CD

Nach der Veröffentlichung ihres Debüts „Welcome to my club“ 2016 hat sich einiges für die in Osnabrück beheimatete Bluesrock-Band getan. Aus einem eher losen Kollektiv der Anfangstage hat sich eine Kernbesetzung herausgebildet, die jedoch immer noch genügend Spielraum für alternative Besetzungen bietet. Außerdem konnte die Debüt-Platte in diversen Fachblättern (z.B. der Szene-Bibel „BluesNews“) gute Reviews einheimsen und auch die Live-Front wurde unter anderem mit Support-Gigs der Texaner „Tito & Tarantula“ bespielt. Souverän konnte der Club um Initiator, Songwriter, Sänger und Gitarrist Tim Funke in den absoluten Szene-Bluesclubs wie dem „Meisenfrei“ in Bremen, dem „Kaiserkeller“ in Detmold oder auch der „Lagerhalle“ in Osnabrück die Zuschauer begeistern. In der Tradition des ersten Albums beschließt dann der akustische Oldschool-Blues „Jacky’s Song“ ein Album, das sowohl Traditionalisten als auch Fans des eher modernen Blues in ihren Bann ziehen wird.

01 I Was Good
02 My Personal Blues
03 Blinded By Fear
04 Do Me
05 Death Comes On Black Wings
06 Dishrag 7. Runaway Blues
08 My Little School Girl
09 I Feel Alright
10 Wounds And Scars
11 Jacky's Song

Die Entstehung des Albums „Grounded“ von Timo Brandt war von vornherein ein Wagnis und ein Abenteuer. Und genauso spannend klingt es auch. Man hört viele akustische, teils ausgefallene Klänge – Gitarren, Flügel, Cello, Klarinette, Synthesizer und interessante Percussions wie Calabash, Jujus und handgeflochtene Shaker. Man hört Timos ausdrucksstarke Stimme und wundervoll zarte backing vocals. Er singt Melodien, die ins Ohr gehen und das Herz berühren, klingt aber nie so, als würde er versuchen, einen Hit zu schreiben. Man spürt, da ist Jemand auf einer Reise, auf der Suche nach dem Leben.
Die englischen Texte klingen authentisch und poetisch. Es sind nicht die typischen Lovesongs – Timo Brandt singt von mehr als nur von Herzschmerz und Beziehungen. Er ist radikal in seiner Ehrlichkeit und seiner Suche nach mehr.
Nachdem er drei Jahre allein mit seiner Westerngitarre auf zahlreichen Bühnen unterwegs war, ist Timo Brandt nicht mehr der Mensch, der er vorher war. Was als Hobby begann, bestimmte zunehmend sein Leben und seine Identität. Dies wollte er widerspiegeln – die Songs, die auf der Bühne gereift waren, verewigen.
In den „Van Heys Studios“ in Kleve fand er die perfekte Umgebung, um seine Klangvorstellungen zu verwirklichen. Ohne Budget stürzte er sich in die Aufnahmen. Er sang zahlreiche Stimmen und spielte zunächst viele Instrumente selbst ein. Mit dem Cellisten Ardie van der Knijff (NL), der Sängerin „Rina“ (D) und dem Duo „Archer & Tripp“ (GB/D) an Klarinette und Percussions konnte er hochkarätige Gastmusiker aus drei Nationen für seine Songs begeistern. Er ließ sie die Musik hören und gab Ihnen die Freiheit, zu spielen, was immer ihnen in den Sinn kam. Die Emotionen verstärkten sich auf wundervolle Weise. Der Plan, der keiner war, ging auf.
Zwischen den Aufnahmen ergaben sich immer wieder spontane Konzerte. Diese brachten immer gerade genug Geld ein für den nächsten Studiotag. Dazu kamen bereits Vorbestellungen für das neue Album, bevor es überhaupt fertig war. So zog es sich hin über Monate, bis das Werk vollendet war.
Für Mix und Mastering konnte er Sebastian Rottstegge gewinnen, der schon durch seine Arbeit mit AnnenMeiKantereit an deren Erstlingswerk „AMK“ ein feines Gespür und ein gutes Ohr bewiesen hat.
Das Artwork zu „Grounded“ stammt von der Künsterlin Dootje Maillard. Nach einigen Gesprächen über das Album und die Songs, hat sie das Motiv spontan aus der Hand gezeichnet und anschließend weiter ausgearbeitet.

01 Intro
02 In The Darkness
03 Clocks
04 Thanks I’m Fine
05 Long Lost Friend
06 Mountain Top
07 Honestly
08 Solid Ground
09 Grounded
10 Mr. Moment
11 Close To Life

Die langjährige lose Zusammenarbeit der vier Jazz Musiker in wechselnden Besetzungen führte über zahlreiche gemeinsamen Konzerte und Projekte seit 2014 zum Wunsch, die Arbeit auf einer CD zusammenzufassen. Wie vier verschiedene Quellen, die sich zu einem Fluss vereinen, bündeln sich in Stream individuelle, musikalische Erfahrungen, Vorstellungen und Kompositionen zu einem gemeinsamen Ganzen. Ihrem Strom.
Die Stream Kompositionen reichen von einfühlsamen Balladen über fast groovige Rhythmen mit verschachtelten Themen- und Klangstrukturen, immer wieder verbunden durch Improvisationen, die eine weitere Entwicklung im Livekonzert versprechen. Obwohl Stream ein klassisches Jazz Quartett ist, lösen und verschieben sich gewohnte Schwerpunkte und Aufgaben zwischen den Instrumenten. Das Debütalbum „Speechless“ widmet Stream der 2017 verstorbenen Sängerin Susanne Drerup-Christenhuß, mit der sie im Jahre 2014 mehrfach als Quintett auftraten.

1 Bossassa
2 Expecting January
3 Notice The Moment
4 Valse Satinée
5 Treillis
6 November Day
7 Speechless
8 Januar Feel
9 Brouillard Dense

Wien – New York – Berlin: Die österreichische Sängerin Maria Christina hat eine spannende Reise hinter sich und das hört man. Ihre Stimme ist der Ausdruck einer hochsensiblen, offenherzigen Seele, ihre Songs haben vieles zu erzählen.
Ihre Debüt Album wurde mit Joni Mitchells Frühwerken verglichen und als „Erlebnis einer Neuentdeckung“ (About Jazz) gefeiert. In ihren Liedern werde „poetisch von einer aufmerksamen, empfindsamen Chronisten erzählt“ (Concerto) und diese Poesie zieht sich auch durch ihr neues Album „Morning Swim“: Es ist eine Sammlung einzigartiger, tiefgründiger Artsongs begleitet von dem virtuosen italienischen Gitarristen Federico Casagrande.
Die Musik des Duos schwebt zwischen Singer-Songwriter und Jazz, zwischen Erzählung und Improvisation. Immer wieder sorgen Maria Christinas kristallklare Stimme und das präzise Gitarrenspiel für Überraschungen, immer wieder biegt das Paar in unerwartete Richtungen ab – um am Schluss doch wieder sicher nach Hause zurück zu kehren. Eine musikalische Reise der ganz besonderen Art.

