CD

Im März 2017 schrieb Peter Autschbach das Stück als Auftragskomposition für die Industriegewerkschaft IG Bergbau, Chemie, Energie (IG BCE). Deren Vorstandsvorsitzender Michael Vassiliadis, Teilnehmer in einem von Autschbachs Toskana-Workshops, zeigte sich begeistert und übertrug dem Komponisten und Textdichter zusätzlich die Aufgaben, das Lied für große Besetzung zu arrangieren, eine CD zu produzieren und die Musiker für zwei Live-Aufführungen im Rahmen des Kongresses auszuwählen.
??Peter Autschbach wählte seine Band Terminal A mit Marco Bussi am Schlagzeug, Nico Deppisch am Bass und Klaus Tenner am Klavier, die Sängerinnen Samira Saygili und Sabine Kühlich, die Stimmgewalt des Ruhrkohle-Chors aus Herten und den Kinderchor Krupp-Kids aus Duisburg. Klassisches Streichquartett (Marta Danilkovich Vl, Vladimir Bodunov Vl, Stefan Balazsovics Vla und Victor Plumettaz Cello) und die akustische Gitarre von Ralph Herrnkind vervollständigten das Ensemble. Autschbach selbst hat die E-Gitarre gespielt und es sich nicht nehmen lassen, das Orchester zu dirigieren.
Am 8.10. fand die Uraufführung in Hannover beim Kongress der IG BCE statt. Das war ein großartiges Erlebnis für alle Beteiligten. Im Vorfeld war allen Mitwirkenden verboten, davon zu erzählen, weil die Songproduktion eine Überraschung für alle Delegierten sein sollte. Die 1200 Kongressteilnehmer dankten mit Standing Ovations, der stürmische Applaus wollte kein Ende nehmen.

1. Wir sind Demokratie
2. Wir sind Demokratie (Unplugged Version)
3. Wir sind Demokratie (Radio Short Mix)

Seit 1998 begeistern und bereichern Red Stoner Sun mit ausgewählten Gigs und feinen Recordings die Stoner- und SpaceRock-Szene in Berlin und weltweit. Das „StonerRock Urgestein aus Berlin“ (TIP – Berliner Stadtmagazin) spielte u. a. mit Danko Jones, Spirit Caravan, Madrugada und Zen Guerilla. Neben Causa Sui und Kvelertak 2014 beim Desertfest Berlin.
Zum 19-jährigen Bandbestehen veröffentlichen Red Stoner Sun nun ihr drittes Studio-Album „The Wicked Witch Of The West“ und somit die ersten Recordings seit 10 Jahren! Konnte man ihre bisherigen Alben blind unter „StonerRock“ einordnen, fährt „The Wicked Witch Of The West“ mit einem breiteren, komplexeren Sound auf. Die Red Suns sind nicht alt geworden - sondern weise. Ausgefeiltes Songwriting und progressive Elemente, die einmal mehr in den 60er- und 70er-Jahren verwurzelt sind – bis hin zum spät-90er DesertRock.

 

Disc 1
1. One Eyed Monkey
2. Earth Moved Slowly
3. Am I Just A Robot?
4. Medusa
5. Satanic Spandex (MK 31)
6. Good Dog!

Disc 2
1. Species-Specific
2. Delorean
3. King Kong Connection
4. Somewhere Under The Rainbow
5. Species-Specific (Reprise)
6. Space Gal Milky White

 

Werner Nadolnys Jane veröffentlichen das 2011er Album Eternity neu. Auf der CD gibt es zum ersten mal die von Torsten Ilg gesungenen Versionen von „The one outside“ und „Inside of you“. Außerdem hat die Band auf die vielen Anmerkungen der Fans gehört, die sich gewünscht haben die Titel der Tryptich 1-3 einzeln anzuwählen, ebenso wie die Radio-Edits, so dass die Platte jetzt insgesamt 13 Titel enthält.
Krautrock at it's best!

01 Beauty (Tryptych I)
02 Prosperity (Tryptych II)
03 Media (Tryptych III)
04 Circle Of Hands
05 Borrowed Time
06 Space Waters
07 Roses On The Floor
08 A Little Big While
09 Inside Of You
10 The One Outside
11 Roses On The Floor (Radio Edit)
12 Borrowed Time (Radio Edit)
13 Media (Radio Edit)

Wer wissen möchte, warum die schöne Cecilia so traurig ist, was der berühmte Schauspieler Sir Peter Ustinov mit Folkmusik zu tun hat, wie „Sex and Drugs and Rock’n’Roll“ um das Jahr 1540 besungen wurden und warum Singen generell besser ist als Reden, der darf sich das neue Album von Glin Amar nicht entgehen lassen. Mit „Both Sides“ zeigen die sechs Musiker erneut, wie abwechslungsreich, lebendig und überraschend Folkmusik sein kann.
Ausgefeilt arrangiert und instrumentiert, mit feinem Solo- oder Satzgesang nehmen die Lieder und Instrumentals den Zuhörer mit auf eine unterhaltsame Reise durch die traditionelle und moderne Musik Europas, von Italien über den Balkan, Frankreich und Großbritannien bis nach Deutschland.
Neben Traditionals finden sich aber auch Lieder von Sting und ZAZ und eigene Kompositionen auf dieser in jeder Hinsicht außergewöhnlichen CD, an der Folkfans ihre Freude haben werden.

1. Free River
2. Pan In Ireland
3. Cecilia
4. Circassian Circle
5. Both Sides The Tweed
6. Schlemmerlied
7. Was
8. Ukrainische Polka / Hategana

Nach der romantischen Märchenstunde „Fairytale“ ist es für die Dry Dudes Zeit, sich auf die kleinen, nicht unbedingt weniger romantischen Momente des Alltags zu besinnen. Mit ihrem Debüt-Nachfolger „Memories“ öffnen die Dry Dudes aus dem Emsland ein Fotoalbum voller Erinnerungen.
Einige sind schon ein wenig verblasst, die Farben verschwommen. Andere sind noch ganz präsent. Fast spürt man sie schon wieder, die Küsse auf der Wange, Fingerspitzen die sich berühren, schmeckt das Kaugummi, das man damals dabei im Mund hatte. Oder man fühlt den Stich ins Herz, die Enttäuschung und Sehnsucht, so als wäre es erst gestern gewesen. Oder war am Ende alles doch nur ein Traum?
Auf „Memories“ erzählen die Dry Dudes Erwin Holm und Patrick Schütte in zwölf verträumten Songs zwölf neue Geschichten zwischen Liebe, Sehnsucht, Leidenschaft und Nostalgie. Geschichten, wie sie die das Leben eben so schreibt und wie sie jeder von uns auch wohl schon einmal erlebt hat – nur eben nicht so schön und facettenreich verpackt wie auf „Memories“.
Auch auf ihrem zweiten Album schwören die Dry Dudes auf ihre ganz eigene Interpretation des Poprocks mit Singer/Songwriter-Appeal, in der sich gleichzeitig jede Menge musikalische Akzente verschiedenster Genres zwischen Acoustic Pop und R&B wiederfinden.
Die Dry Dudes lernten sich im Sommer 2015 bei einem Musikwettbewerb kennen. Nach kurzen Ausflügen in die Cover-Welt mit Songs von Michael Jackson und Ed Sheeran stand für die jungen Emsländer fest: Wir wollen nicht klingen wie alle anderen. Seither begeistern sie mit ihrer gefühlvollen, handgemachten Musik ihre Fans in ganz Deutschland.

