ erinnert sich Mario Bongen, Sänger und Songschreiber der Band. Die Wortschöpfung schaffte es dann in den Liedtext von „360°«“und schließlich auf das Cover des neuen Tonträgers.
Also kommen wir zu den Fragen. So eine Album-Produktion zum Beispiel wirft eine Menge Fragen auf: Die nach dem Sound. Der richtigen Attitüde. Die nach der Song-Zusammenstellung. Wie man den Hörer auf eine Reise schickt. Wie man es in den 2010er Jahren noch schaffen kann, jemandem 45 Minuten Aufmerksamkeit abzutrotzen. Und dann ist da noch die Frage nach der Finanzierung. Darauf fanden die vier Musiker eine zeitgemäße Antwort: Crowdfunding. Mit der Kampagne „Bogen’s Vier und ihr“ wurde das nötige Kleingeld gesammelt, um unabhängig und kompromisslos genau das Album zu schaffen, das die Vier im Sinn hatten.
Herausgekommen ist eine Platte mit viel Licht und viel Schatten.
Warm und krachig. Gefühlvoll und wütend. Ohne Berührungsängsten vor altmodischen Genres (Country, Folk) oder neumodischen Instrumenten (Bierflaschen). Hauptsache es dient dem Song, seiner Geschichte. Und so bekommt jede Geschichte die Kulisse, die ihr zusteht: Der polternde Walking-Bass bei „Diese Beine werden nie wieder humpeln können“, die ein- dringliche Orgel-Hookline bei „Das hier ist es“ oder das schaurig-schöne Bläser-Ensemble bei „Grab ein Grab“. Die Texte sind frei von Plattitüden und aufgesetztem Gehabe. Stattdessen persönliche Anekdoten, kitschbefreite Liebeslieder und grob gehobelte Alltagspoesie.
„Warum bin ich hier? Und wieviel Prozent von mir?“
Zeilen wie diese zeigen schlicht und präzise auf das große Ganze und auf die Wahrheit, die immer irgendwo dazwischen liegt – Fragen lügen eben nicht. So eröffnet sich freie Sicht auf das Innenleben des Songschreibers – zumindest soweit man das erwarten kann, von einem, der lieber Fragen stellt, statt Antworten zu geben. Wenigstens eine Antwort liefert das „Fragebuch“ dann doch noch: Beim Schluss-Song lautet das Mantra „Folge den Zeichen“. Und für Bongen’s stehen derzeit alle Zeichen auf Grün.

1. Das letzte Lied
2. Boxer
3. Diese Beine werden nie wieder humpeln können
4. Das hier ist es
5. Wo ich hin will
6. 360°
7. Grab ein Grab
8. Am traurigsten Tresen der Gegend
9. Krzwrtrtsl
10. Blaues Auge
11. Geschlossene Gesellschaft
12. Der im gelben Regencape
13. Zeichen

Tilo George Coppperfield is a Rock and Roll songwriter with roots in Americana and Blues. Also known as the driving force behind southern rockers 3 Dayz Whizkey where he honed his skills as guitar player and highly-talented song-architect. 2017 gave birth to his first solo record („T.G. Copperfield“) and the ambitious successor „The Worried Man“, a concept album and Rock and Roll Dystopia based on the thrilling story of anti-hero Evil Eye. Where his critically acclaimed first record mainly focused on Bluesrock and Americana, „The Worried Man“ is diving even deeper into a broad spectrum of styles. Simply put: „an entertaining listening experience with hit potential“ (Classic Rock Magazine). A record with style and classic sound. 2018 will also be a busy year starting with the release of „Tunes for George“. A 6-songs-EP based on the memory of Copperfield's late dad. Recorded in a one day session this truly is a very personal piece of Rock and Roll in the tradition of classic and timeless tunes built to last.

01 Last Chance Saloon
02 One More Night
03 The Face Of The Mountain
04 Walking In Ruins
05 I'll Never Lay That Guitar Down
06 Half The Man

Nach der Veröffentlichung ihres Debüts „Welcome to my club“ 2016 hat sich einiges für die in Osnabrück beheimatete Bluesrock-Band getan. Aus einem eher losen Kollektiv der Anfangstage hat sich eine Kernbesetzung herausgebildet, die jedoch immer noch genügend Spielraum für alternative Besetzungen bietet. Außerdem konnte die Debüt-Platte in diversen Fachblättern (z.B. der Szene-Bibel „BluesNews“) gute Reviews einheimsen und auch die Live-Front wurde unter anderem mit Support-Gigs der Texaner „Tito & Tarantula“ bespielt. Souverän konnte der Club um Initiator, Songwriter, Sänger und Gitarrist Tim Funke in den absoluten Szene-Bluesclubs wie dem „Meisenfrei“ in Bremen, dem „Kaiserkeller“ in Detmold oder auch der „Lagerhalle“ in Osnabrück die Zuschauer begeistern. In der Tradition des ersten Albums beschließt dann der akustische Oldschool-Blues „Jacky’s Song“ ein Album, das sowohl Traditionalisten als auch Fans des eher modernen Blues in ihren Bann ziehen wird.