01 Morning Swim
02 Ocean Song
03 Blank Canvas
04 Love And Rage
05 Eternally Collapsing
06 Closest To Home
07 Spreading Love
08 Back To White
09 Lullaby For Richey
10 One By One

Bad Temper Joe präsentiert sein neues Album „Ain't Worth a Damn“, eine Sammlung aus eigenen und traditionellen Bluesstücken, aufgenommen während eines Konzertes in intimer Atmosphäre im Songwriterlokal Café de Loge in Gent, im Rahmen von Joes Belgien Tour im November 2017.
Mit neun Songs, acht Eigenkompositionen, sowie einer Hommage an Willie Dixons „Spoonful“, geht es auf die Reise durch eine musikalische Landschaft, die in weit abgelegenen Sümpfen und taufeuchten Wiesen der Südstaaten ihre Wurzeln hat. Es folgen Balladen von Liebe und Verlust, Schicksalsschlägen, Zerstörung, Alchemie und schwarzem Zauber. Jubelstürme und Freudenschreie sind rar, sind die Knochen doch schwer von der Reise und ist der Mund doch voller Staub der Teutoburger Ödnis, die Kleidung noch nass vom westfälischem Regen. Bad Temper Joe erzählt uns seine Geschichte in der Tradition der alten Bluessänger aus dem Mississippi-Delta, mit der Kraft eines Mannes und seiner Gitarre.
„Ain't Worth a Damn“ markiert Joes siebten Longplayer seit der Veröffentlichung seines Debütalbums „Sometimes A Sinner“ 2014. Produziert von Fernant Zeste und Jakob Eismann präsentiert sich Bad Temper Joe, nach seinem Exkurs mit elektrischer Band auf dem 2017er Album „Bad Temper Joe And His Band“, diesmal wieder so, wie man ihn kennt: in seiner reinsten und unverfälschtesten Form – akustisch, allein und „live in concert“.

1. Farmer's Daugher
2. Most Things Haven't Worked Out Yet
3. If Tears Were Diamonds
4. Nighthawk Woman Blues #9
5. Delilah
6. Man For The Road
7. Honey On My Biscuit
8. Spoonful
9. I Bid You Goodnight, Sweet Marie

Reto Burrell klingt auf seinem zehnten Studioalbum „Shampoo Or Gasoline“ so rotzig und frech als wäre es sein Debüt.
Im Elan der letzten Konzerttournee im Frühling/Sommer 2017 entstand das neue Werk. Die Live-Präsenz und die Energie des Zusammenspiels der Band waren ein wichtiger Antrieb und gaben das nötige Feuer. Komponieren, Live spielen und Aufnehmen gingen Hand in Hand. Burrell verpackt sonst immer gerne Eigenerlebtes in seine Songs. Doch auf diesem Album besingt er zum ersten Mal bewusst Dinge, die ihn nachdenklich stimmen. Er spricht auch Eigenschaften oder Zustände unserer Gesellschaft an, die sich leider schon so sehr verankert haben, dass wir sie gar nicht mehr hinterfragen.
Schönreden statt Hinterfragen – Wegschauen statt Erkennen – Abwarten statt Handeln. Burrell singt in seinen neuen Songs auch über die Rückkehr von Robin Hood, und fragt sich, wann der bodenlose Eimer endlich voll ist. Wer in dieser lauten Welt gehört werden will, muss schreien. Rockmusik soll nicht nur gespielt, sie sollte viel mehr gelebt werden.
Burrell hat es geschafft Rockmusik zu seinem Lebenselixier zu machen. Auch nach über 20 Jahren Konzerterfahrung im In- und Ausland auf mehreren 100 Bühnen ist er noch voller Energie. So erlebt man ihn an jedem seiner Konzerte: schnörkellos, direkt und immer guter Laune!

SIDE A
01 Rising To The Beat
02 Shampoo Or Gasoline
03 On Top Of The Moon
04 Blind (Everything Is Fine)
05 Where Is Robin Hood?
06 In A Bucket With A Hole

SIDE B
01 Shout It Out
02 Tell Me Why
03 She Says She's American
04 Carried Away
05Leaving Scars Behind
06 Like Zombies And Toys

Soul Jazz ist das rothaarige Stiefkind des Modern Jazz. Er ist die Musik der Orgelbands. Er ist funky, laut, manchmal sentimental, die vergessene Popmusik des schwarzen Nachkriegsamerika. „Soul Jazz Lab“ ist eine groovende Hommage an die Orgelcombos der sechziger Jahre, als hart swingende Bands wie die von Brother Jack McDuff oder Jimmy Smith den Chittlin‘ Circuit mit ihrem gospelgetränkten Souljazz regierten.
„Soul Jazz Lab“ sind: Holger Weber (Gitarre), Max Blumentrath (Hammond) und Alex Lex (Drums). Als Gäste mit dabei sind Wim Wollner am Saxophon und die großartige Sängerin Angela Brown.
Über die Musiker:
Gitarrist Holger Weber wurde in Heidelberg geboren. Er studierte Jazzgitarre am Conservatorium Hilversum u.a. bei Wim Overgaauw und Jesse van Ruller. Seit 1997 lebt und arbeitet er als vielgefragter Musiker und Dozent in Dortmund.
Max Blumentrath ist Hammond-Organist und Pianist und lebt in Köln. Er war zuletzt Student von Matthias Bätzel an der Musikhochschule Carl Maria von Weber in Dresden. Im Sommer 2012 schloss er dort sein Masterstudium für Hammond-Orgel erfolgreich ab.
Der Schlagzeuger Alex Lex ist einer der gefragtesten Drummer der deutschen Blues-Szene. Bereits seit seinem dreizehnten Lebensjahr besuchte er regelmäßig viele Sessions und machte sich in der hiesigen Blues- und Jazzszene schnell einen Namen. Seine Grooves spielt er mit großer Intensität, doch zugleich ungewöhnlich abgeklärt und geschmackvoll.

01 These Are Soulful Days
02 Polka Dots And Moonbeams
03 Que Baby
04 Speak Low
05 Nancy (With The Laughing Face)
06 Jucy Lucy
07 Don’t Take Your Love From Me

 „Changes“, der Titel der neuen Scheibe von Unplaces, könnte treffender nicht gewählt sein. Schließlich stand die Veränderung in all ihren Facetten nicht nur Pate für das Album-Konzept, sondern machte sich für die Formation aus Bochum und Hannover auch anderweitig bemerkbar. Jüngst erst vom bis dato geführten Bandnamen NRT getrennt, dürfte die Umbenennung selbst dabei die offensichtlichste Neuerung darstellen – die signifikanteste ist sie allerdings nur mit Abstrichen.
Vielmehr noch drängt sich in diesem Zusammenhang die völlig neuartige Herangehensweise in punkto Songwriting auf, die Frontfrau und Hauptkomponistin Dorette Gonschorek auf gänzlich ungewohnte Pfade führen sollte. Entstanden die Songs in der Vergangenheit noch über einen längeren Zeitraum hinweg Stück für Stück und völlig unabhängig voneinander, war der Fokus dieses Mal schon im Vorfeld auf das große Ganze gerichtet. Ergo handelt es sich bei „Changes“ um eine musikalische wie textliche Einheit, der eine ausgefeilte Dramaturgie zu Grunde liegt.
Spielerisch kombiniert das Trio unaufdringliche Gitarren mit leidenschaftlichen Gesängen, rollt weiche Keyboardteppiche über mechanische Drum-Schablonen und verwebt Wave, Rock und Post-Punk mit vorsichtigen Pop-Elementen zu einem abwechslungsreichen Schauspiel von leichtherziger Schwermut. Die lyrische Komponente der 14 Stücke nähert sich dem gewählten Themenkomplex hingegen kritisch mit der Frage nach Sinn und Selbstbestimmtheit in Zeiten von Medialisierung, Informationsflut, Globalisierung und Konsumzwang. Wie soll man Schritt halten mit dem permanenten Wandel der Gesellschaft oder besser noch mit den Worten des Titelstücks gefragt: 
What are changes for? Die Antwort darauf ist zwischen den Zeilen von „Changes“ zu ver(un)orten.