Side A
01 Take Me Home
02 Break it Down
03 Cupids Arrow
04 Last Night
05 Different Ways
06 Travelling Around The World

Side B
01 Changes
02 Orange House
03 95
04 Marry Me
05 Head over Heals
06 Pain

Melodisch, laut und auch mal ganz leise. Zeit zu feiern, Momente zum Nachdenken. Und immer klar, rockig und melodisch. So ist unser Album „Das Eine“. Aus einem musikalischen Guss und dennoch vielfältig wie die Geschichten, die es erzählt. Gedanken – aus dem Leben gegriffen – die einen nicht loslassen.
Fünf der neun Songs handeln von der meist problematischen Seite zwischenmenschlicher Beziehungen. Ein unvermitteltes Ende einer Liebe („Schrei“), obsessives Verlangen („Begierde nach Macht“), psychische Probleme als Prüfstein („Schatten“, „Herz aus Stein“) oder das Paradebeispiel eines unangenehmen Kollegen („Das Eine“) sind Leitmotive der Songs.
Die energiegeladene Musik mit schweren Gitarrenriffs und orchestraler Breite unterstützt den klaren, kraftvollen Gesang. Die Klavierballade „Ziemlich beste Freunde“ hebt – nicht nur musikalisch – die Tiefe der Vater-Sohn-Beziehung hervor. Das Leben besteht aber nicht nur aus Nachdenklichkeiten und so lädt Loudstark seine Zuhörer zum Abfeiern und Mitsingen ein („Lasst es krachen“, „Zur gleichen Zeit“).
Loudstark wurde 2013 von Marc (Gesang), Axel (Keyboard) und Jannik (Schlagzeug) zunächst als 6-köpfige Band gegründet. Melodischer Powerrock mit klaren Worten war die Zielsetzung. 2015 übernahm Eddie die Gitarre und 2017 Mirco den Bass. Auf Ihrem bisherigen Weg haben sich die fünf Kieler eine treue Fangemeinde erspielt und mit Bands wie Eisbrecher, J.B.O., Subway to Sally, In Extremo, Hämatom die Bühnen geteilt.

01 Intro
02 Schrei
03 Schatten
04 Begierde nach Macht
05 Lasst es krachen
06 Herz aus Stein
07 Ziemlich beste Freunde
08 Alles oder nichts
09 Das Eine
10 Zur gleichen Zeit

Der 1974 in Athen geborene Schlagzeuger Christos Asonitis lebt und spielt nach Jahren aktiver Präsenz in der griechischen Jazzszene seit 2012 in München. Mit „An Ode To The Light“ präsentiert er erstmals als Bandleader eigene Kompositionen und Arrangements. Mit von der Partie: Bastien Rieser, vielversprechender Trompeter, der Ungar Mark Pusker mit dem warmen und brillanten Sound seines Saxophons, am Klavier der multikreative Maruan Sakas sowie der begehrte Kontrabassist Lorenz Heigenhuber.
Dabei erleben die Zuhörer eine elektrisierende Symbiose aus modernem Jazz und Elementen, die sowohl von persönlichen Erlebnissen des Komponisten als auch von historischen und mythologischen Ereignissen seiner Heimat inspiriert sind. Das Spektrum reicht von lyrisch-melodischen Stimmungen mit feinen griechischen folkloristischen Anklängen, polyphonen Klangbildern bis zu mitreißenden Rhythmen, die einen virtuosen Spannungsbogen bilden.

„Christos Asonitis ist ein so einfallsreicher wie unaufdringlicher, hochkultivierter und hellwacher Schlagzeuger, der dem kleinen Set einen großen Reichtum an Nuancen entlockt und nicht in routinierte Mechanizität abgleitet.“ (The New Listener, Mai 2016)

1. Color En El Oscuro
2. Second Day
3. Fos (An Ode To The Light)
4. Blue And Gray
5. Ta Matoklada Sou Laboun
6. December
7. Ancient Dance 490 B.C.

Steve Train’s Bad Habits bahnen sich ihren Weg durch den Musikdschungel mit zehn neuen Songs voller Leidenschaft und treibenden Rhythmen an Bord. So machen Sie auch mal Station in Genres wie Rockabilly, Country und Sixties Beat und offenbaren dem geneigten Hörer bisweilen Latino- und Jazz-Einflüsse. Alles in allem ein wilder Soundtrack für das persönliche Roadmovie Deines Lebens. Lebendiger Rock ’n’ Roll eben – zum Glück kein bisschen nostalgisch.

1. Caravan
2. Red Sun
3. Bury Me Deep
4. Feelin’ No Pain
5. Little Baby
6. Strychnine
7. Where You Gonna Go
8. Devil’s Got A Hold
9. Trackdown
10. Look Inside Your Mind

Partymusik für die ganze Familie, bei dem Groß und Klein gleichermaßen viel Spaß haben – das ist das neue Album „Familien Party Kinder Disco Hits“ von Frank & seine Freunde. Viele bekannte Party-Hits neu aufgenommen, im modernen Stil, der auch bestens für Kinder in verschiedenen Altersklassen geeignet ist.
Ein absolutes Highlight ist der Bonustrack „Ich will“, der 1982 erstmals von der Band UKW veröffentlicht wurde. Frank Acker und UKW-Sänger Peter Hubert singen den Hit der Neuen Deutschen Welle im Duett mit einem Kids-Chor. Cool & Frisch - so klingt das neue Frank & seine Freunde Album.

01 Hey, wir woll'n die Eisbärn sehn
02 Nessaja
03 Helikopter
04 Gummibärenbande
05 Klick Klick (Clubmix)
06 Rockentchen (We will rock you)
07 Ich will
08 Wenn im Dorf die Bratkartoffeln blüh'n
09 Eisgekühlte Limonade
10 2 kleine Wölfe (Partymix)

Alireza Afkari wurde 1977 im Iran geboren. Er ist eine der wichtigsten und einflussreichsten Musikwissenschaftler seit der iranischen Revolution.
Er hat sich jahrelang mit der reichen Tradition alter iranischer Literatur beschäftigt und mit vielen großen Stimmen iranischer Sänger und Sängerinnen gearbeitet, um dauerhafte Werke in verschiedenen Genres zu schaffen.
In Anbetracht der Einschränkungen in der Veröffentlichung seiner Arbeit im Iran und der Entzündung internationaler Sanktionen gegen den Iran hat er sich jetzt entschlossen, sein Album „Roots“ international zu veröffentlichen. Auf diesem Werk beruft er sich auf die Prinzipien und „Wurzeln“ iranischer Musik und präsentiert unterschiedliche, gefärbte Richtungen eines international auf iranische Musik gerichteten Blickes.
Der vielleicht bemerkenswerteste Aspekt dieses Albums ist, dass es mit einheimischen iranischen Musikern und Musikerinnen im Iran selbst aufgenommen wurde, während Mix und Mastering in Deutschland stattgefunden hat. Es steht zu erwarten, dass Alireza in Zukunft die internationale Musikgemeinschaft bunt und vielfältig bereichern wird.