01 I Was Good
02 My Personal Blues
03 Blinded By Fear
04 Do Me
05 Death Comes On Black Wings
06 Dishrag 7. Runaway Blues
08 My Little School Girl
09 I Feel Alright
10 Wounds And Scars
11 Jacky's Song

Die Entstehung des Albums „Grounded“ von Timo Brandt war von vornherein ein Wagnis und ein Abenteuer. Und genauso spannend klingt es auch. Man hört viele akustische, teils ausgefallene Klänge – Gitarren, Flügel, Cello, Klarinette, Synthesizer und interessante Percussions wie Calabash, Jujus und handgeflochtene Shaker. Man hört Timos ausdrucksstarke Stimme und wundervoll zarte backing vocals. Er singt Melodien, die ins Ohr gehen und das Herz berühren, klingt aber nie so, als würde er versuchen, einen Hit zu schreiben. Man spürt, da ist Jemand auf einer Reise, auf der Suche nach dem Leben.
Die englischen Texte klingen authentisch und poetisch. Es sind nicht die typischen Lovesongs – Timo Brandt singt von mehr als nur von Herzschmerz und Beziehungen. Er ist radikal in seiner Ehrlichkeit und seiner Suche nach mehr.
Nachdem er drei Jahre allein mit seiner Westerngitarre auf zahlreichen Bühnen unterwegs war, ist Timo Brandt nicht mehr der Mensch, der er vorher war. Was als Hobby begann, bestimmte zunehmend sein Leben und seine Identität. Dies wollte er widerspiegeln – die Songs, die auf der Bühne gereift waren, verewigen.
In den „Van Heys Studios“ in Kleve fand er die perfekte Umgebung, um seine Klangvorstellungen zu verwirklichen. Ohne Budget stürzte er sich in die Aufnahmen. Er sang zahlreiche Stimmen und spielte zunächst viele Instrumente selbst ein. Mit dem Cellisten Ardie van der Knijff (NL), der Sängerin „Rina“ (D) und dem Duo „Archer & Tripp“ (GB/D) an Klarinette und Percussions konnte er hochkarätige Gastmusiker aus drei Nationen für seine Songs begeistern. Er ließ sie die Musik hören und gab Ihnen die Freiheit, zu spielen, was immer ihnen in den Sinn kam. Die Emotionen verstärkten sich auf wundervolle Weise. Der Plan, der keiner war, ging auf.
Zwischen den Aufnahmen ergaben sich immer wieder spontane Konzerte. Diese brachten immer gerade genug Geld ein für den nächsten Studiotag. Dazu kamen bereits Vorbestellungen für das neue Album, bevor es überhaupt fertig war. So zog es sich hin über Monate, bis das Werk vollendet war.
Für Mix und Mastering konnte er Sebastian Rottstegge gewinnen, der schon durch seine Arbeit mit AnnenMeiKantereit an deren Erstlingswerk „AMK“ ein feines Gespür und ein gutes Ohr bewiesen hat.
Das Artwork zu „Grounded“ stammt von der Künsterlin Dootje Maillard. Nach einigen Gesprächen über das Album und die Songs, hat sie das Motiv spontan aus der Hand gezeichnet und anschließend weiter ausgearbeitet.

01 Intro
02 In The Darkness
03 Clocks
04 Thanks I’m Fine
05 Long Lost Friend
06 Mountain Top
07 Honestly
08 Solid Ground
09 Grounded
10 Mr. Moment
11 Close To Life

Die langjährige lose Zusammenarbeit der vier Jazz Musiker in wechselnden Besetzungen führte über zahlreiche gemeinsamen Konzerte und Projekte seit 2014 zum Wunsch, die Arbeit auf einer CD zusammenzufassen. Wie vier verschiedene Quellen, die sich zu einem Fluss vereinen, bündeln sich in Stream individuelle, musikalische Erfahrungen, Vorstellungen und Kompositionen zu einem gemeinsamen Ganzen. Ihrem Strom.
Die Stream Kompositionen reichen von einfühlsamen Balladen über fast groovige Rhythmen mit verschachtelten Themen- und Klangstrukturen, immer wieder verbunden durch Improvisationen, die eine weitere Entwicklung im Livekonzert versprechen. Obwohl Stream ein klassisches Jazz Quartett ist, lösen und verschieben sich gewohnte Schwerpunkte und Aufgaben zwischen den Instrumenten. Das Debütalbum „Speechless“ widmet Stream der 2017 verstorbenen Sängerin Susanne Drerup-Christenhuß, mit der sie im Jahre 2014 mehrfach als Quintett auftraten.

1 Bossassa
2 Expecting January
3 Notice The Moment
4 Valse Satinée
5 Treillis
6 November Day
7 Speechless
8 Januar Feel
9 Brouillard Dense

Wien – New York – Berlin: Die österreichische Sängerin Maria Christina hat eine spannende Reise hinter sich und das hört man. Ihre Stimme ist der Ausdruck einer hochsensiblen, offenherzigen Seele, ihre Songs haben vieles zu erzählen.
Ihre Debüt Album wurde mit Joni Mitchells Frühwerken verglichen und als „Erlebnis einer Neuentdeckung“ (About Jazz) gefeiert. In ihren Liedern werde „poetisch von einer aufmerksamen, empfindsamen Chronisten erzählt“ (Concerto) und diese Poesie zieht sich auch durch ihr neues Album „Morning Swim“: Es ist eine Sammlung einzigartiger, tiefgründiger Artsongs begleitet von dem virtuosen italienischen Gitarristen Federico Casagrande.
Die Musik des Duos schwebt zwischen Singer-Songwriter und Jazz, zwischen Erzählung und Improvisation. Immer wieder sorgen Maria Christinas kristallklare Stimme und das präzise Gitarrenspiel für Überraschungen, immer wieder biegt das Paar in unerwartete Richtungen ab – um am Schluss doch wieder sicher nach Hause zurück zu kehren. Eine musikalische Reise der ganz besonderen Art.