1. Utopian Dream
2. Escape
3. Changes
4. The Left Behind
5. Lost In Space
6. Such A Shame
7. Reset
8. Downshifting
9. Insight
10. Mister Bot
11. Freedom
12. Pseudo Reality
13. Against Ourselves
14. Open End

Der 1956 im westfälischen Gütersloh geborene Blues-Gitarrist und Komponist Roland Schal präsentiert mit „Finally“ ein äußerst facettenreiches Album. Ausschließlich aus eigenen Kompositionen bestehend, ist es die Essenz des bereits 50 Jahre umfassenden, musikalischen Schaffens dieses vielseitigen Musikers.
In Erinnerung an B.B. King und Jimi Hendrix und inspiriert durch Kenny Burrell, reicht das Repertoir des Albums vom Shuffle über funky Grooves und lateinamerikanischen Klängen bis hin zur Jazz-Ballade. Die Komposition „Love“ hätte aus Carlos Santana’s Feder stammen können und der Song „It's Over“ glänzt mit der warmen, gefühlvollen Stimme der Rocklady Mennana Ennaoui.
Roland Schal entlockt jedem Instrument seinen, auch in Fachkreisen berühmten, typischen Klang. Er spielt authentisch und mit Seele, - eben „so, wie es muss!“. Auf diesem Album unterstützen ihn unter anderem Henner Malecha am Bass und Wolfgang Roggenkamp an einer Hammond  B-3 mit „Mojo“, denn auf exakt derselben Orgel spielten schon Jimmy Smith und Ray Charles.
Kein Wunder also, dass der Spirit dieser Legenden hier auch tatsächlich hör- und spürbar ist!

1. Love
2. Funky Thang
3. JGW
4. Roland’s Shuffle
5. It’s Over
6. Kenny
7. Love (smooth version)

A part oder apart? Beides! So zweideutig wie der Titel, so vielseitig sind die Songs auf dem neuen Tidemore Album „a-part“. Die Brüder Matthias und Andreas Pietsch reflektieren über die großen Themen unserer Zeit. Aus der Sicht zweier Männer, die erwachsen geworden sind, beleuchten sie den Zustand der Welt und suchen darin ihr Gleichgewicht. Eine Grenzwanderung zwischen dem Eigenen und dem Fremden. Aufbauend auf dem eigenwilligen akustischen Sound, der ihre Zuhörer regelmäßig in den Bann zieht, gehen die Brüder mit dem Album „a-part“ musikalisch durch eine neue Tür. Ganz klar, es ist Tidemore, was man da hört, und dennoch herrscht ein neuer Ton. Die grundsätzlich auf Gitarren und Klavier reduzierte Instrumentierung wird in einen größeren Zusammenhang gesetzt. Einen Großteil der elf neuen Songs stellen sie erstmals auf ein kraftvolles Fundament aus Schlagzeug und Bass und fügen an einigen Stellen eine E-Gitarre ein. Dazwischen schimmern immer wieder zurückhaltend instrumentierte, rein akustische Stücke als besondere Perlen. Diese Abwechslung erzeugt eine spannende Dynamik vom ersten bis zum letzten Ton.
Als wundervoll einfühlende Gastmusiker konnten sie die herausragenden Musiker Florian Holoubek, Thomsen Slowey Merkel und Karsten Lipp gewinnen. Ihre stärkste Karte haben die Brüder aber auch auf ihrem neuen Album wieder ausgespielt: Sie wissen einfach, wie man eingängige Songs schreibt. Es sind diese grandiosen Melodien, deren Schönheit sofort verfängt. Mal ist es die Stimme, mal eine Gitarrenlinie. Kaum ein Song, in dem man lange auf dieses strahlende Glanzlicht warten muss. Und auch auf ihren typischen Satzgesang haben sie keineswegs verzichtet. Tidemore hat sich nicht neu erfunden, aber konsequent weiterentwickelt. Auf diese Weise ist das bisher vielfältigste Tidemore Album entstanden. „a-part“ beinhaltet alles vom kleinen Song bis zur großartigen Hymne. Es bedient die großen Gefühle und ist dabei doch niemals trivial.

01 As Long As We Move
02 The Same As You
03 Real People
04 Big & Small
05 The Brunt Of The World
06 Beautiful Things
07 On The Bottom Of The Lake
08 The House of the Devil
09 Catacombs
10 I See
11 Until The End

Engel Mayr (Gitarrist, Produzent und Songwriter u.a. bei Russkaja, Dorretta Carter, Hallucination Company, Percival Duke) hat ein rotziges Bluesrock Power Trio Album aufgenommen. Schlagzeug, Bass, Gitarre und seine Stimme – die klassische Formation von Hendrix, ZZ Top, Kings-X und Stevie Ray Vaughan.
10 erfrischende neue Bluesrock Songs mit Betonung auf “Rock”. Das renommierte deutsche Fachmagazin “Gitarre & Bass” bezeichnete Engel Mayr's Musik als “Hendrix inspirierten Heavy Funk” und liegt damit goldrichtig! Songs wie “Yeah” und “Praise The Sacred Cow” klingen nach Heavy Hendrix aus dem Sumpf während “Head Up” ganz klar in die Texas Bluesrock Kerbe a la ZZ Top schlägt.
Das Album wurde an nur einem Tag aufgenommen und diese Spontanität und Spielfreude hört man den Songs an. Gemeinsam mit Werner Laher (Stella Jones, Semino Rossi, Rounder Girls,...) am Bass und Mario Stübler (Russkaja, Vereinigte Bühnen Wien,...) am Schlagzeug muss das Studio an diesem Tag vor Spaß am Musizieren wohl explodiert sein!

1. Yeah
2. Praise The Sacred Cow
3. Head Up
4. Choice
5. Here We Are
6. Turn It Up
7. Supernatural
8. Another Way
9. Run From You
10. Pain

Die Zusammenarbeit der dänischen und deutschen Künstler entstand 2016. Das Repertoire sollte nicht nur die verschiedenen musikalischen Stile und Vorlieben der einzelnen Spieler wiedergeben, sondern auch deren Herkunftsländer einander musikalisch näher bringen. Es finden sich auf dieser CD aber auch Kompositionen aus der romantischen Blütezeit der Gitarre, u.a. Ersteinspielungen von Rung-Werken.