01 Looking for Me
02 Snowy Day
03 Memories of You
04 Departure
05 The Smell of Rain
06 War Children
07 Youth
08 Persian Sound

Gentlemen.Music ist ein brandneues Projekt aus dem Rhein-Main-Gebiet, in dem sich die Urgesteine der Frankfurter Musikszene Harald Andres und Werner Littau zusammengetan haben und im Spätsommer 2017 ihre erste gemeinsame CD-Produktion auf den Markt bringen.
Andres, früher Sänger und Komponist der Rockformation Second Page, die in den frühen achtziger Jahren mit ihrer Langrille „Crawler“ für Aufsehen im Frankfurter Raum sorgten und Werner Littau, ehedem Keyboarder, Komponist und Arrangeur der Frankfurter Rockband Octopus und in der Glanzzeit der NDW Tastenmann bei Hubert Kah, trafen sich eher zufällig bei einem Singer/Songwriter Slam, an dem Harald Andres teilnahm. Werner Littau war von den gefühlvollen Stücken des inzwischen im beschaulichen Taunusörtchen Aarbergen-Daisbach lebenden Andres derart angetan, dass daraus die Idee entstand, die Stücke, ursprünglich für Gesang und Gitarre konzipiert, in die digitalen Klangwelten des Werner Littau einzubetten.
Littaus Arrangements lassen die einst akustisch vorgetragenen Lieder nun in einem Bigband-Sound daherkommen, ohne jedoch ihren Charakter völlig sinnverdrehend zu interpretieren. Entstanden sind für die CD „Footprints“ zwölf Stücke, die von Liebe, Leid, Anerkennung, Diätenfrust, oder kleinen bösen Mädchen und allem was dazu gehört, erzählen. Werner Littaus Bigband-Klänge inklusive Piano plus Harald Andres‘ akustische Gitarre und seine bluesige Stimme erzeugen – auch live – eine ungewöhnliche Kombination, die in dieser Art auf dem Musikmarkt selten zu finden ist. Gentlemen.Music – handmade meets high-tech.

1. Caged
2. Blue Collar Blues
3. Personal Black Hole
4. A New Start
5. Daddy
6. Footprints
7. My Girl From Greece
8. Distant Protection
9. Don’t Forget The Donuts
10. Freddy’s Gone
11. Lisa
12. Seasons Of Greed

The album has been recorded here and there, when the guys were in the mood between gigs and “everyday life when shits happens”. On this album you'll find Rhyhtm and Blues and Rock'n'Roll mixed up with a little bit of Calypso, Latin-American and Tex-Mex style, but IT IS NOT EASY TO DESCRIBE THE MUSIC AND THE BAND, ESPECIALLY IF IT MEANS MORE THAN THAT. HOW TO EXPLAIN THE WAY YOU THINK, DRINK, FUCK, AND LIVE? And does anybody take care of it?
Guess not. The only thing that really matters is on your turntable. The only thing that really matters is the fuckin' Rock'n'Roll. Lost in the electric mist you're looking for answers and you got none, BUT you can hear something from far away. Something you can't understand with the head but with your guts.
That's what Coconut Kings are all about.

01 I wish you would
02 Five times lucky at the russion roulette
03 All saints cursed
04 Middle class burnout
05 The sad fate of Mr. yourself
06 Midnight stomp
07 I can't be satisfied
08 Catwalk
09 The gundog
10 Neon light city blues
11 Menina (When you walk with the wolves)
12 No calypso song
13 Corazon error 404
14 Grab the money and run
15 Hillbilly blues

 

Wie viel Fröhlichkeit kann ein Album überhaupt vertragen? – Diese Frage stellte sich Singer/Songwriter Christian Falk während, er an seinem Debütalbum „Farbe & Dunkel“ arbeitete. Die Antwort: Vermutlich nicht zu viel, wenn es nicht belanglos oder das nächste Album von Max Giesinger werden soll. Als begeisterter Theatergänger liebt der Wahl-Bremer den Dualismus, das Spiel zwischen Gut und Böse, Glück und Unglück, Licht und Schatten. Für „Farbe & Dunkel“ spielen genau diese Gegensätze eine tragende Rolle. „Meine Musik braucht Zeit. Sie ist nichts für das schnelle Vergnügen“, findet der 29-Jährige. Über ein Jahr lang schraubte Christian Falk an seinen Songs, an der perfekten Mischung aus Kontrasten. Auf „Farbe & Dunkel“ trifft zwischen zehn Stücken bunter, lebensbejahender Poprock kompromisslos auf tiefe, schmerzerfüllte Melancholie und politischen Kommentar. Mal verpackt in konkreten, mal in abstrakten Liedermacherstücken, die auf musikalischer Ebene Falks Cellisten Friedemann Eich und dem Produzenten Tobi Schneider ihren perfekten Feinschliff verdanken. Als wahres Arbeitstier spielt Christian Falk im Jahr schon mal bis zu 100 Konzerte jeder Größenordnung. Sein heimlicher Favorit sind aber Auftritte in privaten Wohnzimmern. Mittlerweile sind diese fester Bestandteil seines Tourlebens und können auf seiner Homepage direkt gebucht werden. Wie auf „Farbe & Dunkel“ ist auch das Leben von Christian Falk gezeichnet von Dualismen. Als studierter Wirtschaftsingenieur hätte er das von außen betrachtet sonnig sichere, bürgerlich spießige Leben mit Karriere im Großkonzern leben können. Doch um nicht in ein Hamsterrad zu rutschen, entschied sich Christian Falk nach einem kurzen Ausflug in Automobilbranche bewusst gegen die Corporate-Welt und folgte seinem Herzen: „Musik ist das, was mich glücklich macht. Ich möchte nichts anderes in meinem Leben tun.“

1. Salzwasser
2. Europa
3. Farbe
4. Steig mit mir um
5. Dein Geruch bleibt
6. Hallo Fremder
7. Wenn die Welt schlafen geht
8. Orangenbaum
9. Einer von mir
10. Fantasie

Im Jahr 2008 trafen sich die drei Musiker "Pappen" Geert Hermann Meyer (bass/voc), "Alex" Alexander Rosenhof (git/voc) und "Mike" Bosch (drums) und entdeckten ihre gemeinsame Vorliebe für Blues. Als 2009 der erste abendfüllende Auftritt geplant ist, fehlt nur noch ein Name. Eine CD mit Vorschlägen für das Repertoire trägt die Beschriftung "BluesPAM". 2011 komplettiert Heino Sluet, an der Mundharmonika, die Band!
Am 30.05.2014 dann die Katastrophe! Schlagzeuger und Gründungsmitglied Mike Bosch stirbt, kurz nach vielversprechenden Ton - und Videoaufnahmen, an den Folgen einer Infektion, die er sich bei einer Zahn-OP zugezogen hat! Es braucht nach dem Tod von Gründungsmitglied Mike fast zwei einhalb Jahre, bis die Band sich im September 2016 zu den Aufnahmen für "What Is Mojo“ - allesamt Eigenkompositionen aus der Feder von Alex Rosenhof - nach Münster ins Studio begibt!
Mit Frank Boestfleisch (Richie Arndt & the Bluenatics, Greg's Bluesnight Band) hat die Band seit Mitte des Jahres einen Schlagzeuger, der schon auf vielen internationalen Bluesbühnen gegrooved hat. Eine frische Liveband mit erfahrenen Musikern, die ihr Handwerk verstehen, und das Publikum mit einer Mixtur aus Blues, Rock, Funk und Soul zu begeistern weiß!

01 When I’m Grey And Old
02 Let’s Talk About It
03 Are You Moving On
04 Someday
05 What Is Mojo
06 Star Wars
07 Expensive Car
08 Nocturnal
09 One Of A Kind
10 Crossroads
11 Worries On My Mind

Ganaim entführen mit traditionellem Celtic Folk zu einer musikalischen Zeitreise durch die verschiedensten Regionen Europas. Dem Trio um Frontmann Pínto gelingt es dabei, virtuosen und technisch ausgefeilten Folk mit ausgelassener Feierstimmung zu vereinen.
Diese abwechslungsreiche Mischung präsentieren die Musiker mit sehr viel Leidenschaft und Spielfreude, akustischer Folk vom Feinsten! Und auch wer Ganaim zum ersten Mal hört, kommt voll auf seine Kosten: Die wohlbekannten, traditionellen Melodien sind mitreißend und laden direkt zum Mitsingen und Tanzen ein.