01 Morning Swim
02 Ocean Song
03 Blank Canvas
04 Love And Rage
05 Eternally Collapsing
06 Closest To Home
07 Spreading Love
08 Back To White
09 Lullaby For Richey
10 One By One

Bad Temper Joe präsentiert sein neues Album „Ain't Worth a Damn“, eine Sammlung aus eigenen und traditionellen Bluesstücken, aufgenommen während eines Konzertes in intimer Atmosphäre im Songwriterlokal Café de Loge in Gent, im Rahmen von Joes Belgien Tour im November 2017.
Mit neun Songs, acht Eigenkompositionen, sowie einer Hommage an Willie Dixons „Spoonful“, geht es auf die Reise durch eine musikalische Landschaft, die in weit abgelegenen Sümpfen und taufeuchten Wiesen der Südstaaten ihre Wurzeln hat. Es folgen Balladen von Liebe und Verlust, Schicksalsschlägen, Zerstörung, Alchemie und schwarzem Zauber. Jubelstürme und Freudenschreie sind rar, sind die Knochen doch schwer von der Reise und ist der Mund doch voller Staub der Teutoburger Ödnis, die Kleidung noch nass vom westfälischem Regen. Bad Temper Joe erzählt uns seine Geschichte in der Tradition der alten Bluessänger aus dem Mississippi-Delta, mit der Kraft eines Mannes und seiner Gitarre.
„Ain't Worth a Damn“ markiert Joes siebten Longplayer seit der Veröffentlichung seines Debütalbums „Sometimes A Sinner“ 2014. Produziert von Fernant Zeste und Jakob Eismann präsentiert sich Bad Temper Joe, nach seinem Exkurs mit elektrischer Band auf dem 2017er Album „Bad Temper Joe And His Band“, diesmal wieder so, wie man ihn kennt: in seiner reinsten und unverfälschtesten Form – akustisch, allein und „live in concert“.

1. Farmer's Daugher
2. Most Things Haven't Worked Out Yet
3. If Tears Were Diamonds
4. Nighthawk Woman Blues #9
5. Delilah
6. Man For The Road
7. Honey On My Biscuit
8. Spoonful
9. I Bid You Goodnight, Sweet Marie

Reto Burrell klingt auf seinem zehnten Studioalbum „Shampoo Or Gasoline“ so rotzig und frech als wäre es sein Debüt.
Im Elan der letzten Konzerttournee im Frühling/Sommer 2017 entstand das neue Werk. Die Live-Präsenz und die Energie des Zusammenspiels der Band waren ein wichtiger Antrieb und gaben das nötige Feuer. Komponieren, Live spielen und Aufnehmen gingen Hand in Hand. Burrell verpackt sonst immer gerne Eigenerlebtes in seine Songs. Doch auf diesem Album besingt er zum ersten Mal bewusst Dinge, die ihn nachdenklich stimmen. Er spricht auch Eigenschaften oder Zustände unserer Gesellschaft an, die sich leider schon so sehr verankert haben, dass wir sie gar nicht mehr hinterfragen.
Schönreden statt Hinterfragen – Wegschauen statt Erkennen – Abwarten statt Handeln. Burrell singt in seinen neuen Songs auch über die Rückkehr von Robin Hood, und fragt sich, wann der bodenlose Eimer endlich voll ist. Wer in dieser lauten Welt gehört werden will, muss schreien. Rockmusik soll nicht nur gespielt, sie sollte viel mehr gelebt werden.
Burrell hat es geschafft Rockmusik zu seinem Lebenselixier zu machen. Auch nach über 20 Jahren Konzerterfahrung im In- und Ausland auf mehreren 100 Bühnen ist er noch voller Energie. So erlebt man ihn an jedem seiner Konzerte: schnörkellos, direkt und immer guter Laune!

SIDE A
01 Rising To The Beat
02 Shampoo Or Gasoline
03 On Top Of The Moon
04 Blind (Everything Is Fine)
05 Where Is Robin Hood?
06 In A Bucket With A Hole

SIDE B
01 Shout It Out
02 Tell Me Why
03 She Says She's American
04 Carried Away
05Leaving Scars Behind
06 Like Zombies And Toys

Soul Jazz ist das rothaarige Stiefkind des Modern Jazz. Er ist die Musik der Orgelbands. Er ist funky, laut, manchmal sentimental, die vergessene Popmusik des schwarzen Nachkriegsamerika. „Soul Jazz Lab“ ist eine groovende Hommage an die Orgelcombos der sechziger Jahre, als hart swingende Bands wie die von Brother Jack McDuff oder Jimmy Smith den Chittlin‘ Circuit mit ihrem gospelgetränkten Souljazz regierten.
„Soul Jazz Lab“ sind: Holger Weber (Gitarre), Max Blumentrath (Hammond) und Alex Lex (Drums). Als Gäste mit dabei sind Wim Wollner am Saxophon und die großartige Sängerin Angela Brown.
Über die Musiker:
Gitarrist Holger Weber wurde in Heidelberg geboren. Er studierte Jazzgitarre am Conservatorium Hilversum u.a. bei Wim Overgaauw und Jesse van Ruller. Seit 1997 lebt und arbeitet er als vielgefragter Musiker und Dozent in Dortmund.
Max Blumentrath ist Hammond-Organist und Pianist und lebt in Köln. Er war zuletzt Student von Matthias Bätzel an der Musikhochschule Carl Maria von Weber in Dresden. Im Sommer 2012 schloss er dort sein Masterstudium für Hammond-Orgel erfolgreich ab.
Der Schlagzeuger Alex Lex ist einer der gefragtesten Drummer der deutschen Blues-Szene. Bereits seit seinem dreizehnten Lebensjahr besuchte er regelmäßig viele Sessions und machte sich in der hiesigen Blues- und Jazzszene schnell einen Namen. Seine Grooves spielt er mit großer Intensität, doch zugleich ungewöhnlich abgeklärt und geschmackvoll.