1. Den Danske sang
2. Jeg bærer med smil min byrde
3. Mit hjerte altid vanker
4. Menuett 1 + 2
5. Sarabande
6. Belle
7. Burlesco
8. Georg og een af ungerne
9. Rosita
10. Gymnopedie No. 1
11. Berceuse
12. Gymnopedie No. 2
13. Hana
14. Gymnopedie No. 3
15. Una sera nel mese d’Ottobre a Roma
16. Solen er så rø

Nachdem er mit seinem 2015/16er Album „Eating Meatballs on a Blood-Stained Mattress in a Huggy Bear Motel“ in einen Abgrund von Wahnsinn und Verzweiflung herabgestiegen war, kehrt der Bremer Kellergospel-Musiker Dad Horse Otten mit seinem leichtfüßigeren und gut gelaunten Nachfolgealbum „I am a Stranger Here Below“ zurück ins Sonnenlicht. Dennoch ist das Leben und seine Sicht darauf kein leichtfüßiges Tänzchen für Dad Horse, der in jeder Helligkeit immer auch das Dunkle erkennt. Das Licht, das hier leuchtet, ist gebrochen und verdreht, schwarz wie die Wände eines Gruppentherapieraums in der Hölle. Die Arbeit an diesem Album begann zeitgleich mit den Aufnahmen zu „Huggy Bear Motel“ und wurde im Sommer 2016 zusammen mit Gregg Weiss (Tildon Krautz) und anderen verwandten Seelen fortgeführt. 

01 That's the Day
02 I Know Your Name
03 My Last Ride
04 You'll Lose a Good Thing
05 World-Self-Pity-Day-Blues
06 My Rough & Rowdy Ways
07 Down the Mississippi
08 Ich steig in die Bahn
09 Wicked Path of Sin
10 I am a Stranger Here Below

Eigentlich schreiben und malen sie ja Kinderbücher - der Fanz und der Firle. Als „Könige des Pappbilderbuches“ haben sie bisher schon über 70 davon veröffentlicht und ein Ende ist nicht in Sicht. Doch ab und zu gönnen sie sich eine Bücherpause. Dann wird Musik gemacht. Dann werden Lieder geschrieben und gemeinsam mit Grete, Prof. Dr. Bumm und Herrn Und zur Aufführung gebracht.
Firlefanz und Grete spielen auf ihrer ersten CD Lieder für kleine Große und große Kleine (von 3 bis 333). Da gibt es mit „Grün, grün, grün“ und „In einem kleinen Apfel“ bekannte Kinderlieder im neuen Gewand, aber vor allem sind da wunderschöne, melodisch-groovige neue Lieder zu hören: von seltsamen Tanten, ekligem Gemüse, einschlafenden Kuscheltieren, urlaubsreifen Hunden und von einem kleinen, aber ganz wichtigen Wort, das alle Kinder können sollten (und ohne es komplett zu verraten: bitte und danke sind es nicht).

1. Mama Huhn sucht Ei
2. Gemüse
3. Nein!
4. Jahreszeiten
5. Etepetete-Tante Ann
6. Tatütata
7. In einem kleinen Apfel
8. Grün, grün, grün
9. Krank
10. Vier auf großer Fahrt
11. Wenn Kuscheltiere schlafen gehen (+ Mein Kuschelbär ist eingeschlafen)

Ein guter Freund der Band spricht vom Ende des Popmusikalischen Winters, und saugt dabei mit einem dicken Schmunzeln im Gesicht, grinsend an seinem Kräuterdocht. Er fühlt sich entführt in einen Moment feiner, sympathischer Intelligenz, schwebt durch den Raum, wird aber plötzlich durch eine Klangexplosion besonderer Art aus seiner Lethargie gerissen und findet sich tanzend unter der Discokugel wieder.
Er fühlt sich beflügelt, befreit, denkt an eine bunte Reise im VW-Hippie Bus. Die Sonne geht auf und er bewegt sich mit seinem hübschen Mädchen, Arm in Arm, durch unbegrenzte Weiten. Aber auch in der Nacht vermag dieser Klang eine bestimmte Wärme zu vermitteln, so dass das Licht auf jeden Fall zurückkehrt und der wiederkehrende Spaß in jedem Antlitz zu erkennen ist...
Das ist es, was Don Kurdelius And The Mindless Orchestra bezwecken: Sie transportieren Emotionen, decken den menschlichen Wahnsinn auf, überschreiten Grenzen, lassen sich in keine so berühmte Schublade stecken – Sensible Musikcollagen, tanzende Rhythmen, fantastischer Groove, leuchtende Harmonien und vor allem viel Spaß.
Musikalisch gesehen kann die Band vielleicht so umschrieben werden: Sie bewegt sich in einer jazzig-funkigen Soulwelt , die mit Pop und modernen Soundscapes angereichert ist. Der Charakter der Band aus Osnabrück spiegelt die unbändige Neugierde am Experimentieren, die grenzenlose Weite des musikalischen Kosmos und die unerschöpfliche Freude, beim Entdecken und Umschreiben des eigenen wie fremden Universums wieder. Sie selbst bezeichnen ihr Tun auch als kosmopolitisches Durcheinander, angespornt durch ihr gedankenverlorenes Spiel voller Harmonie.

1. Again Again
2. Thru The Middle
3. Smile
4. Where The Money
5. Lucky In Love
6. All My Sources
7. Let Me Sway
8. My Game
9. Keep Going
10. Let Me Sway (Live)
11. Thru The Middle (Live)

Romy Conzen ist eine belgische Singer-Songwriterin mit einer eigenen Persönlichkeit und starker Ausstrahlung. In Ostbelgien als Tochter einer Niederländerin und eines Belgiers aufgewachsen, spricht sie vier Sprachen fließend: französisch und niederländisch sowie deutsch und englisch. Die Interpretin hat am Konservatorium in Lüttich klassische Gitarre studiert und komponiert ihre Songs selbst.
Romys erstes Album „Black As Night“ erschien im Oktober 2012 und erntete auf Anhieb bei den Kritikern viel Applaus. Entdeckt als neue, Energie geladene Rocksängerin, werden ihre Songs auf sämtlichen Radiosendern der Benelux-Staaten gespielt. Auch international schlägt Romy Wellen, erhält Sendezeiten in England und im US-amerikanischen TV.
2015 und 2016 folgen weitere zahlreiche Auftritte in Belgien, den Niederlanden und Deutschland, u. a. als Headliner von Belgiens größtem Festival „Les Francofolies de Spa“, begleitet von enthusiastischem Medienecho.
Ihr aktuelles Studioalbum „V for Victory“ stürmt direkt wieder die Favoriten-Playlisten der Radio-DJs in Benelux. Mit ihrer abwechslungsreichen Kombination aus Funk und Pop-Rock sind die Singles „Aiaio“ und „V for Victory“ bis heute fester Bestandteil der täglichen Radiocharts regionaler Sender.
Mit ihrer vielseitigen Stimme, warm und rau in der Akustik-Ballade „Bitter Now“ oder rockig-kraftvoll in „Going Down“, gilt Romy derzeit als heißester Act Belgiens seit langem. Ob nah und persönlich nur mit Akustikgitarre und Mikrofon oder in Begleitung ihrer hervorragenden Band – Romy haucht dem Livemusik-Erlebnis neues Leben ein.