01 Star Of The Country Down
02 Mairi's Wedding
03 First Pint At Slattery's (Instrumental)
04 Johnny Jump Up
05 Follow Me Up To Carlow
06 Craic At Kelly's Cellar (Instrumental)
07 The Rocky Road To Dublin
08 Danse À La Guinguette (Instrumental)
09 An Hini A Garan
10 Cena En Las Goteras (Instrumental)
11 The Hills Of Connemara
12 Lovers And Friends

In Jollis Wilder Welt der Worte spielt die Jorinde Jelen Band nicht nur mit Tönen! In zehn neuen Liedern für Kinder wird gereimt, geraten, gerätselt, gesungen, geswingt und geswungen, mit Worten gerungen, geklatscht und gesprungen.
Wollt ihr die Sprache der Außerirdischen oder der Babys kennenlernen? Den Muskelkater und andere lustige Wesen treffen? Mit Worten und Tönen, Geräuschen und Klängen jonglieren? Rätsel raten oder Bewegungen erfinden? Dann taucht ein in Jollis Wilde Welt der Worte!

1 Bereit
2 Rätsellied
3 Wenn ich winke, sag ich Dir Hallo
4 Die Brabbelberta
5 Der Schmetterling
6 Der Muskelkaterohrwurm
7 Geräuschelied
8 Ferne Galaxie
9 Nogo Tschoko
10 Blues für kleine Leute
11 Wenn ich winke, sag ich Dir Hallo
(Mitsingversion)

Trio Rosenrot, die Zweite. Mit der CD-Neuerscheinung „Es fiel ein Reif“ führt das trio Rosenrot das Konzept fort, deutsche Volkslieder ins Hier und Jetzt zu holen. 
Durch die außergewöhnliche Verflechtung von Einflüssen aus Weltmusik, Klassik und Jazz, entstehen verstörend schöne Arrangements und ausdrucksstarke Atmosphären, welche die Zuhörer in ihren Bann schlagen. So haben Sie die deutschen Volksweisen noch nie gehört. Berührende Musik.

01 Es saß ein klein wild Vögelein
02 Zogen einst fünf wilde Schwäne
03 Es fiel ein Reif in der Frühlingsnacht (Blaublümelein)
04 Schwesterlein, wann gehen wir nach Haus?
05 Shlof main fegele
06 Ich weiß nicht, was soll es bedeuten (Lorelei)
07 Vöglein fliegt dem Nestchen zu

Die EP „Wie fühlt sich Liebe“ manifestiert die Arbeit von Ampax seit ihrem Debütalbum „Love Pain & Works“. Mit „Wie fühlt sich Liebe“ sind Ampax nach langem Weg nun endlich textlich wie auch musikalisch angekommenem und greifen das Thema Sehnsucht, Liebe und Vergänglichkeit auf. Musikalisch stehen Ampax für eine sonst nie gesehene Ausprägung von elektronischer Musik, gepaart mit progressivem Metal. Auch textlich haben sie sich weiter entwickelt und ihren Platz gefunden. Auf ihrer neuen EP präsentieren sie gleich drei neue Songs und vier Remixe. Diese wurden unter anderem von der Synthpop Band Alphamay und der EBM Legende Trilogy beigesteuert. Schon der Opener „Wie fühlt sich Liebe“ geht unter die Haut. Der knapp dreieinhalb minütige Track beginnt sowohl melodisch wie textlich bedächtig und ruhig, entwickelt sich kraftvoll und hart, um dann zu orchestraler Größe heranzuwachsen. Überzeugt euch selbst von der Neuen EP „Wie fühlt sich Liebe“ und dem neuen Video zum Song.

01 Wie fühlt sich Liebe
02 Wenn nichts bleibt
03 Herz aus
04 Wie fühlt sich Liebe (Alphamay Remix)
05 Herz aus (Alphamay Remix)
06 Sturm (Trilogy Single Remix)
07 Sturm (Trilogy Whiper Whale Remix)

Physik, Astronomie, Numerologie, Philosophie, frühgeschichtliche Mythologie und Literatur – Wissenschaften, die sich in der einen oder anderen Form schon seit jeher durch die Alben der Crüxshadows ziehen. Nachdem die amerikanischen Electro-Rocker kürzlich schon mit der euphorisch gefeierten Vorabsingle „Helios“ in Szenekreisen für wahre Tanzflächeneruptionen gesorgt haben, veröffentlichen Mastermind Rogue und seine loyale Truppe nun mit „Astromythology“ ihr bisher durchdachtestes, experimentellstes und auch packendstes Werk!

01 Helios
02 Singularities
03 Stay
04 Home
05 Infinity (You Don't See Me)
06 Stargazer
07 Of Angels
08 My Telescope
09 Jupiter
10 Uncertainty (In Space & Time)
11 Starfall
12 In Gardens
13 Astronauts

Nach ihrem Debüt-Album „A ride on either side“ folgt nun der zweite Streich. Die Protagonistin und Komponistin, Silvana Mehnert, scheint mit ihrem neuen Silberling „Songs, Poems & Stars“ angekommen zu sein und ihre ganz eigene musikalische Handschrift und Identität gefunden zu haben. Eine zauberhafte Mischung aus Eigenkompositionen, Gedichtvertonungen und musikalischen Erinnerungen verweben sich zu einem stimmigen Gesamtwerk, welches ohne große technische Spielereien auskommt und vor handgemachter Natürlichkeit nur so strotzt. Ihre facettenreiche Stimme nimmt einen mit auf eine Reise in die Vergangenheit bei „Every Fair“(Shakespeare Sonett 18), lässt einen Verweilen in der Gegenwart bei „Halt mich fest“ und schenkt einem Hoffnung auf eine gütigere Zukunft in „Breathe in“. Doch auch ernsthaften und kritischen Gedanken verschließt sich das zweite Album nicht. So werden bei Songs wie „Ticket to the sky“ und „Mein Fluss“ durchaus auch die dunkleren Seiten unserer Zeit beleuchtet, doch nie ohne ganz Hoffnung auf das Licht am Ende des Tunnels zu verlieren.

01 Every Fair (Shakespeare Sonnet 18)
02 Mein Fluss
03 Ticket To The Sky
04 Halt mich fest
05 Breathe In
06 Bis zum Schluss
07 Human
08 Das Alte Schloss (Gedicht von Annette Droste-Hülshoff)
09 Fairy Song (Poem by John Keats)
10 Ode an die Sterne
11 Northern Lights
12 Ich gehör hierher

Für Fady Maalouf stand die Leidenschaft zur Musik, insbesondere zum Singen, immer an erster Stelle. In frühester Kindheit sang er im Kirchenchor und entschied sich als junger Erwachsener für die klassische Gesangsausbildung. Die Musik half ihm dabei seine Gefühle und seine Kreativität auszuleben.
Fady gab sein musikalisches TV-Debüt im Jahr 2008 beim TV-Format DSDS und überzeugte als Finalist nicht nur seine Fans, sondern auch das Plattenlabel Sony Music Columbia, das ihn unter Vertrag nahm. Sony BMG produzierte im Sommer 2008 die Single „Blessed“, sowie ein gleichnamiges Album. Die Single und das Album stiegen jeweils auf Platz 2 der deutschen Charts ein.
2012 folgte das Album „City of Gold“ mit einem sehr organischen Sound. Vor 2 Jahren wandte sich Fady wieder seiner Leidenschaft, der Oper, zu und entdeckte unter der fachlichen Begleitung seines Vocal Coaches Andreas Talarowski seine kräftige Countertenor Stimme wieder. Ohne damit seine Kenntnisse im Pop Bereich zu vernachlässigen, trainiert er diese Tonlage seither und hat damit eine Brücke zwischen zwei Welten geschaffen und die Bandbreite seiner Stimme erweitert.
Dieser eigene Weg, seine Verbundenheit zum christlichen Glauben und das Bestreben, keine Grenzen für sich selbst aufzustellen, führte Fady schließlich zu „Indigo“, seiner vierten CD, einer Mischung aus klassischen Klängen, Pop und Soft-Elektro. Dieses außergewöhnliche Projekt enthält neu produzierte Arien, sowie eigene Kompositionen mit spirituellen Inhalten, wie das französische „Vater unser" und das arabische „Ave Maria“. Dem neuen Sound seiner vierten CD wohnt eine Besonderheit inne, welche sich dem Hörer offenbart, je mehr er sich dieser Musik öffnet.