01 These Are Soulful Days
02 Polka Dots And Moonbeams
03 Que Baby
04 Speak Low
05 Nancy (With The Laughing Face)
06 Jucy Lucy
07 Don’t Take Your Love From Me

 „Changes“, der Titel der neuen Scheibe von Unplaces, könnte treffender nicht gewählt sein. Schließlich stand die Veränderung in all ihren Facetten nicht nur Pate für das Album-Konzept, sondern machte sich für die Formation aus Bochum und Hannover auch anderweitig bemerkbar. Jüngst erst vom bis dato geführten Bandnamen NRT getrennt, dürfte die Umbenennung selbst dabei die offensichtlichste Neuerung darstellen – die signifikanteste ist sie allerdings nur mit Abstrichen.
Vielmehr noch drängt sich in diesem Zusammenhang die völlig neuartige Herangehensweise in punkto Songwriting auf, die Frontfrau und Hauptkomponistin Dorette Gonschorek auf gänzlich ungewohnte Pfade führen sollte. Entstanden die Songs in der Vergangenheit noch über einen längeren Zeitraum hinweg Stück für Stück und völlig unabhängig voneinander, war der Fokus dieses Mal schon im Vorfeld auf das große Ganze gerichtet. Ergo handelt es sich bei „Changes“ um eine musikalische wie textliche Einheit, der eine ausgefeilte Dramaturgie zu Grunde liegt.
Spielerisch kombiniert das Trio unaufdringliche Gitarren mit leidenschaftlichen Gesängen, rollt weiche Keyboardteppiche über mechanische Drum-Schablonen und verwebt Wave, Rock und Post-Punk mit vorsichtigen Pop-Elementen zu einem abwechslungsreichen Schauspiel von leichtherziger Schwermut. Die lyrische Komponente der 14 Stücke nähert sich dem gewählten Themenkomplex hingegen kritisch mit der Frage nach Sinn und Selbstbestimmtheit in Zeiten von Medialisierung, Informationsflut, Globalisierung und Konsumzwang. Wie soll man Schritt halten mit dem permanenten Wandel der Gesellschaft oder besser noch mit den Worten des Titelstücks gefragt: 
What are changes for? Die Antwort darauf ist zwischen den Zeilen von „Changes“ zu ver(un)orten.

1. Utopian Dream
2. Escape
3. Changes
4. The Left Behind
5. Lost In Space
6. Such A Shame
7. Reset
8. Downshifting
9. Insight
10. Mister Bot
11. Freedom
12. Pseudo Reality
13. Against Ourselves
14. Open End

Der 1956 im westfälischen Gütersloh geborene Blues-Gitarrist und Komponist Roland Schal präsentiert mit „Finally“ ein äußerst facettenreiches Album. Ausschließlich aus eigenen Kompositionen bestehend, ist es die Essenz des bereits 50 Jahre umfassenden, musikalischen Schaffens dieses vielseitigen Musikers.
In Erinnerung an B.B. King und Jimi Hendrix und inspiriert durch Kenny Burrell, reicht das Repertoir des Albums vom Shuffle über funky Grooves und lateinamerikanischen Klängen bis hin zur Jazz-Ballade. Die Komposition „Love“ hätte aus Carlos Santana’s Feder stammen können und der Song „It's Over“ glänzt mit der warmen, gefühlvollen Stimme der Rocklady Mennana Ennaoui.
Roland Schal entlockt jedem Instrument seinen, auch in Fachkreisen berühmten, typischen Klang. Er spielt authentisch und mit Seele, - eben „so, wie es muss!“. Auf diesem Album unterstützen ihn unter anderem Henner Malecha am Bass und Wolfgang Roggenkamp an einer Hammond  B-3 mit „Mojo“, denn auf exakt derselben Orgel spielten schon Jimmy Smith und Ray Charles.
Kein Wunder also, dass der Spirit dieser Legenden hier auch tatsächlich hör- und spürbar ist!

1. Love
2. Funky Thang
3. JGW
4. Roland’s Shuffle
5. It’s Over
6. Kenny
7. Love (smooth version)

A part oder apart? Beides! So zweideutig wie der Titel, so vielseitig sind die Songs auf dem neuen Tidemore Album „a-part“. Die Brüder Matthias und Andreas Pietsch reflektieren über die großen Themen unserer Zeit. Aus der Sicht zweier Männer, die erwachsen geworden sind, beleuchten sie den Zustand der Welt und suchen darin ihr Gleichgewicht. Eine Grenzwanderung zwischen dem Eigenen und dem Fremden. Aufbauend auf dem eigenwilligen akustischen Sound, der ihre Zuhörer regelmäßig in den Bann zieht, gehen die Brüder mit dem Album „a-part“ musikalisch durch eine neue Tür. Ganz klar, es ist Tidemore, was man da hört, und dennoch herrscht ein neuer Ton. Die grundsätzlich auf Gitarren und Klavier reduzierte Instrumentierung wird in einen größeren Zusammenhang gesetzt. Einen Großteil der elf neuen Songs stellen sie erstmals auf ein kraftvolles Fundament aus Schlagzeug und Bass und fügen an einigen Stellen eine E-Gitarre ein. Dazwischen schimmern immer wieder zurückhaltend instrumentierte, rein akustische Stücke als besondere Perlen. Diese Abwechslung erzeugt eine spannende Dynamik vom ersten bis zum letzten Ton.
Als wundervoll einfühlende Gastmusiker konnten sie die herausragenden Musiker Florian Holoubek, Thomsen Slowey Merkel und Karsten Lipp gewinnen. Ihre stärkste Karte haben die Brüder aber auch auf ihrem neuen Album wieder ausgespielt: Sie wissen einfach, wie man eingängige Songs schreibt. Es sind diese grandiosen Melodien, deren Schönheit sofort verfängt. Mal ist es die Stimme, mal eine Gitarrenlinie. Kaum ein Song, in dem man lange auf dieses strahlende Glanzlicht warten muss. Und auch auf ihren typischen Satzgesang haben sie keineswegs verzichtet. Tidemore hat sich nicht neu erfunden, aber konsequent weiterentwickelt. Auf diese Weise ist das bisher vielfältigste Tidemore Album entstanden. „a-part“ beinhaltet alles vom kleinen Song bis zur großartigen Hymne. Es bedient die großen Gefühle und ist dabei doch niemals trivial.