1. Going Down
2. The Child I Love
3. Aiaio
4. L’Amour Triomphe
5. V For Victory
6. Farewell
7. Bubble Up
8. Tonight
9. C’est Le Coeur
10. Bitter Now
11. The Journey
12. Les Ailes De L’Amour

Neuseeland-Bassist, Komponist und Arrangeur Olivier Holland (der bis dato auf 23 CD Alben mitgewirkt, oder sie selbst produziert hat) hat für „Big Ticket“ die Crème de la Crème deutscher Jazz Musiker verpflichtet.
Hier bringen vier absolute Virtuosen Ihren unverwechselbaren Sound und musikalisches Können zusammen um ein Klangportrait zu zeichnen das in Punkto Einzigartigkeit seinesgleichen sucht. „Big Ticket“ klingt warm, kraftvoll, satt; die Kompositionen – allesamt aus Hollands Feder – lyrisch, druckvoll, emotional, ausdrucksstark.
Alles kommt zusammen in einem Sound, der mit einer Dynamikspanne von leise bis bombastisch, nicht einfach nur gehört, sondern erlebt werden muss. Ein begehrenswertes CD Album, hochinteressant sicherlich nicht nur für Jazz Fans, sondern für Liebhaber gut gemachter und –klingender Musik.

1. Mister Bombastic
2. TingTingTing
3. BassLade
4. A New Day For A New Diet
5. Road Kill
6. Gez Aba Ein Ouzo
7. Big Ticket
8. Medley: Cliff Walk/ Oli’s Blues

Wohl kaum eine andere Band außerhalb Italiens entwickelt die gute, alte Canzone-Tradition mit gehaltvollen Texten und unwiderstehlichen Melodien so unbeschwert und gekonnt weiter wie Ombre di Luci. Und das, obwohl sie gar keine Italiener sind. Das Quintett aus Osnabrück – 1997 in einer Pizzeria gegründet – verkörpert dennoch alles, was „bella Italia“ ausmacht: passione, amore, gioia di vivere. Mit Leidenschaft, Liebe und Lebensfreude, aber auch mit Professionalität, Charme und Authentizität überzeugte die Band von Beginn an ihr Publikum, darunter viele Italiener
Jetzt haben Ombre di Luci ihr neuntes Album mit dem Titel „Cuore d’oro“ (Herz aus Gold) bei Timezone Records veröffentlicht – ein origineller Stilmix zwischen Pop, Barjazz, Folklore und Chanson. In herrlich ironischen Songs wird über flüchtende Dorfdiebe, delikate Giftpilz-Gerichte und reuige Mafiosi gesungen. In ruhigeren Kompositionen geht es poesievoll um Menschen, die für ihre Ideale einstehen, Fremde mit offenen Armen empfangen oder im Herbst ihres Lebens weise werden. Die Braut, die vergeblich am Strand auf ihren Liebsten wartet, wird ebenso lebendig wie die skurrilen Erlebnisse der Band auf ihren Reisen nach Polen und Russland oder die Liebe, die aus Freundschaft entstand. Zehn Songperlen in italienischer Sprache und modernen Arrangements, die die Seele berühren.

1. L’unico lusso
2. Il pentito
3. Cuore d’oro
4. L’anima dell Est
5. Il vestito
6. Ladri sfigati in fuga
7. Autunno
8. Ideali
9. Funghi verde
10. Canzone per una amica

Mit ihrem Debüt-Album knüpfen die Rare Tones an die 2016 produzierte EP Kidogo an. Auch „To A Friend“ wurde in den Frida Park Studios in Hannover mit Produzent Ossy Pfeiffer aufgenommen: In elf weiteren Songs bildet sich die instrumentelle und musikalische Vielfalt der Band ab, indem sich sowohl kernige Folk-Songs als auch gefühlvolle Balladen harmonisch ergänzen. Der mehrstimmige Gesang als prägendes Element des Rare Tones Sounds inszeniert die bewegenden englischen Texte und kommt in dieser Produktion besonders zur Geltung.
Das Erlebnis, unter besten Freunden auf diese Weise Musik machen zu dürfen, sehen die vier als außergewöhnliches Geschenk an. Dieses Geschenk möchten sie mit allen teilen – und zwar durch „To A Friend“!

1. Long Gone
2. Home Is Where Your Heart Is
3. To A Friend
4. The Mask
5. ’Til The End
6. Hold Me
7. Moment Of Truth
8. Underneath The Sand
9. Trouble
10. Come With Me
11. Sailing

Die Jazzsängerin Stephanie K. präsentiert ihr viertes Soloalbum. Mit ihrem Ensemble beleuchtet sie mittels emotional vielschichtiger Songs zahlreiche Facetten des Lebens: Liebe, Verlust, Nostalgie, Humor.
Acht dieser dreizehn Stücke sind Eigenkompositionen. Darüber hinaus verfasste Stephanie K. Songtexte für drei Stücke, die von den bekannten Jazzmusikern Joe Locke (A Word Before You Go), Geoffrey Keezer (Honu) und Emanuel Hauptmann (Breaking Ice) komponiert wurden. Zusätzlich beinhaltet das Album Interpretationen von Joni Mitchels „Big Yellow Taxi“ und Lennon/McCartneys „She’s Leaving Home“.
Wir laden Sie herzlich ein, sich im Zauber dieser „Jazz-Conversation“ zu verlieren. Spüren Sie, wie Sebastian Altekamp (Piano) und Ingo Senst (Bass) die Themenkomplexe des Albums harmonisch miteinander verflechten. Lassen Sie sich von der Welle treiben, die durch Christian Schoenefeldt (Drums) und Markus Paßlick (Percussion) geformt wird und erleben Sie die farbenfrohe Klangvielfalt, die Christian Kappe (Trompete/Flügelhorn) mit seinen Instrumenten kreiert.

1. A Word Before You Go
2. Side Dish
3. Ignorance Is Bliss
4. Honu
5. Don’t Friend Me On Facebook
6. She’s Leaving Home
7. Big Yellow Taxi
8. If I Had A Sister
9. Breaking Ice
10. The Bold
11. Watch Your Step
12. Adjusted To Silence
13. Take Me Back

„Gesanglich klingt die Stimme von Frontman Roberto Morbioli so, also wäre er nicht aus Verona angereist, sondern direkt über den Teich aus den Südstaaten eingeflogen. Faszinierend seine schnellen Finger auf der Gitarre, herausragend seine Spieltechnik [...]. Verzerrt und rau läßt er das Instrument heulen, melodiös kann es unter seiner Aufsicht schnurren, ein bäriger Klang dringt aus den klaren Akkordfolgen hervor.“ Heidrun Gehrke (Backnang)

Roberto Morbioli - Ausnahme-Gitarrist, Sänger, Songwriter, und seit über 25 Jahren Frontman der europaweit renommierten Band Morblus – erfindet sich neu! Mit neuem Sound, neuer (Trio-) Formation und neuem Titel, unter dem sich der Veroneser bereits seit Jahren in den USA einen Namen gemacht hat, wird ein neues Kapitel in der Karriere des Musikvirtuosen aufgeschlagen. Folgerichtig erscheint da der Titel des Albums „From Scratch“ („Von Grund auf neu“), das 12. in seiner Diskografie.
Nach vielen Jahren „Blues, Funk, Soul“ (elektrisch & akustisch) und Projekten mit renommierten Künstlern wie Guitar Shorty, Jesse Yawn, Lucky Peterson, Paul Orta, John Mayall, Roomful of Blues und Big Daddy Wilson, schlägt Roberto nun rauere, rockigere Töne an und besinnt sich auf einen reduzierten, cleaneren Sound seines Trios (Bass/Gitarre), der in einigen Songs durch das Saxofon von Tommy Schneller und der Trompete von Gary Winters verfeinert wird.
Ganz nach seinem Motto „Ein guter Koch braucht nicht viele Zutaten für ein außergewöhnliches Gericht – nur die richtigen!“ Alles anders, alles neu? Nicht ganz, denn was bleibt ist die bewährte Mischung von slow und up-tempo Songs, lauten und leiseren Tönen inspiriert von unterschiedlichsten Musikrichtungen. Und Live natürlich der obligatorische Walk durchs Publikum, wenn Roberto mit seiner flirtenden Gitarre die Zuhörer mitreißt und einlädt auf einen Trip durch seine Welt.