01 Lascia ch’io pianga
02 Notre Père
03 Swan Lake Theme
04 Ave Maria
05 Nessun Dorma
06 Indigo

Mit seinem ersten Soloalbum „Perfect Getaway“ zeigt sich der gebürtige Londoner Steve Baker von einer bisher kaum bekannten Seite und erfindet sich neu als Sänger und Komponist. Er ist bekannt für seine wegweisende Arbeit als Leitfigur der europäischen Mundharmonikaszene. Kongenial und stilistisch vielseitig ist auch seine Arbeit als Begleiter und Partner von Künstlern wie Franz-Josef Degenhardt, Chris Jones oder Abi Wallenstein. Steve Baker präsentiert sich mit dem Album als überzeugender Songschreiber, Bandleader, Arrangeur und Produzent.
Wie seine musikalischer Herkunft es erahnen lässt, ist „Perfect Getaway“ keine reines Bluesalbum geworden, sondern es reflektiert die vielseitigen musikalischen Einflüsse, die er im Laufe seines Lebens in sich aufgesogen und verarbeitet hat. Die 13 Kompositionen stammen aus Steve Bakers Feder und völlig unterschiedlichen Zeiten seiner 40-jährigen Musikerkarriere. Einige Titel hat er zwar in anderen Besetzungen schon mal eingespielt, aber meist nicht selber gesungen. Ein Großteil der Stücke sind neu komponiert und viele wurden speziell für diese Produktion geschrieben. Zusammen mit dem Bassisten Gaz produzierte Steve die Titel vor, das Album wurde in der Mühle der Freundschaft in Bad Iburg von Marcus Praed aufgenommen. Hierfür hat Baker einige der führenden Figuren der Osnabrücker Musikerszene an seine Seite geholt. Mit Kai Strauss an der Gitarre, Alex Lex am Schlagzeug, Christian Rannenberg am Klavier und Gaz (dem Alibischwaben) am Bass wurden alle Songs im wunderbaren Ambiente von Praeds Tonstudio live eingespielt. Moritz Fuhrhop spielte bei einigen Titeln die Hammondorgel. Backing Vocals wurden von Gaz sowie Steves Tochter Gina, die hier ihr Aufnahmedebüt feiert, eingesungen und bei vier Titel gibt es wonderschöne Chorgesänge von Gaz Gruppe „Opportunity“.
Die Songs sind stilistisch sehr verschieden und spannen einen weiten Bogen von Singer/Songwriter über Country, Gospel, Blues, Rock’n’Roll bis hin zum Rock härterer Gangart. Was sie auf alle Fälle vereint ist Bakers deutlich hörbare Popsensibilität, die seinen Kompositionen einen klaren eigenen Charakter verleiht. Seine Lieder haben eingängige Refrains und sind, wie sein Harpspiel auch, in erster Linie melodisch geprägt, mit fein differenzierten Grooves, zauberhaften Gitarre mit dem unverkennbar bissigen Ton von Kai Strauss und Christian Rannenbergs entspannt groovendem Klavierspiel.
Das erste, was man an Steve Bakers Songs merkt, ist dass sie zutiefst persönlich und wenig klischeehaft sind, sie wirken sehr englisch. Beispielhaft dafür ist die Einstiegsnummer „Anyway You Do“, die mit melancholischen Countryklängen beginnt und durch manche überraschende Wendung läuft, bevor sie als Uptempo-Afrobeat mit Chor ausklingt. „Blind Man Blues“ erinnert an Little Feat oder Dr. John und wird gefolgt vom akustisch groovenden Funk von „Brand New Day“, mit Gospelchor und einem wunderbar leichtfüßigen Harpsolo am Schluss. Der augenzwinkernde „Notional Security Blues“ verspottet den allgegenwärtigen Sicherheitswahn, während das autobiographische „Born In London“ irgendwie nach altem Chuck Berry klingt. Darauf folgt der reißende Punkpop vom „Apeman“ – mi Gitarrenriffs, die sowohl an die Kinks als auch an die Searchers erinnern. Der spannende Moll-Blues „Doublecrossed & Blue“, der zu Steves beliebtesten Instrumentaltiteln gehört, wird von einem überraschenden Remake der alten Have Mercy Nummer „Hustle On Down“ aus 1977 gefolgt, die im Stil von Elvis Presleys Memphis Album oder J.J.Cale entspannt herrockt. „Glad I Got You“ kommt danach wie eine Mischung aus Motown, Stones und britischem Pubrock, mit Backing Vocals von Gina und Gaz.„Nobody’s Fool“ mischt Country mit New Orleans Klavier, während „Soul Train“ reißenden Rockabilly mit einem Chor, einem Harpsolo und virtuos gespielter Gitarre vermengt.
Der Titelsong „Perfect Getaway“ ist ein Psychodrama, das mit düsteren Bluesrock Gitarrenriffs und Gesang beginnt, die dann in klassischen Britrock Refrains führen, bevor alles in ein durch wiederkehrende Hoffnung geprägtes Finale als Pophymne mündet. Das letzte Stück, das ergreifende Country-Gospel „One Word“, führt alle Elemente zum Schluß wieder zusammen, mit Steves unverkennbar lyrischem Harpspiel, großartigem Chor-Arrangement und dem letzten beseelten Gitarrensolo von Kai. „Perfect Getaway“ zeigt mit Nachdruck, dass es Steve Baker gelungen ist, sich nach einer langen Karriere als Sideman und hochangesehener Instrumentalist erfolgreich als rockender Singer/Songwriter neu zu positionieren.

01 Anyway You Do
02 Blind Man Blues
03 Brand New Day
04 Notional Security Blues
05 Born In London
06 (Don’t Wanna Be An) Apeman
07 Doublecrossed & Blue
08 Hustle On Down
09 Glad I Got You
10 Nobody’s Fool
11 Soul Train
12 Do Me
13 Perfect Getaway
14 One Word

Sportlich, sportlich: Irgendwo zwischen modernem Metal, Alternative Rock mit progressiven Einflüssen und mächtigem Stadionrock meistern Nump geradezu akrobatisch den Spagat zwischen Konvention und musikalischem Anspruch. Die Musik des fränkischen Fünfergespanns variiert bewusst, teils schon provokativ, zwischen tonnenschwerem 7-Saiter-Riffing und atmosphärisch-balladesker Epik, wartet dabei jedoch stets mit durchdachten Songstrukturen auf.
Da holzen die Jungs einerseits mit tighter Wucht und meterhohen Gitarrenwänden, um sich im nächsten Moment in minimalistischen Klangexperimenten zu verlieren und beweisen nebenher mit geradezu beiläufiger Selbstverständlichkeit, dass die Kunst des Gitarrensolos im modernen Rock und Metal noch längst nicht ausgestorben ist. Gerade der Kontrast ist bei Nump das kennzeichnende stilistische Element, das als Rahmen ihres musikalischen Schaffens dient.
2017 erscheint mit „Sun Is Cycling“ das vierte Studioalbum von Nump mit neun brandneuen Songs. Ordentlich Groove, eingängige Hooklines und hohe Livetauglichkeit dienten als Vorgabe des Songwritings. Auch soundtechnisch konnte im Vergleich zu den Voralben eine ordentliche Schippe draufgelegt werden.
Ganz klar: Die Musik macht wirklich Spaß, auch weil schnell klar wird, dass ebenso handwerklich einiges geboten wird. Songwriter Thorsten Geschwandtner beweist ein herausragendes Songwriting-Talent und wird von Sänger Christian Seynstahl mit teils genreuntypisch melodiösen, teils kräftigen Vocal-Lines unterstützt. Das musikalische Einfühlungsvermögen ergibt das stimmige Gesamtbild: Die Band Nump.