01 As Long As We Move
02 The Same As You
03 Real People
04 Big & Small
05 The Brunt Of The World
06 Beautiful Things
07 On The Bottom Of The Lake
08 The House of the Devil
09 Catacombs
10 I See
11 Until The End

Engel Mayr (Gitarrist, Produzent und Songwriter u.a. bei Russkaja, Dorretta Carter, Hallucination Company, Percival Duke) hat ein rotziges Bluesrock Power Trio Album aufgenommen. Schlagzeug, Bass, Gitarre und seine Stimme – die klassische Formation von Hendrix, ZZ Top, Kings-X und Stevie Ray Vaughan.
10 erfrischende neue Bluesrock Songs mit Betonung auf “Rock”. Das renommierte deutsche Fachmagazin “Gitarre & Bass” bezeichnete Engel Mayr's Musik als “Hendrix inspirierten Heavy Funk” und liegt damit goldrichtig! Songs wie “Yeah” und “Praise The Sacred Cow” klingen nach Heavy Hendrix aus dem Sumpf während “Head Up” ganz klar in die Texas Bluesrock Kerbe a la ZZ Top schlägt.
Das Album wurde an nur einem Tag aufgenommen und diese Spontanität und Spielfreude hört man den Songs an. Gemeinsam mit Werner Laher (Stella Jones, Semino Rossi, Rounder Girls,...) am Bass und Mario Stübler (Russkaja, Vereinigte Bühnen Wien,...) am Schlagzeug muss das Studio an diesem Tag vor Spaß am Musizieren wohl explodiert sein!

1. Yeah
2. Praise The Sacred Cow
3. Head Up
4. Choice
5. Here We Are
6. Turn It Up
7. Supernatural
8. Another Way
9. Run From You
10. Pain

Die Zusammenarbeit der dänischen und deutschen Künstler entstand 2016. Das Repertoire sollte nicht nur die verschiedenen musikalischen Stile und Vorlieben der einzelnen Spieler wiedergeben, sondern auch deren Herkunftsländer einander musikalisch näher bringen. Es finden sich auf dieser CD aber auch Kompositionen aus der romantischen Blütezeit der Gitarre, u.a. Ersteinspielungen von Rung-Werken.

1. Den Danske sang
2. Jeg bærer med smil min byrde
3. Mit hjerte altid vanker
4. Menuett 1 + 2
5. Sarabande
6. Belle
7. Burlesco
8. Georg og een af ungerne
9. Rosita
10. Gymnopedie No. 1
11. Berceuse
12. Gymnopedie No. 2
13. Hana
14. Gymnopedie No. 3
15. Una sera nel mese d’Ottobre a Roma
16. Solen er så rø

Nachdem er mit seinem 2015/16er Album „Eating Meatballs on a Blood-Stained Mattress in a Huggy Bear Motel“ in einen Abgrund von Wahnsinn und Verzweiflung herabgestiegen war, kehrt der Bremer Kellergospel-Musiker Dad Horse Otten mit seinem leichtfüßigeren und gut gelaunten Nachfolgealbum „I am a Stranger Here Below“ zurück ins Sonnenlicht. Dennoch ist das Leben und seine Sicht darauf kein leichtfüßiges Tänzchen für Dad Horse, der in jeder Helligkeit immer auch das Dunkle erkennt. Das Licht, das hier leuchtet, ist gebrochen und verdreht, schwarz wie die Wände eines Gruppentherapieraums in der Hölle. Die Arbeit an diesem Album begann zeitgleich mit den Aufnahmen zu „Huggy Bear Motel“ und wurde im Sommer 2016 zusammen mit Gregg Weiss (Tildon Krautz) und anderen verwandten Seelen fortgeführt. 

01 That's the Day
02 I Know Your Name
03 My Last Ride
04 You'll Lose a Good Thing
05 World-Self-Pity-Day-Blues
06 My Rough & Rowdy Ways
07 Down the Mississippi
08 Ich steig in die Bahn
09 Wicked Path of Sin
10 I am a Stranger Here Below

Eigentlich schreiben und malen sie ja Kinderbücher - der Fanz und der Firle. Als „Könige des Pappbilderbuches“ haben sie bisher schon über 70 davon veröffentlicht und ein Ende ist nicht in Sicht. Doch ab und zu gönnen sie sich eine Bücherpause. Dann wird Musik gemacht. Dann werden Lieder geschrieben und gemeinsam mit Grete, Prof. Dr. Bumm und Herrn Und zur Aufführung gebracht.
Firlefanz und Grete spielen auf ihrer ersten CD Lieder für kleine Große und große Kleine (von 3 bis 333). Da gibt es mit „Grün, grün, grün“ und „In einem kleinen Apfel“ bekannte Kinderlieder im neuen Gewand, aber vor allem sind da wunderschöne, melodisch-groovige neue Lieder zu hören: von seltsamen Tanten, ekligem Gemüse, einschlafenden Kuscheltieren, urlaubsreifen Hunden und von einem kleinen, aber ganz wichtigen Wort, das alle Kinder können sollten (und ohne es komplett zu verraten: bitte und danke sind es nicht).