1. Hey People
2. Obsessive Love
3. Watch Your Step
4. Rock Me Honey
5. Long Way From Home
6. Crying Shame
7. Me And My Old Car
8. Black Cat Bone
9. Rock’n’Roll Cruise
10. Joyful Joy
11. Out Of Mind

Strahlende Synthie-Flächen treffen auf verschwommene Gitarren-Sounds. Verspielte Gesangslinien erinnern an die ersten Demos von Kate Bush. Maloun schafft sich einen eigenen Kosmos, indem die Band mit dem Chaos des Lebens spielerisch umgeht. Hängend zwischen nostalgischer Fiktion und der Wirklichkeit, münden die Kompositionen in einem pulsierenden Enthusiasmus aus Schwermut und Melancholie. Mit einer Mischung aus Pop und Indie-Rock fordert Maloun zum Tanz zwischen Realität und Traumwelten auf. Maloun sind: BereNike Wuhrer (Vocals, Synthesizer), Philipp Winterstein (Guitar, Vocals), Lennie Fanslau (Bass) und Marian Stirkat (Drums). 2016 sind die vier Musiker in Hamburg aufeinander getroffen und seitdem in dieser Konstellation aktiv. Nach diversen Auftritten im Norden von Deutschland (Wutzrock Festival Hamburg, Kieler Bootshafensommer etc.) erscheint nun die erste EP mit dem Titel „Faithful Friend“ auf dem Osnabrücker Label Timezone Records. Für die Aufnahmen haben sich die Musiker ein paar Tage im Hamburger Clouds Hill Studio verschanzt, in dem schon viele Größen der Musikwelt ihre Ideen in festen Klang gegossen haben.

01 Little Rabbit
02 Johnny
03 Falling
04 Faithful Friend
05 Close And Far
06 All My Life

Die neue Single von Robert Redweik „Wird wieder Ok“, aus seinem kürzlich erschienenen Album „Dein Vegas“, ist eine geballte Ladung Zuversicht die ansteckt. Denn wer kennt das nicht, diese Tage an denen so einmal überhaupt nichts funktioniert oder man etwas erlebt, auf das man gerne verzichtet hätte. Für diese Situationen ist „Wird wieder Ok“ definitiv die beste Medizin.
„Dieser Song macht mir selbst Mut. Denn es ist so einfach und klar – aber manchmal kann man es nicht akzeptieren, dass auch „die besten Tage im Dunkeln geboren werden“. Das Leben ist nicht immer nett. Aber wir wissen aus jeder unserer Vergangenheiten, dass da wieder Licht kommt, ein neuer Tag und es wieder Ok wird, auch wenn es eben erst mal weh tut.“ beschreibt Robert den Song.
Roberts emotionale, nahe Stimme in den Strophen ist ein toller Konterpunkt zur hymnischen Hook. Besonders die Rockelemente und der chorische Refraingesang intensivieren die Lyrics, so dass man schon nach dem ersten Hören zu dem Fazit kommt: Pessimismus ade – denn es „Wird wieder Ok“.
Geheimtipp: der Akustik-Remix von „Wird wieder Ok“ – eine tolle und ruhige Version in einem wunderbar schlichten Indie-Gewand irgendwo zwischen Grand Avenue und Bon Iver.

01 Wird wieder Ok (Single Version)
02 Wird wieder Ok (Acoustic R Remix)

Das Quintett um den Bassisten Tim Steiner, Burkard Ruppaner (Drums), Lars Breitinger (Gitarre), Jan Bostelmann (Sax) und David K. Ehlers (Keys) konnte für die Verwirklichung des neuen Albums mit Elin Bell eine ausdrucksstarke Sängerin dazu gewinnen.
Die Songs der Band steinerTIME feat. Elin Bell erinnern an faszinierende Erzählungen und erschaffenen eine mitreißende Atmosphäre. Die Musik, mal filigran, mal druckvoll, aber stets harmonisch und unverwechselbar, wird dabei von Texten aus der Feder von Elin Bell unterstützt.

1. What It’s All About
2. Hold Still, My Heart
3. We Go Astray
4. These Voices
5. Take Me To The Sea
6. Waltz
7. No Air
8. Anima

Der Teenage-Band Paralleluniversum gelingt es mit ihren eingängigen Songs gleichermaßen Kids, Teens, aber auch Erwachsene zu begeistern. Sehr eindrucksvoll handeln die Texte des neuen Albums von der alltäglichen Gefühlswelt junger Heranwachsender, den vielen Empfindungen, dem Hoffen, dem Träumen, den ersten Sorgen, der ersten Liebe und fester Freundschaft.
Alle Songs stammen von Dennis Sander, sind voller Tiefe, Fantasie und Energie und laden direkt zum Tanzen, Mitsingen, Mitpfeifen oder auch zum Nachdenken ein. Viele der Lieder sind verträumte Balladen, die den Hörer sofort auf eine besonders schöne musikalische Reise schicken, die bleibende Eindrücke hinterlässt. Produziert und aufgenommen wurde das Album von Christoph Aßmann.
Sind das noch Songs für Kids oder ist das schon Popmusik? Von beidem etwas dabei, aber in jedem Fall mit sehr selten gewordenem musikalischen und textlichen Anspruch. Ohrwurmgarantie! Unbedingt reinhören!!

01. Stern von morgen
02. Kleiner Komet
03. BFF - Nie wieder ohne Dich
04. Mein Herz
05. Geburtstag
06. Manchmal
07. Das Gute wird besser
08. Fenster
09. Weitergehen

Katelijne Philips -Lebon, singende Schauspielerin, schauspielernde Chansonsängerin aus Belgien, mit Wohnsitz und Wurzeln in Berlin, entführt die Zuhörer auf ihren aktuellen CD „Les Spatz“, in den französische Pop-Chanson.
Mit eigenen Texten und Kompositionen eigens für sie geschrieben, singt sie über die Liebe zur Großstadt Berlin und anderen Metropolen („Les villes“), die frechen Berliner Spatzen, diese Filous, die eigentlich viel mehr für Berlin stehen als der Urberliner Bär („Les Spatz de Berlin“) und über das Leben mit seinen Höhen und Tiefen und seinen Spielchen („La vie est comme un jeu“) Musikalisch bietet diese CD eine große Bandbreite an Kompositionen; Ob klassisches Chanson („Touche-moi“) zarte Bossa-Nova Rhythmen („Demande -moi“), bis hin zu unkonventionellen Pop-Arrangements, geschrieben von Robin Fuchs, Francois Giroux, Matthias K. Herrmann, Gerd Heger, Hans Fahling, Brigitte Jäger, Katelijne Philips-Lebon. Arrangiert und produziert wurde diese CD von bensonrecordings.
Machen Sie es sich also bequem, trinken Sie ein Glas Wein, lehnen Sie sich aufs Sofa zurück oder setzen Sie sich ans Autosteuer, legen Sie diese CD ein, fahren Sie los und lassen Sie sich entspannt und verzaubert in die musikalischen Geschichten von Katelijne Philips- Lebon mitnehmen.