01 Fire
02 Social Cancer
03 Cold At Night
04 Modern Slaves
05 So Far Away
06 How Sad A Fate
07 Bloodlines
08 Blood On Their Hands
09 Sun Is Cycling

Wer sich als Musiker im 21. Jahrhundert behaupten, sich einen Namen machen möchte, muss in erster Linie anpassungsfähig sein, immer etwas Anderes, Neues - am Zahn der Zeit - liefern, und, wie im Finanzsektor und in der Wirtschaft, ein gewisses Gespür, eine Vorausahnung für Trends in der Zukunft besitzen. Derjenige, dem dies gelingt, schreibt seine Lieder mit allergrößter Wahrscheinlichkeit nicht selbst und hat im Grunde kaum eine Entscheidungsfreiheit, keine Möglichkeit zur Individualität.
Dann existieren im Gegenzug dazu aber auch jene Musiker, deren Hauptaugenmerk im Leben das Ding an sich ist - die Musik, Musik zu machen - die ihre Texte überwiegend selbst verfassen und auch die Komposition eigens in die Hand nehmen. Künstler, deren Klänge doch irgendwie für jeden etwas bedeuten, auch wenn sie nie den Anspruch haben sollten, massentauglich zu sein, genau aus dem Grund, weil ihre Musik dem eigenen Herzblut entspringt und auf ihre Art und Weise einzigartig ist – so wie bei Bad Temper Joe.
Kennern der gegenwärtigen deutschen Bluesszene ist dieser Name längst ein Begriff geworden, schätzt man dort doch sein oftmals im Soloauftritt präsentiertes, virtuoses Akustikspiel auf der Weissenborn Lap-Steel-Gitarre, traditionell, an die Blütezeit der Bluescombos in den 1920er-Jahren erinnernd. Doch ganz so viele Jahre in der Retrospektive zurück bewegt Bad Temper Joe sich eigentlich gar nicht überwiegend, wie sein fünftes Studioalbum „Bad Temper Joe and his Band“ – das bereits zweite im Jahre 2017 – klar, deutlich, und vor allem laut, beweist. Dieses Mal macht er sein zuvor auf dem im Februar erschienenen Vorgänger “Solitary Mind“ ausgerufenes Versprechen “I'm gonna get me a Rock 'n' Roll band […]“ wahr und ist nun in der ganzen Breite und Vielfalt einer elektrischen Band, bestehend aus diversen Gitarren, Mundharmonika, Bass und Schlagzeug, zu hören - noch dazu selbstständig in Eigenarbeit aufgenommen und gemeinschaftlich abgemischt.
Der Einfluss Bob Dylans auf Bad Temper Joes Musik lässt sich dieses Mal wirklich nicht leugnen, wie drei Interpretationen der Werke des Maestros auf interessante Art und Weise veranschaulichen. Auch wenn ihr Interpret in vielen verschiedenen vergangenen Jahrzehnten wie den 50er-, 60er- oder auch 80er-Jahren des letzten Jahrhunderts Inspiration gefunden hat, so bedeutet “Bad Temper Joe and his Band“ keine Imitation bekannter, vergangener Größen sowie analogen, verzerrten Studiosounds, sondern aktuelle, zeitgenössische Musik, die mit Klangkraft, Qualität und Reinheit überzeugt.
Wer Blues mag, der nenne es Blues, wem Americana oder Country gefällt, der bezeichne es als Americana oder Country, wer lieber Rock hört, der tituliere es als Rock - gute Musik muss sich nicht zwangsläufig immer nur einem Genre zuordnen lassen können! Eines sei dabei auf jeden Fall abschließend gesagt: keine vierhundertsechsundreißig Worte ersetzen ein erstes, zweites oder auch zehntes Hörerlebnis.

01 Hard To Do
02 Waiting On A Message
03 Dr. Jekyll And Mr. Hyde #4
04 Caroline
05 Double Trouble
06 Can’t Wait
07 Blind Willie McTell
08 I’ll Be There
09 Til I Fell In Love With You
10 Meet Me In Your Dreams
11 Blueberry Hill

Auf Annie's Waltz werden die Zuhörer nach wenigen Sekunden in eine fast schon meditative Stimmung hineinversetzt und mit einem Hauch von keltischer Musik, klassischen Einflüssen und soundtrackartigen Klängen verzaubert – mit nur EINER Gitarre wohlgemerkt! Im Vergleich zum Vorgängeralbum gibt es hier zwei wesentliche Neuerungen: Zum einen hat Olaf Sickmann zum ersten Mal mit seiner Frau Anja, einer talentierten Musikerin und Geigerin, zusammengearbeitet. Das Stück Annie's Waltz haben die beiden zusammen komponiert und es ist gleichzeitig auch der CD-Titel. Und zum anderen hat er das Plektrum an die Seite gelegt und nur mit Fingern gezupft, was dem Album eine zusätzliche Wärme und Natürlichkeit verleiht.
Auch wer gerne einmal die Musik von Olaf Sickmann auf der Gitarre nachspielen möchte, kommt mit dem Kauf von Annie's Waltz voll auf seine Kosten. Auf der CD befindet sich ein eBook im PDF-Format, in dem sowohl die vielen kleinen sehr persönlichen Hintergrundgeschichten, als auch Noten und Gitarrentabulaturen zu allen 11 Stücken aufgeschrieben sind.
„So verkauft man in der Zeit von Streaming-Diensten CDs! Glückwunsch!“ schreibt ein zufriedener Amazon-Kunde. In den letzten 15 Jahren hat sich der deutsche Komponist, Gitarrist und Tin Whistle-Spieler seine ganz eigene Nische mit zeitlos schöner Instrumentalmusik geschaffen. Seine Werke werden regelmäßig im Radio und Fernsehen gespielt (u.a. WDR, NDR, MDR, SWR, SR, BR, HR), sind sehr beliebt im Unterricht und werden immer häufiger zu Promotionzwecken von Unternehmen verwendet. Dem renommierten Fachblatt Akustik Gitarre ist die individuelle Klasse von Olaf Sickmann nicht verborgen geblieben: „Mittlerweile hat der Komponist und Gitarrist mit beeindruckend schönem Ton längst seine eigene Nische herausgearbeitet.“

01 The Coromandel Jigs
02 Sweet Breakfast
03 Goodbye My Friend
04 Early In The Morning
05 North Music
06 Sad Man From Dublin
07 Weather In April
08 Deep In The Night
09 Classic In The Country
10 Light As A Feather
11 Annie’s Waltz

Elvis Presleys Todestag jährt sich am 16.08.2017 bereits zum 40. Mal und noch immer ist Elvis und seine Musik präsent. Singer / Songwriter und Elvis Fan Steven Morrys aus Deutschland möchte mit „Elvis Come Back“, einer ergreifenden Ballade als Hommage an Elvis und für seine Fans, die Menschen im Innersten berühren. Morrys Vision: „Elvis Come Back“ soll als musikalisches Denkmal zu Ehren von Elvis Aaron Presley verstanden werden und weltweit zumindest alljährlich zu seinem Geburtstag (08.01.) und an seinem Todestag (16.08.) an ihn erinnern.
„Elvis Come Back“ ist jedoch kein Elvis Lied und richtet sich auch daher nicht ausschließlich an Elvis Fans. Ganz im Gegenteil soll der Geist von Elvis auch die Menschen und Generationen erreichen, die Elvis nicht mehr erleben konnten. Vielleicht weckt genau dieser Song eine Neugier um herauszufinden, wer Elvis eigentlich war? Was war oder ist bis heute so faszinierend an ihm, dass jedes Jahr 500.000 Menschen nach Graceland pilgern?