1. Mama Huhn sucht Ei
2. Gemüse
3. Nein!
4. Jahreszeiten
5. Etepetete-Tante Ann
6. Tatütata
7. In einem kleinen Apfel
8. Grün, grün, grün
9. Krank
10. Vier auf großer Fahrt
11. Wenn Kuscheltiere schlafen gehen (+ Mein Kuschelbär ist eingeschlafen)

Ein guter Freund der Band spricht vom Ende des Popmusikalischen Winters, und saugt dabei mit einem dicken Schmunzeln im Gesicht, grinsend an seinem Kräuterdocht. Er fühlt sich entführt in einen Moment feiner, sympathischer Intelligenz, schwebt durch den Raum, wird aber plötzlich durch eine Klangexplosion besonderer Art aus seiner Lethargie gerissen und findet sich tanzend unter der Discokugel wieder.
Er fühlt sich beflügelt, befreit, denkt an eine bunte Reise im VW-Hippie Bus. Die Sonne geht auf und er bewegt sich mit seinem hübschen Mädchen, Arm in Arm, durch unbegrenzte Weiten. Aber auch in der Nacht vermag dieser Klang eine bestimmte Wärme zu vermitteln, so dass das Licht auf jeden Fall zurückkehrt und der wiederkehrende Spaß in jedem Antlitz zu erkennen ist...
Das ist es, was Don Kurdelius And The Mindless Orchestra bezwecken: Sie transportieren Emotionen, decken den menschlichen Wahnsinn auf, überschreiten Grenzen, lassen sich in keine so berühmte Schublade stecken – Sensible Musikcollagen, tanzende Rhythmen, fantastischer Groove, leuchtende Harmonien und vor allem viel Spaß.
Musikalisch gesehen kann die Band vielleicht so umschrieben werden: Sie bewegt sich in einer jazzig-funkigen Soulwelt , die mit Pop und modernen Soundscapes angereichert ist. Der Charakter der Band aus Osnabrück spiegelt die unbändige Neugierde am Experimentieren, die grenzenlose Weite des musikalischen Kosmos und die unerschöpfliche Freude, beim Entdecken und Umschreiben des eigenen wie fremden Universums wieder. Sie selbst bezeichnen ihr Tun auch als kosmopolitisches Durcheinander, angespornt durch ihr gedankenverlorenes Spiel voller Harmonie.

1. Again Again
2. Thru The Middle
3. Smile
4. Where The Money
5. Lucky In Love
6. All My Sources
7. Let Me Sway
8. My Game
9. Keep Going
10. Let Me Sway (Live)
11. Thru The Middle (Live)

Romy Conzen ist eine belgische Singer-Songwriterin mit einer eigenen Persönlichkeit und starker Ausstrahlung. In Ostbelgien als Tochter einer Niederländerin und eines Belgiers aufgewachsen, spricht sie vier Sprachen fließend: französisch und niederländisch sowie deutsch und englisch. Die Interpretin hat am Konservatorium in Lüttich klassische Gitarre studiert und komponiert ihre Songs selbst.
Romys erstes Album „Black As Night“ erschien im Oktober 2012 und erntete auf Anhieb bei den Kritikern viel Applaus. Entdeckt als neue, Energie geladene Rocksängerin, werden ihre Songs auf sämtlichen Radiosendern der Benelux-Staaten gespielt. Auch international schlägt Romy Wellen, erhält Sendezeiten in England und im US-amerikanischen TV.
2015 und 2016 folgen weitere zahlreiche Auftritte in Belgien, den Niederlanden und Deutschland, u. a. als Headliner von Belgiens größtem Festival „Les Francofolies de Spa“, begleitet von enthusiastischem Medienecho.
Ihr aktuelles Studioalbum „V for Victory“ stürmt direkt wieder die Favoriten-Playlisten der Radio-DJs in Benelux. Mit ihrer abwechslungsreichen Kombination aus Funk und Pop-Rock sind die Singles „Aiaio“ und „V for Victory“ bis heute fester Bestandteil der täglichen Radiocharts regionaler Sender.
Mit ihrer vielseitigen Stimme, warm und rau in der Akustik-Ballade „Bitter Now“ oder rockig-kraftvoll in „Going Down“, gilt Romy derzeit als heißester Act Belgiens seit langem. Ob nah und persönlich nur mit Akustikgitarre und Mikrofon oder in Begleitung ihrer hervorragenden Band – Romy haucht dem Livemusik-Erlebnis neues Leben ein.