1. Les Spatz de Berlin
2. Les villes
3. Demande-moi
4. Loulou manger
5. Trés haut dans le ciel
6. Touche-moi
7. La vie est comme un jeu

Ich fühle mich als Teil des Meeres, das die Lieder anspült, die ich selbst gerne höre. Von der Wand über meinem Herd schauen auf Pappe gebannt Dylan, Cohen und Co auf meinen Küchentisch, an dem ich Lieder wie diese zwölf schreibe. Und mal schauen sie so und mal schauen sie so. So wie ich auch. Das ist meine Nische und dies mein Protokoll.
Bastian Wadenpohl, geboren 1985 in Köln, wohnhaft in Wuppertal, ist Liedermacher. Das vorliegende Album ist zwischen März und September 2017 im Tonstudio Eric Harings entstanden und beim Retap Verlag erschienen. Es ist das zweite Studio-Album Wadenpohls nach dem Debüt „Griesgramgrüße aus dem Gartencafé“.

1. Zweitausendundsonstwas
2. Der Hai vor Hawaii
3. Kettenkarussell
4. Petri Heil
5. Nur nicht Du
6. Nussschalnkapitän
7. Denn das Herz
8. Schleichwerbung
9. Stiefeltritte
10. Ameisen und Erdbeereis
11. Kettenhundgebell
12. Kosmonaut

Herausragende, vielseitige Poparrangements, besinnlich und engelsgleich gesungen. So klingt die neue Weihnachts-CD „Weihnachtsleuchten“ der Dresdener a cappella Frauenband medlz. Zu hören sind Weihnachtslieder von Irland bis Frankreich wie „Christmas in Killarney“ und „Minuit, Chrétiens“, von Soul bis Pop wie „Go tell it on the mountain" und „The Christmas Song“ und vom Volkslied wie „Was soll das bedeuten“ bis zur Eigenkomposition der Band „Sind wir noch dankbar“. 3 facettenreiche Soprane und eine wohlig warme Altistin schaffen es mit dieser neuen CD, uns Weihnachten wieder ein Stück näher zu bringen. Gemeinsam grooven sie sich durch die Weihnachtsfacetten unserer Welt. Gemeinsam eben; so, wie Weihnachten sein sollte. 1. Joy to the World 2. Minuit Chrétiens 3. Varpunen Jouluaamuna 4. Hört der Engel große Freud´ 5. Christmas in Killarney 6. Drei Haselnüsse für Aschenbrödel 7. Go tell it on the Mountain 8. The First Noël 9. Sind wir noch dankbar 10. Carol of the Bells 11. Tochter Zion 12. The Christmas Song 13. Was soll das bedeuten

Mit Peter Autschbach und Ralf Illenberger haben sich zwei Meister ihres Fachs gefunden, die gemeinsam intuitiv, spontan und harmonisch an die Musik herangehen. Der Zuhörer hat den Eindruck einer einzigen, großen, vielsaitigen Gitarre, bei der es unerheblich scheint, wer von den beiden gerade was spielt. Nach den erfolgreichen Alben „No Boundaries“ (2012) und „One Mind“ (2014) stellen die beiden Gitarristen im Herbst 2017 ihr neues Album „Zero Gravity“ vor. Die Ideen für das neue Werk wurden von den beiden über den großen Teich kommuniziert, denn Autschbach lebt in Deutschland und Illenberger in Arizona. Die acht nagelneuen Stücke, die im September 2017 in Peters Wohnzimmerstudio eingespielt wurden, zeigen, wie intensiv und fruchtbar die Zusammenarbeit der beiden beteiligten Gitarristen ist.
Sowohl kompositorisch als auch klanglich zeigt die Musik auf „Zero Gravity“ noch deutlicher als auf den Vorgängeralben die eigenständige Duo-Handschrift, die Peter Autschbach und Ralf Illenberger auszeichnet. Hier klingen die unterschiedlichsten Gitarrentypen (12-string, Oktavgitarre, Baritongitarre und sechssaitige Westerngitarre) in perfekter Harmonie miteinander. Peter Autschbach und Ralf Illenberger zeigen eindrucksvoll, wie intensiv und spannend ein musikalischer Dialog zweier gleichberechtigter Partner sein kann.
„Sie spielen keinen Pop, auch wenn ihre Melodien leicht ins Ohr gehen. Sie spielen keinen Jazz, auch wenn ein Großteil ihrer Musik improvisiert ist. Sie spielen keinen Blues, auch wenn ihre Musik Tiefe und Seele besitzt. Und sie spielen keinen Folk, auch wenn die Grundlage ihres Tuns fest in der Tradition verankert ist. Was das Gitarrenduo Autschbach und Illenberger spielt, klingt trotz all der fremden Inspirationen und gesammelten Erfahrungen nach völlig eigenständiger Musik. So robust wie auch sensibel; virtuos, ohne dem Geschwindigkeitswahn zu verfallen; zeitgemäß, aber zugleich auch zeitlos. Ihr Spiel hat etwas vom Atem großer und weiter Landschaften.

1. New Arrival
2. Zero Gravity
3. Sellie
4. Heads Up
5. The Truth
6. Solstice
7. Topaz
8. Twilight Dance

Der Berliner Liedermacher Sebastian Block vereint seit fast zwölf Jahren die Zerrissenheit der Hauptstadt in seinen musikalischen Kleinkunstwerken. In poetischen Versen, gedichtet auf eingängige Melodien zwischen tanzbarem Pop und kuscheligen Acoustic-Sets bewegt er sich zielsicher durch die Bars und Straßen dieser mannigfaltigen Stadt. Mit einem liebevollen Blick auf die Details und Kleinigkeiten, das Ungesagte und leicht Überhörbare wie ein Lautsprecher für die Unerhörten – Berlins heimliches Establishment. Jenseits kaltem Kalküls und kapitalistischem Wettbewerbs flüstert Blocks Musik einem direkt und ehrlich in die Seele.
Den zehn neuen Tracks fehlt es nicht an der gewohnten Verspieltheit und Melodik, die Sebastian Blocks Arbeit ausmacht. Sein drittes Album offenbart wieder einen neuen Block mit frischem Blick und neuer textlicher und musikalischer Tiefe. Zwischen Synthesizer-Pop und klassischem Wurlitzer-Sound, Upbeat und Ballade, schwebender Leichtigkeit und Melancholie bewegen sich die harmonischen Arrangements. Vom tanzbaren „Warum rufst Du nicht an?“ über spacey-sphärische Klänge in „Mein Wille“, ein schwereloser Flug durch das All, hin zu „Evelyn“ mit der wohl sympathischsten Beatbox der Welt. Eingesungen, -geatmet, -gehechelt und -gezischt im Duett mit Kater Gomez. Die Freude an der Arbeit mit seinem Produzenten Oded K.dar ist den Stücken deutlich anzuhören und reißt unweigerlich mit.