1. Elvis Come Back
2. Free
3. Nah bei mir
4. Elvis Come Back Radio Edit
5. Elvis Come Back Acoustic
6. Elvis Come Back Karaoke mit Background
7. Elvis Come Back Karaoke ohne Background

Die Habenichtse laden mit ihrem zweiten Album zur großen „Trinkpause!“ ein. Und die passende Musik hat die gammelige Bande gleich mitgebracht. Mit ihrem dreckig-fröhlichen Bettlerfolk geben sie wertvolle Tipps zur Pausen- und Freizeitgestaltung nebst beinschwingendem Schwankgeschunkel und eskalatiösem Tanzvergnügen. Dabei räumen sie mit dem einen oder anderen Missverständnis auf, tun ihre Meinung kund und sogar das Herz wird bedient.
Die Habenichtse erzählen Neues aus ihrem Leben und dass die Spielfreude die Gosse beseelt, hört man dabei in jedem Ton der 10 Bettlerhymnen. Eine Bande fröhlicher Bettler für zu Hause - gönn' Dir Deine Trinkpause!.

01 Bettler zur See
02 Gierig und faul
03 Lieber dreckig als braun
04 Rinnsteinschwalbe
05 König Theobald
06 Das letzte Licht
07 Der Tod hat noch Zeit
08 Piraten!
09 Wir sind nicht dick
10 Greift eure Krüge, hebt eure Krüge

Aufrichtig, grenzenlos und direkt. „Heartscape“ ist ein persönlicher Erkundungsgang durch unsere innere Welt - die Welt die wir im Herzen tragen. 
Musikalisch vereint das Album verschiedene Richtungen. Die atmosphärische Titelnummer steht in starkem Kontrast zu dem explosiven Rock-Song „Space Invaders“; die urgewaltigen Rhythmen von „Unchained“ zerbrechen in die herzerweichenden zarten Klänge von „Never Goorbye“ und „Can I go home now?“ Wenngleich es offensichtlich ist, dass die Band ihren Ursprung in der Jazz-Tradition hat, kann man doch nicht leugnen, dass sie mit Heartscape auch deutliche Einflüsse aus der Rock-Musik an den Tag legt. Zusammen ergibt sich daraus eine Mischung aus starken Rhythmen, lyrischen Melodien und Explosionen mächtiger Urkräfte.
In den zwei Jahren nach der Veröffentlichung des Debütalbums „Country Music“ war das Sander Baan Quartet auf Tour in den Niederlanden, Deutschland, Belgien und Rumänien. Das im Jahr 2015 veröffentlichte Album öffnete ihnen Türen zu bekannten Bühnen in Berlin, wie zum Beispiel zum Jazzclub B-Flat und der Kunstfabrik Schlot, und hat auch zu einer erfolgreichen Kollaboration mit der bekannten niederländischen Saxophonistin Tineke Postma geführt. Es war an der Zeit für einen Nachfolger. „Heartscape“ ist ein neuer Meilenstein in der Entwicklung des Sander Baan Quartets und bringt die Gruppe noch näher an den Puls der Zeit.

1. Emotional Landscapes
2. Space Invaders
3. I Didn't Expect To Like You
4. Never Goodbye
5. Unchained
6. Can I Go Home Now?
7. Casual Superhero
8. Northern Sun

Michael Lane fordert uns auf ihm zu folgen. In eine Welt voller unendlicher Möglichkeiten. Völlig frei und ohne jedwede Einschränkung würden wir leben, wenn wir nur durchbrechen könnten, zu dieser parallelen Seite unseres Selbst. So zumindest beschreibt er es auf seinem Opener „Break Through“, dem ersten Track auf seinem neuen Album „Linger On“. Doch was erwartet uns dort genau und wie gelingt uns dieser Durchbruch? „Linger On“ bietet einen Einblick in diese Thematik und das anhand von Songs zum Träumen, Nachdenken und Verändern.
Der Deutsch-Amerikaner kennt viele Seiten des Lebens. Während er als 20-Jähriger noch als Soldat der US Army im Irak und später in Afghanistan kämpfte, lebt er heute von Musik. Damit hat er bereits beide Extreme des menschlichen Lebens erfassen können: Die Trennung und die Einheit. „Ich war als Soldat Zeuge von der grausamen Absurdität des Krieges. Es ist für mich unvorstellbar was in anderen Menschen vorgehen muss um derartige Zustände möglich zu machen. Danach war für mich klar, dass ich einen Weg finden muss auf meine Art etwas gegen diesen Wahnsinn zu unternehmen. Musik war mein Schlüssel. Sie verbindet Menschen miteinander und ich möchte dazu beitragen.“
So setzt Mike dort an, wo er mit seinem 2014 veröffentlichten Debüt Album „Sweet Notes“ angefangen hat. Während das Nachfolgewerk „The Middle“ (VÖ: 2016) tiefer in die Materie eindrang, kommt es auf „Linger On“ zum einstweiligen Höhepunkt seiner künstlerischen Schaffenskraft. Das Album dreht sich um Visionen von einer Welt in Balance. Der Titeltrack beschreibt dabei den Wunsch, dass das Schöne und Wahre in uns doch anhalten möge. Wer die Welt verändern möchte, muss sich selbst verändern. So sollen wir bleiben und weiter gehen auf unserem Weg. Nicht weg sehen sondern handeln. „There will be a voice inside your heart, still and clear. That tells you everything about us. We are near.“ so im Titel „The Night“ zu hören. Damit verweist der Künstler darauf, dass man nicht alleine ist. In unserem Herzen wissen wir bereits, dass es da draußen viele Verbündete gibt, die den gleichen Weg begehen.
Mike produzierte „Linger On“ nahezu komplett alleine. Unverzüglich spürt man die direkte Intimität der Platte, die uns sofort in den Bann zieht. Mit einfachen Mitteln bewegt Mike jedes Element an die Stelle, wo es hin gehört und überrascht darüber hinaus mit unerwarteten Wendungen und Sounds. Während „The Middle“ puristisch und klar gehalten wurde, entwickelte der Künstler mit „Linger On“ seinen Sound deutlich weiter und setzt auf flächige Arrangements und träumerische Drumsounds. Einhergehend mit den inhaltlichen Themen fügt sich der Klang der Platte nahtlos an Mikes visionären Ideen.
Linger On baut die Brücke zwischen der wundervollen Utopie vom Menschen ohne Ängste und der harten Realität in der wir leben. Mit einer großen Portion Hingabe stimuliert uns der Künstler zu einer Reise in unser Inneres. In der Hoffnung, dass wir dort den Schlüssel finden zu unserem wahren Selbst und unserem eigentlichen Bewusstsein. In diesem Sinne: Linger On.