1. Going Down
2. The Child I Love
3. Aiaio
4. L’Amour Triomphe
5. V For Victory
6. Farewell
7. Bubble Up
8. Tonight
9. C’est Le Coeur
10. Bitter Now
11. The Journey
12. Les Ailes De L’Amour

Neuseeland-Bassist, Komponist und Arrangeur Olivier Holland (der bis dato auf 23 CD Alben mitgewirkt, oder sie selbst produziert hat) hat für „Big Ticket“ die Crème de la Crème deutscher Jazz Musiker verpflichtet.
Hier bringen vier absolute Virtuosen Ihren unverwechselbaren Sound und musikalisches Können zusammen um ein Klangportrait zu zeichnen das in Punkto Einzigartigkeit seinesgleichen sucht. „Big Ticket“ klingt warm, kraftvoll, satt; die Kompositionen – allesamt aus Hollands Feder – lyrisch, druckvoll, emotional, ausdrucksstark.
Alles kommt zusammen in einem Sound, der mit einer Dynamikspanne von leise bis bombastisch, nicht einfach nur gehört, sondern erlebt werden muss. Ein begehrenswertes CD Album, hochinteressant sicherlich nicht nur für Jazz Fans, sondern für Liebhaber gut gemachter und –klingender Musik.

1. Mister Bombastic
2. TingTingTing
3. BassLade
4. A New Day For A New Diet
5. Road Kill
6. Gez Aba Ein Ouzo
7. Big Ticket
8. Medley: Cliff Walk/ Oli’s Blues

Wohl kaum eine andere Band außerhalb Italiens entwickelt die gute, alte Canzone-Tradition mit gehaltvollen Texten und unwiderstehlichen Melodien so unbeschwert und gekonnt weiter wie Ombre di Luci. Und das, obwohl sie gar keine Italiener sind. Das Quintett aus Osnabrück – 1997 in einer Pizzeria gegründet – verkörpert dennoch alles, was „bella Italia“ ausmacht: passione, amore, gioia di vivere. Mit Leidenschaft, Liebe und Lebensfreude, aber auch mit Professionalität, Charme und Authentizität überzeugte die Band von Beginn an ihr Publikum, darunter viele Italiener
Jetzt haben Ombre di Luci ihr neuntes Album mit dem Titel „Cuore d’oro“ (Herz aus Gold) bei Timezone Records veröffentlicht – ein origineller Stilmix zwischen Pop, Barjazz, Folklore und Chanson. In herrlich ironischen Songs wird über flüchtende Dorfdiebe, delikate Giftpilz-Gerichte und reuige Mafiosi gesungen. In ruhigeren Kompositionen geht es poesievoll um Menschen, die für ihre Ideale einstehen, Fremde mit offenen Armen empfangen oder im Herbst ihres Lebens weise werden. Die Braut, die vergeblich am Strand auf ihren Liebsten wartet, wird ebenso lebendig wie die skurrilen Erlebnisse der Band auf ihren Reisen nach Polen und Russland oder die Liebe, die aus Freundschaft entstand. Zehn Songperlen in italienischer Sprache und modernen Arrangements, die die Seele berühren.

1. L’unico lusso
2. Il pentito
3. Cuore d’oro
4. L’anima dell Est
5. Il vestito
6. Ladri sfigati in fuga
7. Autunno
8. Ideali
9. Funghi verde
10. Canzone per una amica

Mit ihrem Debüt-Album knüpfen die Rare Tones an die 2016 produzierte EP Kidogo an. Auch „To A Friend“ wurde in den Frida Park Studios in Hannover mit Produzent Ossy Pfeiffer aufgenommen: In elf weiteren Songs bildet sich die instrumentelle und musikalische Vielfalt der Band ab, indem sich sowohl kernige Folk-Songs als auch gefühlvolle Balladen harmonisch ergänzen. Der mehrstimmige Gesang als prägendes Element des Rare Tones Sounds inszeniert die bewegenden englischen Texte und kommt in dieser Produktion besonders zur Geltung.
Das Erlebnis, unter besten Freunden auf diese Weise Musik machen zu dürfen, sehen die vier als außergewöhnliches Geschenk an. Dieses Geschenk möchten sie mit allen teilen – und zwar durch „To A Friend“!

1. Long Gone
2. Home Is Where Your Heart Is
3. To A Friend
4. The Mask
5. ’Til The End
6. Hold Me
7. Moment Of Truth
8. Underneath The Sand
9. Trouble
10. Come With Me
11. Sailing

Die Jazzsängerin Stephanie K. präsentiert ihr viertes Soloalbum. Mit ihrem Ensemble beleuchtet sie mittels emotional vielschichtiger Songs zahlreiche Facetten des Lebens: Liebe, Verlust, Nostalgie, Humor.
Acht dieser dreizehn Stücke sind Eigenkompositionen. Darüber hinaus verfasste Stephanie K. Songtexte für drei Stücke, die von den bekannten Jazzmusikern Joe Locke (A Word Before You Go), Geoffrey Keezer (Honu) und Emanuel Hauptmann (Breaking Ice) komponiert wurden. Zusätzlich beinhaltet das Album Interpretationen von Joni Mitchels „Big Yellow Taxi“ und Lennon/McCartneys „She’s Leaving Home“.
Wir laden Sie herzlich ein, sich im Zauber dieser „Jazz-Conversation“ zu verlieren. Spüren Sie, wie Sebastian Altekamp (Piano) und Ingo Senst (Bass) die Themenkomplexe des Albums harmonisch miteinander verflechten. Lassen Sie sich von der Welle treiben, die durch Christian Schoenefeldt (Drums) und Markus Paßlick (Percussion) geformt wird und erleben Sie die farbenfrohe Klangvielfalt, die Christian Kappe (Trompete/Flügelhorn) mit seinen Instrumenten kreiert.