1. Wo alles begann
2. Warum rufst Du nicht an
3. Spaten
4. Keine Zweifel
5. Alles für mich
6. Die Nacht kennt keine Farben
7. Evelyn
8. Bist Du die Antwort
9. Mein Wille
10. So nah

Die Chansons von Mai Horlemann erzählen vom großen Abenteuer Alltag, von geheimsten Wünschen, von Sehnsüchten, und von Träumen, die man längst begraben hat. Endlich allein? Ist das ein Alptraum oder das große Los? Humorvoll und zugleich entlarvend berichten die Lieder davon, wie wir uns immer neu erfinden wollen, immer auf der Suche nach dem wahren Selbst, dem rostfreien Glück. Die Sängerin und ihr lyrisches „Ich“ berichten vom Scheitern und Aufstehen, vom Weitermachen und von schwachen Stunden. Diese Chansons sind ganz unsentimentale Trostpflaster für wunde Seelen und hochwirksames Arzneimittel für müde Alltagsakrobaten. Rezeptfrei und fast umsonst.
Die Arrangements des Komponisten und Pianisten Frank Helfrich beginnen einen vitalen Dialog mit Mai Horlemanns vielfarbiger Stimme und ihren poetischen Texten. Unter seiner Leitung zaubert ein kleines Orchester, vom Sousaphon bis zum Fagott, vom Klavier bis zum Cello eine große Gefühls und Stimmungswelt: Melancholisch, burschikos, heiter und zu Tode betrübt, frech und himmlisch tief. Ohne Crowdfunding wäre dieses Projekt nicht zustande gekommen. Was ist denn die Crowd? Erstmal waren das die Gäste des Programms „Endlich allein“, die enthusiastisch nach Zugaben riefen. Diese CD ist nun die Zugabe, die ohne die vielen Unterstützer nicht möglich geworden wäre. Was sagt uns das? Wer einen Traum wagt, findet Menschen, die diesen Mut belohnen, weil sie selber träumen. Du und ich: Das ist die Crowd. Unser Dank geht an an Euch und eine tiefe tiefe Verbeugung!

01 Müde
02 Mein Kind im Vergleich
03 Letztes Rendezvous
04. Meisterwerk
05 Die Zeit heilt alle Wunden
06 Wir sind nicht mehr zwanzig
07 Letzte Bitte
08 Rindfleisch in Schweinfurt

Zeit ist relativ. Sie kann vergehen wie im Flug. Oder stehenbleiben. Mit seinen Momentaufnahmen vom Glück, aber auch Zeitreisen zu den eigenen Wurzeln, schafft es Stefan Waldow mit seinem Debüt-Album „Ewiger Moment“ ein ganz persönliches Raum-Zeit-Vakuum zu kreieren. Zeitlose Pop-Songs, bleibende Bekenntnisse und immer wieder die Musik als Zeitlupe der Gegenwart und Medium, Situationen und Gefühle festzuhalten, konglomerieren dabei zu einem Werk, das dem realen Prinzip Vergänglichkeit etwas entgegenzusetzen hat: Das Leben und Erleben von Musik als ewigen Moment.
Mit Feinsinn und Spielfreude gelingt dem Songwriter und seiner Band der Stil-Mix von Pop, Jazz und Chanson. Neben Stefans warmer, ehrlicher Stimme, die eines jeglichen gesanglichen Kalküls entbehrt und seinen treffsicheren Texten, sind es vor allem die Songs an sich, die als Geschichtenerzähler agieren mit Liebe zum Detail, behutsamen Arrangements und starken Melodien, die beim Zuhörer ein Gefühl von ungewohnter Vertrautheit und klanglicher Nachhaltigkeit erzeugen.
Die Songpalette wurde vom dreiköpfigen Ensemble komplett selbst eingespielt und reicht von sehnsüchtigen Akkordeon-Klängen vom Hamburger Elbstrand („Ebbe und Flut“), folkigem Dulcinet- und Tin Whistle-Sound bei der Liebeserklärung an die alten Wanderstiefel („Unicornwall“) über Vibraphon-Swing mit nostalgischem Easy-Listening-Flair („Mein unsichtbarer Freund“) bis hin zu gewollt pathetischen Wikinger-Chören („Der Achtel-Däne in mir“) und perkussiven Salsa-Rhythmen („Der Wind schickt mir deine Lieder“), immer getragen vom Kontra- und Fretless-Bass-Spiel von Stefans Bassisten - und altem Schulfreund - Christian Glauß und dem einfühlsam-facettenreichen Schlagzeug Kai Ortmanns, der hier auch als Produzent am Werk war.
Stefan Waldows Songwriting kombiniert Leichtigkeit und Tiefe, verbindet eingängige Motive mit überraschenden Ecken und Kanten. So ist ein Album entstanden, bei dem es sich lohnt, hinzuhören, innezuhalten und bestenfalls, wenn auch nur für einen Augenblick, im ewigen Moment zu verweilen.

1. Ein Mann, ein Wort
2. Unicornwall
3. Der Achtel-Däne in mir
4. Ebbe und Flut
5. Mein unsichtbarer Freund
6. Einmal ist nicht keinmal
7. Wo geht die Reise hin?
8. Ohne Musik
9. Der Rest ist Schweigen
10. Der Wind schickt mir deine Lieder
11. Meine müde Kavallerie
12. Ewiger Moment

Marian Kleebaum, Pianist, Gitarrist und Sänger, schreibt seine Songs und seine zum Teil ungewöhnlichen, lyrischen, fast surrealen Texte selbst. Er singt meist deutsch, hin und wieder aber auch englisch oder ungarisch. Seine rhythmischen und jazzigen, aber auch ruhigen und melancholischen Songs sprechen nahezu jedes Alter an. Seine Musik regt zum Tanzen an, aber auch zum Träumen und Nachdenken.

01 Das Reh
02 Erster Versuch zu fliegen
03 Fundament
04 Wintertag
05 Blaue Tonleiter
06 Brief
07 Die Gleiche
08 Melancholie
09 Schubla Baby

Der 29-jährige Singer/Songwriter aus Osnabrück veröffentlicht mit „The Dragonfly“ sein Debütalbum. Die Musik lässt sich wohl am ehesten als Akustik-Rock beschreiben, der mit einer authentischen Stimme einhergeht. Marius Freese ist großgeworden auf dem Land und aufgewachsen mit der Plattensammlung des Vaters, aus den wichtigen Jahrzehnten der Rockmusik.
Die Musik ist entsprechend gerade heraus, manchmal eingängig und manchmal gewollt anders. Die Songs auf dem Album erzählen Geschichten aus dem Leben, aus der Vergangenheit und der Zukunft, über das Sich-verlieren im Alltagsleben bis hin zum Verwurzelt-sein mit Heimat und Natur. Mit den auf dem Debütalbum enthaltenen 13 Titeln, soll in experimentierfreudiger Weise daran erinnert werden, dass das Leben auch immer eine Abzweigung für einen bereithält. Ein frischer und roher Sound, der überraschend anders klingen darf und auch ein Stück weit in unser heutiges Gesellschaftsleben passt.
Mit viel Liebe zur Musik aus verschiedenen Genren und dem damit verbundenem Freiheitsgefühl, möchte dieses Album daran erinnern, dass das Leben trotz sozialer Herkunft und Gesellschaftlicher Hintergründe eine Reise ist, auf der wir uns gemeinsam befinden.

01 Inside & Out
02 Mystery
03 The Need To Pray
04 Young And Free
05 Don#t Wait Too Long
06 Our Destiny
07 When You Got To Find The Answers
08 As Long As I Stay Here
08 Where The Mountains Pray
10 Drover
11 Twenty One
12 Let's Drift Away
13 On Your Way