01 Break Through
02 Wolf Lodge
03 Linger On
04 The Night
05 Dream Alice Dream
06 Alone In Denver
07 Fighting With You
08 Medicine Man
09 Good Morning Sam
10 The Sweetest Thing
11 Full Value

Nach dem gleichnamigen Debütalbum, legt T.G. Copperfield mit seiner Electric Band ein ambitioniertes Zweitwerk vor. Die zwölf Tracks von „The Worried Man“ drehen sich um die Geschichte von „Evil Eye“. Eine dystopische Rock and Roll Oper, die in einer nicht ganz unwahrscheinlichen Zukunft spielt, in der nach dem großen Krieg ein totalitärer Staat die Zügel in der Hand hält. Individualität ist der allgemein anerkannte Feind der Gesellschaft. Das Schreckgespenst vom „Worried Man“ geht um.
Komplett live eingespielt in den Slash Zero Studios von Robert Hofmann und mit Unterstützung von Drummer Michael Air Hofmann und Bassist Michael Don Karlos Karl, die auch das Live-Trio von T.G. Copperfield komplettieren, lebt diese Platte vor allem von ihrer zügellosen Spielfreude. Wie auch auf dem ersten Copperfield Album geben die Songs die Richtung vor. Dabei verschwimmen die Grenzen zwischen den Genres mit selbstverständlicher Leichtigkeit. Langweilig ist anders! Alle Songs stammen wieder aus der Feder von Copperfield. Startpunkt war der Song „The Worried Man“ selbst: „Dieser Jam ist die Essenz all dessen, was mich als Songwriter in den letzten zwei Jahren beschäftigt hat. Ein Aufschrei, eine Botschaft, ein Blues.“
Beim Mix wurde wieder besonderes Augenmerk auf organischen Sound gelegt. Das Ergebnis kann sich hören lassen und liefert großartige Vintage-Sounds, ohne dabei an Druck und Modernität einzubüßen.

01 Evil Eye
02 Something wrong
03 Down in the mud
04 Love somebody
05 Who will stop the rain
06 Black Cat Voodoo Spell
07 Go to hell
08 Shame Shame Shame
09 Who's that
10 Worn out shoes
11 Black Horse
12 The worried man

Dias Karimov wurde 1983 in Ufa, Russland, geboren. Er kommt aus einer traditionsreichen Musikerfamilie und spielt bereits seit seinem sechsten Lebensjahr Klavier. Sein Vater, der Pianist und Komponist Airat Karimov, war während  Dias Kindheit dessen Lehrer für klassische Musik, brachte ihm die ersten Schritte in Improvisation bei.
Im Jahr 1990 begann Dias sein Studium an einem Musikgymnasium im Fach „klassisches Klavier“, das er 2001 mit Auszeichnung abschloss. 2005 absolvierte Dias sein Diplom als Konzertpianist an der Akademie Ufa, an der er kurz danach das Angebot annahm, als Musiklehrer zu arbeiten.
Die Liebe zum Jazz und zur Improvisation brachte Dias 2008 nach Weimar, wo er ein Jazzklavier-Studium an der Hochschule für Musik Franz Liszt absolvierte. Danach widmete er sein Können verschiedenen Crossover-Projekten. Momentan arbeitet er als Dozent an der Musikakademie in Wiesbaden und Frankfurt am Main. Zudem spielt er Solo-Konzerte und hat Auftritte mit verschiedenen anderen Musikern aus unterschiedlichen Stilrichtungen.
Dias neues Album „ImPuls“ ist seinem Vater Airat Karimov gewidmet. Diese CD enthält die Stücke von Airat Karimov, Elmer Szentirmay, Arrangemments von Jazz Standards sowie eigene Kompositionen. Auf diesem Album spielt Dias Karimov ein hundertjähriges Schiedmayer-Klavier.

1. Elegie
2. ImPuls
3. Sweet Sue
4. Billie’s Bounce
5. Lover
6. I See The Rain
7. There’s Only One Girl In The World

Es ist schwer eine Musik zu beschreiben, die so ehrlich ist, jedem Song den Raum zu lassen, genau das zu sein, was er sein will. Das Album „Oh What Pretty Thing“ ist betörend nackt und rau produziert. Als Zuhörer fühlt man sich zwischen der Band sitzend, als seien die Klänge dicht am Ohr, fast im Kopf und dann im Herzen. Es ist ein Album, das man auf dem Boden liegend hören will, das die Kälte vertreibt, der Zeit den Vogel zeigt und vom Menschsein erzählt. Es ist Popmusik mit komischen Instrumenten. Akustischer Klang von Kontrabass, Posaune und Taschenkoffer, dazu elektronische Sounds. Dazwischen schwebt der Gesang, direkt und pur. Dieses Album ist keine Reise, es ist ein tiefes Eintauchen in die eigene Intimität

01 Faces
02 4.34 pm
03 Filou
04 Maria
05 2.17 am
06 Nose
07 Friend
08 1 am
09 Yours
10 11.30 pm

Von Melancholie bis Zuversicht versuchen Strandheizung Emotionen dort einzufangen, wo sie am stärksten sind. Es sind oft nur kurze Augenblicke, die viel verändern können. Wir müssen uns umschauen, denn die meisten Inspirationen liegen direkt vor uns. Menschen oder Situationen, die uns berühren. Kleine Gesten, Worte, manchmal kaum der Rede wert. Doch für die Musiker lohnt es sich, den Moment zu greifen und darüber zu erzählen. Alltagsgeschichten. Mal nachdenklich, mal voller Freude, doch immer persönlich, authentisch und oft mit einem Augenzwinkern. Ihre deutschen Texte untermalt die Band mit durchdachter Musik im Stile Singer-Songwriter/Pop-Rock.
Auf dem aktuellen Album überzeugt Strandheizung mit Klarheit in der musikalischen Gestaltung, zugleich aber, bei genauem Hinhören, auch mit Detailverliebtheit, die jeden der zwölf Titel einzigartig erscheinen lässt. „Einfach Tanzen“ ist eine kleine Reise durch zehn Jahre Bandgeschichte und eine Einladung, sich mit treiben zu lassen.

1. Meine Vision
2. Ich nehm' dich mit
3. Euphorie
4. Angst vorm Fliegen
5. Kennst du einen
6. Du folgst mir
7. Der Moment
8. Einfach tanzen
9. Stummfilm
10. 31. September
11. Was ich dir sagen wollte
12. Langeweile

I. Julian Leucht hat sich gemeinsam mit seiner Band The Night Bus Strangers dem Mythos der amerikanischen Nacht verschrieben. Und der passende Soundtrack dazu ist ein geradliniger, aufgerauter Folkrock, der überraschend unaufgeregt, aber dafür umso effektiver daherkommt. Ebenfalls bemerkenswert ist Leuchts Stimme, die nach 500 Meilen Präriestaub und billigem Whiskey von der Tankstelle klingt. Verstärkt in kleiner Bandbesetzung der ideale Begleiter durch eine Nacht voller Songs, Stories, Träume und Mythen einer wirklicheren Wirklichkeit...
II. Nach dem akustisch geprägten Debütalbum „Blue Motel“ des aus Hamburg kommenden Trios aus dem Jahr 2014 folgte 2016 das musikalisch großformatigere „Depraved & Wonderful“, auf dem die Band von Orgeln und Bläsern unterstützt wurde.
III. Auf dem aktuellen Album „III“ besinnt sich die Band wieder zurück auf den Kern ihrer Kammermusik der nächtlichen Stadt. Dieses dritte Album wurde in drei Tagen und Nächten von den drei Musikern (Gitarre, Bass, Schlagzeug) live eingespielt. Dabei verbinden sie moderne Texte mit klassischen, aber keineswegs verrosteten Songstrukturen.

1. You're A Man Now
2. Insomnia
3. No Blues
4. Hallucination
5. The Tailor
6. Arabesque Afternoon
7. Odd Balloons
8. Phone Boxes
9. Same Old Songs
10. Alcatraz Heart
11. Cashmere Dreams
12. Middle Class Hero
13. I’m Tired