1. A Word Before You Go
2. Side Dish
3. Ignorance Is Bliss
4. Honu
5. Don’t Friend Me On Facebook
6. She’s Leaving Home
7. Big Yellow Taxi
8. If I Had A Sister
9. Breaking Ice
10. The Bold
11. Watch Your Step
12. Adjusted To Silence
13. Take Me Back

„Gesanglich klingt die Stimme von Frontman Roberto Morbioli so, also wäre er nicht aus Verona angereist, sondern direkt über den Teich aus den Südstaaten eingeflogen. Faszinierend seine schnellen Finger auf der Gitarre, herausragend seine Spieltechnik [...]. Verzerrt und rau läßt er das Instrument heulen, melodiös kann es unter seiner Aufsicht schnurren, ein bäriger Klang dringt aus den klaren Akkordfolgen hervor.“ Heidrun Gehrke (Backnang)

Roberto Morbioli - Ausnahme-Gitarrist, Sänger, Songwriter, und seit über 25 Jahren Frontman der europaweit renommierten Band Morblus – erfindet sich neu! Mit neuem Sound, neuer (Trio-) Formation und neuem Titel, unter dem sich der Veroneser bereits seit Jahren in den USA einen Namen gemacht hat, wird ein neues Kapitel in der Karriere des Musikvirtuosen aufgeschlagen. Folgerichtig erscheint da der Titel des Albums „From Scratch“ („Von Grund auf neu“), das 12. in seiner Diskografie.
Nach vielen Jahren „Blues, Funk, Soul“ (elektrisch & akustisch) und Projekten mit renommierten Künstlern wie Guitar Shorty, Jesse Yawn, Lucky Peterson, Paul Orta, John Mayall, Roomful of Blues und Big Daddy Wilson, schlägt Roberto nun rauere, rockigere Töne an und besinnt sich auf einen reduzierten, cleaneren Sound seines Trios (Bass/Gitarre), der in einigen Songs durch das Saxofon von Tommy Schneller und der Trompete von Gary Winters verfeinert wird.
Ganz nach seinem Motto „Ein guter Koch braucht nicht viele Zutaten für ein außergewöhnliches Gericht – nur die richtigen!“ Alles anders, alles neu? Nicht ganz, denn was bleibt ist die bewährte Mischung von slow und up-tempo Songs, lauten und leiseren Tönen inspiriert von unterschiedlichsten Musikrichtungen. Und Live natürlich der obligatorische Walk durchs Publikum, wenn Roberto mit seiner flirtenden Gitarre die Zuhörer mitreißt und einlädt auf einen Trip durch seine Welt.

1. Hey People
2. Obsessive Love
3. Watch Your Step
4. Rock Me Honey
5. Long Way From Home
6. Crying Shame
7. Me And My Old Car
8. Black Cat Bone
9. Rock’n’Roll Cruise
10. Joyful Joy
11. Out Of Mind

Strahlende Synthie-Flächen treffen auf verschwommene Gitarren-Sounds. Verspielte Gesangslinien erinnern an die ersten Demos von Kate Bush. Maloun schafft sich einen eigenen Kosmos, indem die Band mit dem Chaos des Lebens spielerisch umgeht. Hängend zwischen nostalgischer Fiktion und der Wirklichkeit, münden die Kompositionen in einem pulsierenden Enthusiasmus aus Schwermut und Melancholie. Mit einer Mischung aus Pop und Indie-Rock fordert Maloun zum Tanz zwischen Realität und Traumwelten auf. Maloun sind: BereNike Wuhrer (Vocals, Synthesizer), Philipp Winterstein (Guitar, Vocals), Lennie Fanslau (Bass) und Marian Stirkat (Drums). 2016 sind die vier Musiker in Hamburg aufeinander getroffen und seitdem in dieser Konstellation aktiv. Nach diversen Auftritten im Norden von Deutschland (Wutzrock Festival Hamburg, Kieler Bootshafensommer etc.) erscheint nun die erste EP mit dem Titel „Faithful Friend“ auf dem Osnabrücker Label Timezone Records. Für die Aufnahmen haben sich die Musiker ein paar Tage im Hamburger Clouds Hill Studio verschanzt, in dem schon viele Größen der Musikwelt ihre Ideen in festen Klang gegossen haben.

01 Little Rabbit
02 Johnny
03 Falling
04 Faithful Friend
05 Close And Far
06 All My Life

Die neue Single von Robert Redweik „Wird wieder Ok“, aus seinem kürzlich erschienenen Album „Dein Vegas“, ist eine geballte Ladung Zuversicht die ansteckt. Denn wer kennt das nicht, diese Tage an denen so einmal überhaupt nichts funktioniert oder man etwas erlebt, auf das man gerne verzichtet hätte. Für diese Situationen ist „Wird wieder Ok“ definitiv die beste Medizin.
„Dieser Song macht mir selbst Mut. Denn es ist so einfach und klar – aber manchmal kann man es nicht akzeptieren, dass auch „die besten Tage im Dunkeln geboren werden“. Das Leben ist nicht immer nett. Aber wir wissen aus jeder unserer Vergangenheiten, dass da wieder Licht kommt, ein neuer Tag und es wieder Ok wird, auch wenn es eben erst mal weh tut.“ beschreibt Robert den Song.
Roberts emotionale, nahe Stimme in den Strophen ist ein toller Konterpunkt zur hymnischen Hook. Besonders die Rockelemente und der chorische Refraingesang intensivieren die Lyrics, so dass man schon nach dem ersten Hören zu dem Fazit kommt: Pessimismus ade – denn es „Wird wieder Ok“.
Geheimtipp: der Akustik-Remix von „Wird wieder Ok“ – eine tolle und ruhige Version in einem wunderbar schlichten Indie-Gewand irgendwo zwischen Grand Avenue und Bon Iver.

01 Wird wieder Ok (Single Version)
02 Wird wieder Ok (Acoustic R Remix)